1001 películas y un destino

#749. Platoon (1986)

2011-04-11T08:00:00.002+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia Filmaffinity
Vistas: 51
Restantes: 950
Días: 1 año y un mes.
Vista en: 4 de Marzo de 2011.
Lugar: Facultad de Ciencias (Universidad de Granada).

Hoy tenemos la mejor película de 1986 según la Academia.

Un chico llamado Chris Taylor (Charlie Sheen) es enviado junto con otros reclutas a un destacamento en el frente de Viet-Nam. Pronto descubre lo poco que vale la vida de un novato en la guerra y tendrá que aprender a sobrevivir en un ambiente hostil donde los enemigos no sólo se encuentran en el otro lado de la trinchera...

Se la considera una de las mejores películas bélicas de la Historia. Como el género bélico no es uno de mis puntos fuertes no sé si podría llegar a tanto. Lo que si reconozco es que es bastante realista sin resultar desagradable. No utiliza el realismo como una excusa para exhibir miles de cuerpos mutilados y lanzar litros de sangre a la cámara. De hecho la película se centra más en el aspecto psicológico de los personajes, en cómo viven el día a día en territorio enemigo, siempre en tensión y con la única esperanza de de terminar la misión con vida (es escalofriante ver que todos llevan la cuenta de los días que le faltan para volver a casa).

El hilo conductor de la historia es el recluta Chris Taylor (Charlie Sheen). Las cartas que escribe a su familia son un reflejo de como la guerra va alterando la percepción del joven soldado. Al principio, no son más que una narración pormenorizada de su adaptación al destacamento y a la vida en la selva. Con el tiempo va maquillando cada vez más detalles de su vida con el objetivo de no preocupar a su familia; hasta que finalmente deja de escribir, quizás porque no se le ocurre nada agradable que contar.

Parte de la culpa de la destrucción moral del chaval la tiene la nefasta influencia del Sargento Barnes (Tom Berenger) y el ambiente cainita que ha provocado en el grupo a resultas de su enfrentamiento personal con el Sargento Elias (William Dafoe). Ambos son los dos extremos del estereotipo de lo que es un sargento. Mientras Elias es un hombre de principios inquebrantables que siempre cuida del estado físico y anímico de sus soldados y que nunca ataca a civiles; mientras que Burnes es un hombre despiadado que ve enemigos por todas partes y utiliza a sus hombres como carne de cañón. Sin embargo, estas mismas cualidades que le valdrían el rechazo y el ostracismo en cualquier sociedad civilizada, son las que le han permitido sobrevivir tanto tiempo donde tantos compañeros suyos han caído. Es esta la dura realidad que encierra la película. Lo que la guerra exige de los seres humanos es precisamente aquello que le impide vivir en sociedad.

Los dos personajes anteriores destacan dentro de un reparto coral donde todos los actores se parecen hasta físicamente. Los uniformes, cascos,… hacen que algunos de ellos sean irreconocibles (no me enteré de que Johnny Depp participaba en la película hasta que salieron los créditos). Las mejores escenas de la película son aquellas en la que participan los actores en grupo como la estremecedora escena de la aldea o el asalto final.

El hecho de que la historia sea tan realista se debe a que está basada en las experiencias del director Oliver Stone en Viet-Nam y tardó mucho tiempo en realizarse porque los estudios de cine no tenían demasiado interés en la guerra Viet-Nam ("la guerra que EEUU perdió"). De hecho, fue la primera película sobre Viet-Nam realizada por un veterano de esa guerra y ganó el Oscar a Mejor Película, Dirección y Cinematografía.

Oliver Stone todavía haría dos películas más sobre Viet-Nam (Nacido el Cuatro de Julio y El Cielo y la Tierra) antes de poder exorcizar definitivamente sus demonios. Las tres son una auténtica desmitificación del género bélico.

#122. Caballero sin espada / Mr. Smith goes to Washington (1939)

2011-03-11T08:00:00.007+01:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia Filmaffinity
Vistas: 50
Restantes: 951
Días: 1 año
Vista en: 7 de Marzo de 2011.
Lugar: DVD (Casa de un amigo).

"Lost causes are the only ones worth figthing for. /

las causas perdidas son las únicas por las que vale la pena luchar"

Película número 50 y primer aniversario del blog. Para celebrar tan magno acontecimiento, hoy traigo una de mis favoritas.

