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Ver las 1001 películas del libro "1001 películas que debes ver antes de morir" y hacer un pequeño post sobre cada una. Puedes seguir mis progresos en esta lista

#656. Manhattan (1979)


Ficha técnica: IMDB Wikipedia Filmaffinity
Vistas: 61
Restantes: 940
Vista en: 2010.
Lugar: Facultad de Ciencia de la Universidad de Granada.

" People should mate for life, like pigeons or Catholics./
La gente debería emparejarse de por vida como las palomas o los católicos"

Isaac es un escritor sin demasiado éxito que se encuentra inmerso en una relación prohibida con una adolescente. Intentando alejarse de esta relación acaba conociendo a Mary (Dianne Keaton), la intelectual y snob amante de su mejor amigo. Al principio Ike y Mary no dejan de discutir por tonterías pero eso irá cambiando…

WOODY ALLEN III. Luces y Sombras.
(segunda parte)   (cuarta parte)

MANHATTAN (1979)

 

Rodada en blanco y negro y en pantalla panorámica, Manhattan es un homenaje al famoso barrio de Nueva York. La idea original surgió mientras Allen escuchaba una obertura de George Gershwin, un famoso compositor neoyorquino. Woody pensó en ese momento que la música quedaría perfecta en una comedia romántica. Además el director, de acuerdo con Gordon Willis, su operador de cámara quiso filmarla en blanco y negro porque: “porque es así como la recuerdo de cuando era pequeño. Reminiscencias de viejas fotografías y películas”.

La película arranca con una secuencia de unas preciosas instantáneas de sus calles y su gente a la vez que el protagonista nos cuenta lo que le atrae de Nueva York. La ciudad aparece en toda su gloria sobre la música de George Gershwin; a la vez que se nos muestra lo bueno y malo de la Gran Manzana: los atascos, la aglomeraciones, los rascacielos,…  


Pero Manhattan habla sobre todo de la vida de un grupo de neoyorquinos, de sus relaciones y de cómo a veces nos negamos a nosotros mismos la felicidad tratando de encontrarla en otra parte. En este caso, Isaac (WoodyAllen) mantiene una relación ilícita con una chica de 17 años, Tracy, que le idolatra. Queriendo salir por todos los medios de esa relación de la que él cree que no puede salir nada bueno, acaba persiguiendo a la amante de su amigo, Mary (Diane Keaton). Pero esta relación le supone más problemas que la anterior porque Mary no está realmente enamorada de él.



Ike intentando entender el arte moderno
De nuevo, la actuación de Dianne Keaton es memorable. No deja de resultar curioso que la Keaton haga aquí el papel de pedante snob, un personaje que es justo la antítesis de su recordado papel en Annie Hall. Es aún más irónico sabiendo que el personaje de Annie estaba inspirada en ella misma; por lo que en Manhattan Diane interpreta a un personaje completamente opuesto a su verdadera personalidad.

Mariel, un talento muy precoz
Pero el auténtico descubrimiento de la película en Mariel Hemingway que hace de Tracy, la novia adolescente de Isaac. Con sólo 16 años realiza aquí una actuación que le valdría una nominación al Óscar. Su personaje está basado en una chica que Allen conoció durante el  rodaje de Annie Hall y con la que mantuvo una relación de dos años. Aunque nunca confesado por los implicados, ella era menor de edad por entonces.

Meryl Streep también tiene un papel secundario como vengativa (y recientemente convertida al lesbianismo) ex mujer de Isaac. Las escenas entre éste y aquella son muy divertidas y permite al director hacer uno de sus clichés favoritos: escenas muy largas sin cortes ni indicaciones. 

“En general me gusta confiar en los actores; cuando un actor está haciendo algo bien me gusta dejar la cámara sobre él y dejarle estar ahí y no molestarle.”

Sin embargo, para la metódica Streep es un tipo de dirección que le sacaba de quicio. Según cuenta “Ni siquiera creo que se acuerde de mí”. Una opinión compartida por bastantes de los actores y actrices  que trabajaron con Woody Allen.  