Uno de los senadores de un estado de EEUU ha fallecido en el momento en el que se iba a pasar una ley un tanto sospechosa. Los poderes interesados detrás de esta ley presionan al gobernador del estado para que elija a “un sustituto manejable”. El gobernador acaba decidiéndose por Jeffrey Smith (James Stewart), un joven e idealista instructor de boy scouts que nunca antes ha salido del estado.

Sin embargo, los que ostentan el poder pronto se darán cuenta que ese joven soñador medio paleto es el peor adversario que podían haber elegido…

Antes de nada, quiero hacer referencia a lo apropiado del título en castellano. Porque Mr. Smith es ni más ni menos que un caballero de los de lanza en astillero. Un moderno "Don Quijote" que lucha contra terroríficos gigantes disfrazados de inamovibles molinos de viento. Un idealista que ve el mundo como debería ser en vez de como es. Un ser patético para aquellos que lo corrompen día a día y digno de compasión para los que alguna vez fueron como él pero acabaron siendo absorbidos por el sistema. Sin embargo, Mr. Smith es distinto. Mr. Smith no se arruga ante la adversidad. No importa cuántos reveses sufra, cuantas penalidades supere, el persistirá en su lucha. Quizás porque es un iluso que no concibe un mundo distinto al que él se imagina. Quizás porque no sabe cuando rendirse. Quizás porque sabe que si el cae, los gigantes atacaran a los inocentes que sólo ven molinos. En cualquier caso, si la derrota llega será porque su cuerpo falle donde su espíritu prevalezca.

Ni que decir tiene que James Stewart hace uno de los mejores papeles de su carrera. La inocencia y el idealismo que desprende en las primeras escenas unido a la fuerza y el coraje que demuestra en la escena climática le confieren al personaje un carisma que ya lo quisieran para sí muchos políticos.

El papel de Jean Arthur es algo más sutil pero igualmente soberbio. Su personaje es un ángel caído. Una víctima de la corrupción endémica propia de la política ("Look, when I came here, my eyes were big blue question marks. Now they're big green dollar marks. / Cuando llegué a Washington eran grande signos de interrogación azules, ahora son verdes como el dólar"). El tiempo pasado entre despachos le ha vuelto una escéptica. Sin embargos, sus ojos se iluminan cuando Mr. Smith le habla de los verdes pastos mecidos por el viento de su estado. Al final, ella misma, que había sido elegida para mantener a Mr. Smith "adormecido", acaba cuestionándose sus creencias.

Estas magníficas interpretaciones se sostienen sobre unos diálogos prodigiosos. Se podría llenar un libro entero con citas memorables de la película. El cuasi-monólogo de Stewart en la última escena debería figurar en los libros de Historia para enseñar a los niños a luchar por sus creencias.

Just get up off the ground, that's all I ask. Get up there with that lady that's up on top of this Capitol dome, that lady that stands for liberty. Take a look at this country through her eyes if you really want to see something. And you won't just see scenery; you'll see the whole parade of what Man's carved out for himself, after centuries of fighting. Fighting for something better than just jungle law, fighting so's he can stand on his own two feet, free and decent, like he was created, no matter what his race, color, or creed. That's what you'd see. There's no place out there for graft, or greed, or lies, or compromise with human liberties. And, uh, if that's what the grownups have done with this world that was given to them, then we'd better get those boys' camps started fast and see what the kids can do. And it's not too late, because this country is bigger than the Taylors, or you, or me, or anything else. Great principles don't get lost once they come to light. They're right here; you just have to see them again! /

Simplemente levántense, es todo lo que pido. Levántense y acérquense a ver a la señora que está encima del Capitolio, representa la libertad. Miren a este país a través de sus ojos si realmente quieren ver algo importante. Y no sólo verán el paisaje, verán todo los que el Hombre ha conseguido para sí mismo tras siglos luchando. Luchando por algo mejor que sólo la ley de la jungla, luchando por sostenerse por su propio pie, libre y decente como fue creado, sin importar su credo, color o raza. Eso es lo que verían. No hay lugar ahí para los chanchullos, la codicia, las mentiras o los compromisos con las libertades humanas. Y si es lo que los adultos han hecho con el mundo que les dio, entonces mejor que empecemos rápido con estos campamentos y veamos que pueden conseguir los niños. Y aún no es tarde porque este país es más grande que todos los Taylors o que tú, yo, o cualquier otra cosa. Los grandes principios no se pierden cuando salen a la luz. Están justo ahí, sólo que mirarlos otra vez!