En glorioso blanco y negro

Desde el punto de vista técnico, el uso del blanco y negro le da un cierto aspecto de cine clásico muy interesante a la vez que permite la aplicación de ciertos efectos muy originales. Por ejemplo, está la escena del planetario donde los personajes se van fundiendo con sus sombras a medida que se pierden entre ese paisaje marciano. La escena es preciosa y es uno de los puntos álgidos de la película. Pero la escena más memorable es, sin duda, aquella en la que Diane Keaton y Woody Allen están sentados en un banco viendo amanecer sobre un iluminado puente de Brooklyn. Sobre esta escena que se ha convertido en un clásico del cine, dice Gordon Willis, el operador de cámara:

“Ese plano lo rodamos a las cinco de la mañana. El puente cuenta con dos hileras de bombillas, que el ayuntamiento programa automáticamente. Al alba, las luces del puente se apagan. Como lo sabíamos, nos habíamos puesto de acuerdo con el ayuntamiento para que dejaran las luces encendidas hasta que hubiéramos hecho el plano. Cuando salió el sol, apagaron una de las hileras… ¡Es un plano magnífico, pero le va a faltar una fila de luces para toda la eternidad!”

Cuando terminó el rodaje, Woody no estaba satisfecho con el resultado e intentó que el estudio no la estrenara. Sin embargo, la película fue un gran éxito y al igual que Annie Hall se acabó convirtiendo en un icono de la cultura popular. Con todo, las críticas, que se irán extendiendo con el tiempo, empiezan ya a oírse. Algunos críticos empiezan a sentirse hastiados del ambiente snob y elitista que muestra Allen en sus películas. Según estos críticos “sus personajes no salen a pasear ni van a restaurantes sin plantearse cuestiones espinosas los unos a los otros”. Lo cierto es que el nivel de vida de Allen que conduce un Roll-Royce y tiene un ático en Manhattan es muy distinto del de los escritores vagamente miserables que interpreta.

Pero sobre todo lo que casi nadie acepta es que Tracy, una adolescente, represente los “valores auténticos” para un hombre de cuarenta años. Sin duda, no sabían lo que se les avecinaba…



RECUERDOS / STARDUST MEMORIES (1980)


El título proviene una canción de Louis Armstrong y habla de un director de cine que está pasando por una crisis existencial que, entre otras cosas, le hace alejarse de sus exitosas comedias y acercarse más al drama. A consecuencia de este giro sus fans, sus productores y los críticos le dan la espalda y le instan a volver a lo que mejor se le da. Por otra parte, su corazón también está dividido entre la maternal y sensata Isobel (Marie-ChristineBarrault) o la más intelectual Daisy (Jessica Harper), además de lidiar con sus recuerdos de Dorrie, una chica inestable con la que convivió algún tiempo. Un fin de semana en Kansas en un ciclo retrospectivo de su película le dará tiempo para reflexionar sobre su vida y sus recuerdos.

Woody "Fellini"
 La película, rodada otra vez en blanco y negro, está inspirada en 8 y medio de Fellini y hace uso de técnicas muy utilizadas por el cineasta italiano como las metáforas visuales, la narración desordenada o la disolución de la barrera entre el mundo onírico y el mundo real. Formalmente es sin duda una de las películas más conseguidas de Woody Allen. Todo en ella es alegórico, desde el mural de la pared que cambia según el momento vital de su protagonista hasta la escena inicial con los dos trenes, que resume perfectamente la filosofía de Allen:

“… tiene que ver con una sensación de estar en un tren de perdedores que se dirige a una mala vida con otros perdedores. Y luego hay otras personas en otro tren […] que se están divirtiendo. Son hermosos y ricos y tú estás con esas personas de aspecto mugriento. Y quieres bajarte de tu tren y subirte al otro. Y luchas y no puedes bajarte. Y al final los dos trenes acaban en el mismo montón de basura”

De entre el reparto destaca la brillante actuación de Charlotte Rampling como la desequilibrada para entrañable Dorrie. Su actuación dota a Dorrie de una gran personalidad. Podemos ver a una mujer en apariencia débil e inestable pero con una gran fuerza interior que lucha contra su destino a la vez que intenta desesperadamente que Sandy (el personaje de Woody) la salve con su amor. Hay dos escenas suyas hacia el final de la película que son memorables: en la primera aparece leyendo una revista y lanzando una sonrisa al espectador sincera pero algo melancólica, en la otra sale hablando a la cámara en un montaje rápido de fragmentos cortos que nos da una visión íntima de sus pensamientos y sentimientos más profundos. Su personaje es más interesante aún porque está basado en parte en Louise Lasser, la segunda mujer de Woody Allen; por la que el director sentía una gran fascinación y cuyo carácter recrea en sus personajes de vez en cuando (el de Christina Ricci en Anything Else, 2003 o el de Scarlett Johansson en Match Point, 2005 son los ejemplos más recientes).