Es una película para enseñarnos el valor de la libertad y la justicia y recordarnos cuan frágiles son cuando dejamos que otros dirijan nuestro pensamiento y nuestros actos.

Y también para enseñarnos a no desfallecer nunca. A seguir adelante aunque los demás te aconsejen que abandones.

A cargar contra los gigantes a pesar de que los demás sólo vean molinos.

Y con esta película mis gigantes se han hecho un 5% más pequeñitos :)

#254. Melodías de Broadway / The Band Wagon (1953)

2011-03-09T08:00:00.005+01:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia Filmaffinity
Vistas: 49
Restantes: 952
Días: 11 meses y 24 días
Vista en: 27 de Febrero de 2011.
Lugar: Cinema 2000 (Retroback).

"That's entertainment!"

Tom Hunter (Fred Astair) es un famoso actor de películas musicales venido a menos. Al no tener ya éxito con el cine, decide aceptar la oferta de unos amigos suyos para protagonizar un musical de Broadway. Originalmente el proyecto pretende ser una comedia ligera pero el director de la obra Jeffrey Cordova, un prominente director de piezas clásicas, la acaba convirtiendo en una pretenciosa actualización de Fausto con una parafernalia que ya la querría para sí la Fura dels Baus. En medio de ese gran derroche contrata a Gaby Gerard (Cyd Charisse) la prima bailarina más prominente de Broadway. Una joven estrella en alza con la que Tom tendrá más de un desacuerdo.

Se trata de uno de los musicales más conocidos de Fred Astair. Algunos la comparan incluso con "Cantando bajo la lluvia". Sin embargo, mientras ésta era más consistente en su tono alegre y optimista, "The Band Wagon" va alternando temas dramáticos con gags cómicos. Desde mi punto de vista esto no funciona mucho porque cuando las escenas divertidas llegan, no estás preparado y sólo puedes sonreír condescendientemente. En el caso inverso, con las escenas dramáticas que vienen después de una secuencia cómica, te encuentras de pronto riendo a destiempo. Por ejemplo, la escena en la que Astair abandona la obra que viene después de una larga secuencia cómica sobre las vicisitudes del teatro, me pilló completamente desprevenido ya que nada parecía anticipar este desplante.

Por otra parte, Astair y Charisse hacen un gran papel y se nota que hay química entre ellos. Sus personajes toman ciertos aspectos de su vida real. Por ejemplo, Fred Astair al igual que Tom Hunter estaba pasando por una mala época y Charisse era inusualmente alta. Me resultó muy interesante el enfrentamiento entre la vieja estrella venida a menos y la joven actriz en alza (irónicamente, el estilo de baile de ella es de corte clásico mientras que el de él es más moderno). Lástima que por circunstancias del guión su "enfrentamiento" sólo dure una escena y media porque las duras pullas de ella y las agudas réplicas de él son muy ingeniosas.

Mención especial merece la actuación de Jack Buchanan como Jeffrey Cordova. Sin duda, el personaje más cómico del film. Sus maneras exageradas y su actitud tremendista resultan extremadamente divertidas. Su descripción, con mímica incluida, de la escena de la condenación de su Fausto es desternillante.

En el plano musical hay que decir que algunos números son muy buenos como "That's entertainment!" y "Dancing in the dark". Personalmente me hizo mucha gracia el número "Triplet" en el que los protagonistas aparecen disfrazados de bebes. Número en el que, por cierto, los actores estaban de rodillas y Charisse que se había lesionado en un número anterior tuvo que hacerlo a base de calmantes.

Otro número memorable es esa parodia del cine negro del final con todos sus clichés, sus frases rebuscadas, sus casualidades convertidas en pistas,... Sin duda una de las mejores parodias del género que se hayan hecho.

Pero sobre todo, la película es una estupenda recreación de lo que es la vida en una compañía de teatro: el caos, la desorganización, los nervios,…

Una película que se acaba quedando en la memoria y que mejora conforme se recuerda.