Charlotte Rampling, una locura seductora
La película fue un fracaso en EEUU en parte porque los espectadores y los críticos se sintieron ofendidos por lo que consideraron que era un ataque personal contra ellos. Lo cierto es que la película trata temas muy personales para el director como la crítica hacia sus nuevos dramas o la insistencia de los fans para que volviera a hacer comedias. Sin duda eran cosas con las que tenía lidiar todos los días y parte de esa frustración se transmite en la película.  No obstante, Allen siempre ha negado que la película fuera autobiográfica:

“¡Pensaban que el personaje principal era yo! No un personaje de ficción, sino yo, y que estaba expresando mi hostilidad hacia el público. Y por supuesto ése no era en absoluto el propósito de la película”

La principal diferencia estriba en que Sandy (el protagonista de la película) no quería hacer más comedias mientras que Allen seguiría haciéndolas aunque no quisiera estar limitado a ellas.

La peli fue un fracaso
Recuerdos es junto con la Rosa Púrpura del Cairo y Match Point una de las películas favoritas de Woody Allen.




LA COMEDIA SEXUAL DE UNA NOCHE DE VERANO / A MIDSUMMER NIGHT'S SEX COMEDY (1982)


Un poco para distanciarse su personaje en Recuerdos y desmentir que hubiera abandonado la comedia, sus dos siguientes películas (que rueda a la vez) pertenecen a este género. 

La primera en estrenarse es La Comedia Sexual de una Noche de Verano en la que tres parejas (a principios del siglo XX) se reúnen en una casa de campo para pasar un fin de semana. Pronto las relaciones de los seis personajes se van enredando en un cómico ballet amoroso con el agreste paisaje de fondo.
Un paseo por el campo
 Concebida como un mero entretenimiento para llenar el tiempo muerto durante la producción de Zelig, la película no pretende más que ser una comedieta ligera de enredos románticos con un paisaje campestre de fondo. Un paisaje realzado por la cuidada fotografía de Gordon Willis que le da una gran belleza estética a cada escena.  
“Simplemente pensé: ‘¿No resultaría encantador hacer alguna cosita veraniega, de principios de siglo, […] 1910 o algo así y hacerlo muy bonito? Una tarde con gente jugando al bádminton y cazando mariposas’ […] Queríamos rodar durante los días más hermosos en el campo. La hicimos tan encantadora como pudimos. Y todo estaba incluido en eso. Nos aseguramos de que la luz fuera perfecta y de que el sol estuviera en el lugar exacto. Por último al final de la estación estábamos pintando las hojas de verde.”
De nuevo la película fue un fracaso en taquilla y la crítica, que llevaba años pidiéndole una comedia menos intelectual a Allen, se ensañó por considerarla demasiado “frívola”. Ya ves, hay gente que nunca está contenta.

La película marca la primera en la que aparece Mia Farrow. Woody la conoció a durante el rodaje de Recuerdos y juntos empezaron una relación sentimental bastante larga durante la que rodaron hasta 13 películas en común.  Artísticamente, la relación sirvió por un lado para relanzar la carrera de Mia, estancada desde mediados de los setenta, y por otro para que Woody Allen encontrara una actriz principal estable tras la marcha de Diane Keaton a Hollywood. 

Mia y Woody juntos por primera vez

Desde el punto de vista sentimental, aunque tuvieron una relación muy larga, nunca se casaron y vivieron siempre en apartamentos separados (uno enfrente de otro separados únicamente por el Central Park). La razón principal es que a Woody le aterrorizan los seis hijos (tres biológicos y tres adoptados) de Mia: Matthew, Sasha, Fletcher, Lark, Daisy y la pequeña coreana Soon-Yi



ZELIG (1983)


El fracaso de la película no le preocupa a Allen porque al mismo tiempo está involucrado en un proyecto mucho más ambicioso: Zelig.

Narrada como un falso documental, la película narra la vida de un personaje famoso de los años 20 y 30 llamado Leopold Zelig. Leopold es un hombre marginado que lo único que quiere es integrarse con los demás y ser amado a cualquier precio y, que para lograrlo llega al punto de transformar su apariencia física y su personalidad  para parecerse a su interlocutor. Así Zelig se convierte en negro entre los negros o gordo entre los gordos.

Gordo entre los gordos
 La película habla de la exclusión social y de cómo el deseo de encajar en el grupo acaba conduciendo a la extinción de la personalidad individual. Esto conlleva que las personas en situación de desamparo sean las más proclives a ser absorbidas por voluntades más fuertes  e ideas más extremistas (como el fascismo referido en la película).

“Alguien pregunta: ‘¿Has leído esto o aquello?’ y la otra persona responde ‘Sí, por supuesto’ aunque no lo haya hecho: Porque quieren gustar y formar parte del grupo.[…] El peligro concreto de renunciar a nuestro verdadero ser en un esfuerzo por gustar, por no crear problemas, por adaptarnos [es que] conduce a una conformidad total y una sumisión total a la voluntad y a las exigencias y necesidades de una personalidad fuerte. […] Te transformas en un material perfecto para ser guiado por los poderes de persuasión del fascismo. Y eso es exactamente con lo que ellos contaban.”
La película es un ‘tour de force’ técnico que tarda varios años en completarse. Por un lado el documental está compuesto de viejos rollos de noticias de los años veinte y treinta algunos de ellos alterados para incluir a los personajes principales. Así podemos ver a Zelig junto a Charles Lindbergh o Scott Fitzgerald (o incluso Hitler). Esto requirió de un esfuerzo monumental de documentación como cuenta el propio Allen:

“Escribí primero todo el guión. Luego estuve repasando millones de metros de documentales y cambié el guión para incluir nuevos descubrimientos. Y esto se prolongó durante un par de años. Llevó mucho tiempo organizarlo.”

Luego están las escenas rodadas expresamente que debían tener exactamente la misma calidad que los archivos históricos:
“Conseguimos viejos objetivos de los años 20, cámaras viejas y antiguos equipos de sonido. Intentamos todo lo que seguía existiendo de esa clase. Y lo rodamos con el tipo exacto de iluminación que hubieran utilizado en la época.[…] Fabricamos tramas de destellos para que nuestra película tuviera luz parpadeante como las viejas películas antiguas. E hicimos arañazos en el negativo.”
Por último, todo este esfuerzo técnico se ve reforzado con el añadido de entrevistas a personajes en la época actual. La mayoría de estas personas eran aficionados que nunca habían salido en cámara para que el efecto de documental quedara más realista. Aunque también aparece gente famosa como Susan Sontag, Saul Bellow o Bruno Bettelheim

Zelig, un caso médico de mucho interés

En conjunto Zelig es un falso documental perfecto tremendamente realista y que además sabe narrar una historia emotiva con algunos toques de humor. La película fue un éxito de público y crítica aunque Allen siempre se quejó de que la gente sólo la apreciara por el esfuerzo técnico y no llegara a entender el trasfondo moral del film.

 

BROADWAY DANNY ROSE (1984)


Allen concluye esta larga etapa en blanco y negro con una película que rinde homenaje a sus inicios como cómico monologuista.

Danny Rose es un representante artístico de poca monta que, no obstante, tiene un gran olfato para encontrar y promocionar nuevos talentos. Sin embargo, cuando la fama empieza a llegar estos siempre le abandonan. Ahora intenta devolver al candelero a una antigua gloria de la canción de los cincuenta, Lou Cassano aunque para ello primero tendrá que conseguir que su testaruda amante vuelva con él.  

Mia y sus gafas
 Una comedia muy divertida en la que podemos comprobar el gran repertorio de Mia Farrow que hace una brillante actuación como rubia tonta. Además tuvo que trabajar con el hándicap de tener que llevar gafas de sol durante toda la película lo que limitaba su expresión facial.

Nick, un portento natural
 El otro gran descubrimiento del film es Nick Apollo Forte que hace el papel de Lou Cassano. Como el propio Woody explica, el actor fue enrolado de casualidad:

“Probé a un milón de cantantes, famosos y no famosos, sin encontrar a la persona adecuada[…] Entonces Juliet Taylor fue a una tienda de discos y compró todos los discos que pudo. Y vio esta foto de Nick Apollo Forte en uno de los discos. Y lo encontramos. Estaba en algún lugar de Connecticut, en una pequeña ciudad, cantando en un antro.”