#591. Alguien voló sobre el nido del cuco / One flew over the Cukoo's nest (1975)

2011-03-07T08:00:00.010+01:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia Filmaffinity
Vistas: 48
Restantes: 953
Días: 11 meses y 22 días
Vista en: 24 de Febrero de 2011.
Lugar: Cinema 2000 (Retroback).

"Change never hurt, uh? /

un cambio nunca hace daño, no?"

Hoy traemos una de las grandes:

La tranquilidad de un pacífico manicomio se ve alterada por la llegada de McMurphy (Jack Nicholson) un presidiario que acaban de trasladar de un centro de trabajos forzados. McMurphy es rebelde, bocazas y aparentemente un vago. Todos parecen creer que en realidad sólo finge estar loco para no tener que trabajar. Sin embargo, pronto deseará estar de vuelta en la cárcel cuando se enfrente a la dura rutina y al “lavado de cerebro” impuestos por la enfermera Mildred Ratched (Louise Fletcher).

McMurphy, viendo el control tiránico que la enfermera ejerce sobre sus pacientes, se convertirá en el líder de una pequeña rebelión por la libertad…

Lo que hace grande a la película es que todo parece redondo: las interpretaciones, hasta de los actores más secundarios, son magistrales, el guión contiene diálogos geniales, la historia no tiene ningún tramo largo o aburrido,... Es, a falta de un apelativo mejor, perfecta.

La historia, basada en la novela del mismo nombre, tiene tantos recovecos que ha sido objeto de estudio a la hora de retratar la vida diaria en los viejos loqueros. Es un desolador testimonio de como el aislamiento, la disciplina y el adoctrinamiento acaban por destruir al ser humano. En la institución desde la medicación hasta la falta de actividades estimulantes están orientadas a mantener a los pacientes completamente sedados. El problema es que ésta vida tan aséptica, completamente desprovista de expectativas, no hace nada por mejorar el estado de los internos. Muy al contrario la falta de estímulos provoca que éstos se hundan en un estado de apatía y depresión constantes. Y eso por no hablar de esas terribles sesiones de grupo que parecen más encaminadas a la destrucción y humillación del individuo que a cualquier fin terapéutico. Es algo muchísimo peor que una cárcel porque ataca a la voluntad humana ("En la cárcel por lo menos nos dejaban ver las World Series"). Sus métodos se aproximan más a los de una secta.

La llegada del personaje de Jack Nicholson, con su extroversión, su irreverencia y sus irrefrenables ganas de vivir, hace más por los demás pacientes de que lo que han hechos sus terapeutas en muchos años. McMurphy les da motivos por los que mejorar, les enseña a pescar, a jugar al baloncesto, a apostar, a comunicarse, a amar... en definitiva les enseña a vivir. Y lo hace tratándolos como a seres humanos, al mismo nivel y sin menospreciarlos. Desgraciadamente, él mismo se convierte en el ejemplo claro de como los manicomios destruyen a los seres humanos.

Jack Nicholson está en su salsa y borda completamente el papel. Sin duda, los papeles, digamos… psicológicos le vienen como anillo al dedo. También destacar a su antagonista, Louise Fletcher como la enfermera Ratched. Una auténtica Hitler con cofia que cree firmemente en el sistema y lo defiende hasta las últimas consecuencias. Un personaje inquebrantable, sin fisuras, sin dudas morales, sin un atisbo de emoción aparte de odio, desprecio y autosuficiencia. Una villana clásica en toda regla a la que te acaban dando ganas de dar un puñetazo (metafóricamente hablando).

Como curiosidad, la propia Fletcher no soportaba tener que aparentar ser tan fría e insensible mientras el resto de los actores “se lo pasaban en grande”. Así que cuando terminó el rodaje se desnudó en medio del plató para demostrar que no era un monstruo sin corazón.

Ambos actores principales consiguieron el Óscar al mejor papel protagonista. A ellos se les unen los de Mejor Guión (Adaptado), Director y Película, convirtiéndose así en la segunda película de la Historia (de 3 en total) en conseguir los Cinco Grandes.

Con esos antecedentes, recomendar la película resultaría superfluo.

#222. Un día en Nueva York / On the town (1949)

2011-03-04T07:26:00.000+01:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia Filmaffinity
Vistas: 47
Restantes: 954
Días: 11 meses y 19 días
Vista en: 23 de Febrero de 2011.
Lugar: Cinema 2000 (Retroback).