#744. Aliens, el regreso / Aliens (1986)


Ficha técnica: IMDB Wikipedia Filmaffinity
Vistas: 60
Restantes: 941
Vista en: 2 de Junio de 2012.
Lugar: En casa.


"Is this gonna be a standup fight, sir, or another bughunt?/
¿Esto será una pelea en firme u otra cacería de bichos?"

Cincuenta años después de los acontecimientos en la nave Nostromo, la nave de Ripley es encontrada por fin y llevada a un puerto estelar. Ripley sufre de hipotermia debido a la larga crionización pero ese no será su único problema. La empresa para la que trabaja no está muy feliz por haber destruido una de sus naves y sus explicaciones sobre bichos alienígenas no convencen a nadie. Entonces pierden la comunicación con la colonia que habitaba el planeta que exploraron Ripley y los suyos por lo que le piden a ésta que regrese allí, eso sí esta vez irá bien acompañada...

En esta ocasión la teniente Ripley vuelve con un pelotón de marines a sus espaldas. Eso debería ser suficiente para igualar las fuerzas con “el bicho”. Sin embargo, el Alien de la primera parte también se ha buscado refuerzos. Entre otros individuos a una muy cabreada mamá.

Enfocándose más en la acción que en el terror, Aliens de James Cameron es una película completamente diferente de la opresiva obra maestra de Ridley Scott. Mientras que Scott tiraba más por la vía psicológica, mostrándonos una criatura acechante, implacable y prácticamente invisible; Cameron no se corta en llenarnos la pantalla de bichejos que, emboscadas y ataques a granel a parte, mueren con cierta facilidad ante la artillería pesada de los marines. Se trata por tanto de un thriller palomitero que te mantiene pegado a la butaca dos horas sin apartar la vista de la pantalla.

Ripley y "los chicos"
 Uno de los atractivos de la película son los personajes, bastantes más definidos que en la primera parte. Por un lado, volvemos a tener a Sigourney Weaver como Ripley que nos vuelve a ofrecer un gran papel como heroína de acción; aunque añadiéndole en esta ocasión un aspecto más emocional y psicológico que sólo se apuntaba en Alien (no en vano, la propia Weaver había evolucionado mucho desde la que fuera su primera actuación cinematográfica actuando en películas como El año que vivimos peligrosamente junto a Mel Gison o Cazafantasmas). En esta ocasión, se nos presenta una Ripley seriamente afectada por su encuentro con el Alien y por la marginación a la que se ve sometida cada vez que relata su aventura. Al más puro estilo de la mítica Casandra, ella es la voz de la razón que es invariablemente ignorada. La actuación le valió una nominación al Óscar (una de las pocas en conseguirlo con una peli de Ciencia-Ficción).

"Sólo necesito saber donde está"
Otro personaje interesante es Jenette Goldstein que hace de la dura y malhablada marine hispana Vasquez. Se trata de un personaje difícil y algo antipático pero que posee un alto sentido del honor y el compañerismo. Dado el tipo de roles femeninos con los que nos ceba la industria constantemente, el personaje representa todo un hito para Hollywood (y para América en general ya que, en el momento de la producción, todavía no había mujeres marines en unidades de combate).  Como curiosidad, Jenette fue al casting creyendo que el tema de la película sería la inmigración (otro de los significados de "Alien" en inglés es “inmigrante ilegal”); por lo que se presentó al casting para hacer de la dura soldado con minifalda y tacones altos.

Carrie Hen, una niña triste
 Carrie Hen, la niña, es el otro descubrimiento de la cinta. Para su papel los productores hicieron miles de audiciones con niños pero la mayoría habían salido ya en anuncios de TV y estaban demasiado acostumbrados a sonreír. Carrie en cambio tiene esa melancolía honda y terrible propia de infancia perdida que le va bien al personaje. Su actuación fue muy elogiada e incluso ganó algún que otro premio. Sin embargo, no volvió a aparecer en ninguna otra película. Ahora es profesora en un pueblecito de California.