Tres marineros (Gene Kelly, Frank Sinatra y Jules Munshin) reciben un permiso de un día en Nueva York. Como sólo tienen 24 horas y ninguno ha visto antes la Gran Manzana, deciden aprovecharlas a tope. Tras visitar varios lugares emblemáticos al ritmo de la conocidísima "New York, New York" deciden coger el metro para cambiar de zona.

Allí se encuentran con un cartel de la "Miss Metro" del mes. Uno de los marineros (Gene Kelly) se queda prendado de la chica y la toma por una persona famosa. Al final consigue convencer a sus dos compañeros para emprender su búsqueda por toda la ciudad. En esta curiosa empresa le ayudaran una taxista un tanto obsesionada por Frank Sinatra y una antropóloga con un monedero bastante holgado...

Hay películas que no envejecen con los años, desafortunadamente esta no es una de ellas. La historia es trillada y previsible. Los personajes son estereotipados y planos. Las actitudes son anticuadas y pasadas de moda. Las canciones, salvo la conocida "New York, New York", no son memorables y al día siguiente ni las recuerdas.

Pero a fin de cuentas ¿no es de eso de lo que va un musical? La película tiene la magia de los musicales clásicos de Hollywood. Está impregnada de la candidez y la inocencia de un época más sencilla que quizás nunca existió más que en el celuloide. Pero era una época donde la gente iba al cine a olvidarse de sus problemas, pasar 2 horas viviendo otras vidas y salir con un sonrisa en los labios y dispuesto a comerse el mundo.

Y en este aspecto la película es perfecta, es puro entretenimiento y diversión. Te hace pasar un buen rato y te anima si estás bajo de moral.

Quiero creer que los que ayer fuimos a verla, salimos un poquito más felices.

Gene Kelly & Franck Sinatra - On the Town

#262. Los caballeros las prefieren rubias / Gentlemen prefer blondes

2011-03-02T08:00:00.020+01:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia Filmaffinity
Vistas: 46
Restantes: 955
Días: 11 meses y 17 días
Vista en: 25 de Febrero de 2011.
Lugar: Teatro Isabel la Católica (Retroback).

"I can be smart when it's important, but most men don't like it. /

puedo ser inteligente cuando es importante, pero a la mayoría de los hombres no les gusta"

Adelanto la publicación de este post como homenaje póstumo a Jane Russell que falleció ayer a la edad de 89 años. Su carrera estuvo marcada por un físico espectacular que siempre ocultó lo gran actriz que en realidad fue (sobre todo en papeles cómicos). Ésta película es un testimonio claro de ello. Descanse en paz.

Bueno pues finalmente traemos por estos lares una película de Marilyn Monroe. Irónicamente aunque el Retroback estuvo dedicado a ella este año, esta fue la única peli suya que vi.

Lorelei (Marilyn Monroe) y Dorothy Shaw (Jane Russell) actúan en una sala de espectáculos. Aunque sean amigas ambas tienen visiones de la vida, y concretamente de las relaciones de pareja, completamente opuestas. Lorelei es una caza-fortunas y en estos momentos su proyecto llama Gus Esmond, un rico heredero con pocas luces. Gus está perdidamente enamorado de Lorelei y ésta lo aprovecha para conseguir todo lo que quiere. Finalmente, Gus le propone matrimonio. Sin embargo, su padre que es bastante más despierto se opone firmemente a la relación. En vista de la situación, Lorelei elabora un plan que incluye un viaje a Paris durante el cual no estará precisamente ociosa…

La película es una comedia de enredo no demasiado profunda aderezada con algunos números musicales. De estos últimos destaca "Diamond's a girl best friend", archiconocida y archi-replicada. La escena rebosa glamur y es la escena más recordada (alcantarilla sopla-faldas aparte) de Marilyn Monroe, pero en mi opinión creo que se ha sobredimensionado. Está claro que en el contexto de la película no es más que una parodia graciosa del personaje. En mi opinión todos los homenajes posteriores se han tomado el número demasiado en serio (no creeréis en serio que los diamantes son los mejores amigos de una chica ¿verdad?). Los demás números musicales apenas merecen mencionarse. Son entretenidos, amenos, pero difícilmente recordables.