De los chicos hay que destacar la actuación de Bill Paxton como Hudson, el técnico que pierde la cabeza y Michael Biehn como el Cabo Hicks, el marine guasón que tiene que asumir el mando. Mención especial merecen los personajes de Paul Reiser como el implacable hombre de negocios y Lance Henriksen como Bishop el androide, dos personajes muy interesantes que, en mi opinión, se les podía haber sacado bastante más.
  
Don "Sonrisas"
El rodaje en Londres deparó muchas anécdotas y es que James Cameron, que diez años después casi ahoga a Kate Winslet en un tanque de agua, no ha sido nuca un hombre fácil de tratar. Al director americano le sacaba de quicio, por ejemplo, que el rodaje se tuviera que detener todos los días a las 5 para la hora del té. Sus protestas sólo empeoraron el ambiente entre el equipo técnico, bastante caldeado por el hecho de haber sustituido en la secuela al admirado director británico Ridley Scott por un novato de Hollywood (por entonces Cameron ya había presentado con gran éxito su Terminator pero todavía no se había estrenado en el Reino Unido). James tuvo incluso tuvo que hacer frente a un conato de motín tras despedir a uno de los cámaras por desacuerdos con la iluminación. Al menos esta vez nadie trató de envenenarlo.

Aun así, lo que le falta de diplomacia y simpatía a Cameron, le sobra en maestría y talento. El director es un auténtico perfeccionista. Por ejemplo, los “marines” fueron obligados a hacer un entrenamiento militar de un mes todos juntos para que crearan lazos entre ellos que luego se reflejaran en la pantalla. Además las armas que portan todos ellos son reales y los vehículos y habitáculos fueron rescatados de una subasta de deshechos de British Airways. Toda esta atención a los detalles hace que cualquier película del director, por fantasiosa o futurista que sea, parezca decididamente real y cotidiana.

En definitiva, una película con toneladas de acción y algún que otro susto que ya es todo un clásico del cine de Ciencia-Ficción.


#646. Alien, el octavo pasajero / Alien (1979)


Ficha técnica: IMDB Wikipedia Filmaffinity
Vistas: 59
Restantes: 942
Vista en: 19 de Mayo de 2012.
Lugar: En casa.

"In space nobody can hear you scream /
En el espacio nadie puede oir tus gritos"

La nave comercial Nostromo, que lleva 20 millones de toneladas de mineral a la Tierra, es desviada de su rumbo y sus tripulantes despertados de la hibernación al detectar una señal de emergencia proveniente de un planeta cercano. Cuando el personal de abordo empiezan a investigar, descubren una nave alienígena aparentemente desierta...


Si hace unos días comentábamos cómo muchas películas deterror tienen fecha de caducidad, en esta ocasión traemos el caso contrario. Alien es una película que todavía sigue produciendo escalofríos en los nuevos espectadores. Su ritmo pausado y opresivo unido a esa criatura que nunca llegamos a ver claramente, pero cuya presencia sentimos constante a través de todo el metraje, la convierten en posiblemente una de las mejores películas de terror de la Historia.

 
La forma en que la trama se va desarrollando consigue mantener el suspense y hace que te vayas metiendo en la historia poco a poco. El descubrimiento del planeta, la nave, los huevos, etc. Todo se va volviendo más oscuro a medida que la historia avanza. Y claro, luego está el bicho, al que vemos nacer, crecer y evolucionar constantemente. De tal forma que nunca llegamos a conocer su verdadero aspecto y, como la naturaleza aborrece el vacío, nosotros nos encargamos de añadir lo que falta con retazos de nuestras más intimas pesadillas. En palabras de su director, Ridley Scott

“Nunca me habían gustado las películas de terror porque al final siempre eran un hombre en un traje de goma. Bueno, sólo hay una forma de lidiar con eso. Lo más importante en un film de este tipo no es lo que ves, sino lo que crees que ves”

Giger, una belleza turbadora

El Alien original fue creado por el diseñador suizo H.R.Giger. Un autor famoso por sus pinturas y esculturas biomecánicas representando cuerpos humanos entrelazados a frías y terroríficas máquinas. Su imaginería nace a partes iguales de las pesadillas más profundas y del fetichismo más depravado. Dan O’Bannon, el guionista de la peli y el creador último de muchos de los conceptos de Alien, consideraba el trabajo de Giger terriblemente “inquietante”:


“Sus dibujos tuvieron un profundo efecto en mí. Nunca había visto algo que fuera tan horrible y a la vez tan hermoso como sus obras. Así que terminé haciendo un guión sobre uno de los monstruos de Giger.”
Aparte del tema del terror y la criatura, la película fue rompedora en muchos sentidos. Por ejemplo, presentaba un futuro bastante “sucio” y realista y los protagonistas eran tremendamente malhablados y nada escrupulosos (nada que ver con los pulcros escenarios y los elevados principios morales de las películas y series de ciencia-ficción anteriores como Star Trek). Según Ridley Scott, ellos veían a la tripulación del Nostromo como “camioneros en el espacio”.

Los camioneros de Ridley

Además el reparto era bastante mayor en comparación con los adolescentes que normalmente poblaban (y pueblan) las películas de terror. Sigourney Weaver con 30 años entonces, era la excepción. La actriz, que había estado actuando sólo en teatro hasta ese momento, fue la última en ser elegida. A pesar de su inexperiencia, impresionó a Scott en su audición y obtuvo su primer papel protagonista que le valió un BAFTA a Mejor Actriz Revelación.

Ripley y el alien, una relación tempestuosa
 La elección de una mujer como protagonista de una película de este tipo, normalmente dominadas por tipos duros, también supuso un hito. Sin duda, la Weaver fue una de las primeras “mujeres de acción” de la gran pantalla y para aquellos que hemos crecido entre películas de Rambo y Terminator, la Teniente Ripley siempre ha tenido un huequito en nuestros corazones. Nada más que por eso este clásico merece la pena verse al menos una vez en la vida.

#681. La Cosa / The Thing (1982)


Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 58
Restantes: 943
Vista en: 2011.
Lugar: En casa.


I dunno what the hell's in there, but it's weird and pissed off, whatever it is. / 
No sé que coño hay ahí fuera, pero sea lo que sea es raro y está cabreado.

Un equipo de ciéntificos de la Antártida deja de recibir señales de una base noruega vecina y decide investigar. Cuando llegan al lugar los hallan a todos muertos y descubren que los nórdicos encontraron algo que hubieran preferido no encontrar...

Un ejemplo claro de cómo ciertas películas envejecen peor que otras. Como ya hemos comentado en alguna otra ocasión, este fenómeno se acentúa más en las películas de terror (en realidad, en cualquiera que confíe gran parte de su atractivo en los efectos especiales). Aquí la obsesión de John Carpenter por las vísceras y los bichos repugnantes hacen que la película parezca terriblemente plastiquera al espectador moderno. El perro/lobo que vemos tras las primeras escenas convertida en criatura del averno difícilmente produce ya alguna reacción en el público actual. Si acaso, el uso generoso de la sangre artificial y otros elementos viscosos de ignota procedencia tienden más a provocar asco que pavor.

La Cosa, cuando el asco reemplaza al miedo

Respecto a la historia, que está basada en la novela “Who goes there?”, parte de una premisa interesante: un grupo de personas aisladas en un espacio reducido enfrentadas a un enemigo invisible que los vuelve unos contra otros. Sin duda este argumento da mucho juego y brinda una ocasión perfecta para ahondar en los aspectos más oscuros de la psicología de los seres humanos: la desconfianza, el miedo, la paranoia,… Sin embargo, la película falla en algo esencial que es la caracterización.  Hay muy poco metraje, si lo hay, dedicado a definir la personalidad de cada uno de los componentes de la base científica. Ni siquiera sabemos a qué se dedica cada uno, más allá de los papeles obvios del médico y el cocinero.

Kurt Russell, el "científico"
El efecto de esta a ausencia de personalidad es que el espectador no establece ninguna conexión emocional con ellos. Por lo que, cuando éstos empiezan a morir, se pierde todo el efecto dramático. Esto es de manual y se puede observar en las películas de catástrofes. En ellas durante los primeros minutos mueren una cantidad ingente de personas sin embargo el efecto en el espectador no es tan grande como cuando, habiéndose formado ya un grupo de supervivientes y compartido sus esperanzas y miserias, uno de éstos muere.

Al final, todo se mezcla en una película de acción bastante lenta y sólo nos ofrece algunos destellos de lo que pudiera haber sido.

 
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