Más interesante me parece la parte cómica. La superficialidad tan descarada del personaje de Marilyn produce numerosas situaciones hilarantes. Resulta fascinante la naturalidad con la que ésta reconoce que lo que busca de un hombre es sólo el dinero y como eleva esta filosofía hasta considerarla como un símbolo de madurez, animando a su amiga a echar cabeza y hacer lo mismo.

En realidad, el personaje podría considerarse una parodia de la propia Monroe o por lo menos de como la veía el resto del mundo. Sin embargo es de notar que el personaje no es tan tonto como aparenta sino que en realidad sabe perfectamente lo que hace y está en control en cada momento. Quizás ésta sea la respuesta de la "ambición rubia" a sus detractores (por cierto, que la línea del principio se introdujo en el guión a petición suya).

Como contrapunto a la avaricia de Lorelei está el que personaje de Jane Russell, que hace un gran papel con sus respuestas ácidas y su humor inteligente. Hace de pepito grillo de Marilyn a la vez que sigue el mismo estilo de vida liberal pero sin tener tantos miramientos hacia la estabilidad financiera de sus compañías. Su escena al final de la película imitando a Lorelei es genial.

Por cierto, que el título es algo desconcertante porque en la película Jane tiene la misma popularidad entre los hombres que Marilyn.

Una película estupenda para pasar un rato divertido.

#421. ¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú / Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (1964)

2011-02-28T17:55:00.002+01:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia Filmaffinity
Vistas: 45
Restantes: 956
Días: 11 meses y 15 días
Vista en: 21 de Febrero de 2011.
Lugar: Cinema 2000 (Retroback).

"Gentlemen, you can't fight in here! This is the War Room. /

Cabelleros, no deben pelearse aquí! Esto es la Sala de Guerra"

Bueno, pues el Retroback 2011 terminó y debo decir que estuvo muy bien. El público llenó las salas y en algún caso las entradas se habían agotados semanas atrás. Sin embargo, la organizacíon debería empezar a innovar un poquito a estas alturas. Es el tercer año y no se ven cambios significativos desde la primera edición (es más este año hasta retiraron el bono). Especialmente enervante es el caso del Cinema 2000 que tras tres años todavía no consigue que las películas salgan bien a la primera. En el caso de Matar a un ruiseñor estuvieron cinco minutos moviendo la imagen hasta que se ajustó. ¿Por que no la prueban antes? Eso da mala imagen a un festival. Bueno, no me extiendo más y vamos con la película de hoy:

El general Jack D. Ripper, obsesionado con una conspiración comunista para contaminar nuestros "preciosos fluidos corporales" a través de la fluorización del agua, ordena por su cuenta un ataque aéreo nuclear contra Rusia.

En el Pentágono, los altos jefes militares junto al presidente, el embajador ruso y un extraño individuo en silla de ruedas intentan hacer regresar a los aviones.

Entretanto, el Mayor T. J. "King" Kong, piloto de uno de los bombarderos movilizados, sombrero de cowboy en mano, está dispuesto a cumplir con su misión a cualquier precio...

La película es completamente hilarante. Una parodia desquiciante de la Guerra Fría y del terror nuclear. Los absurdos se suceden sin que nadie en su paranoia parezca darse cuenta. Los perfectamente trazados planes de contingencias parecen de pronto estar llenos de incongruencias y ser completamente inoperacionales.

Pero lejos de ser una película completamente absurda, gran parte de su comicidad reside en lo terriblemente plausibles que parecen algunos de los razonamientos militares y políticos. Sobre todo en la época de la guerra fría cuando más de la mitad de los militares de Rusia y América estaban ansiosos por darle al botón. La misma existencia del plan R, surgido de una disputa política y que le da poder a cualquier alto mando de iniciar un ataque nuclear es un completo absurdo pero es difícil descartar completamente que no pudiera ocurrir.

Y es que el eje central de la película es que todos los planes están tan pensados para disuadir al oponente de atacar que no se plantean lo que ocurriría si estos se pusieran en marcha. La Máquina del Día del Juicio es un perfecto ejemplo de ello.

Al parecer, muchos de los diálogos que se dicen en el film fueron improvisados. Por ejemplo, la desternillante escena del Dr Strangelove luchando con su mano fue, según se dice, creada por el propio Peter Seller sobre la marcha y rodada en una sola toma.

Aparte de eso, Seller hace un trabajo espectacular en los tres papeles que tiene. Todos ellos tienen escenas legendarias: el capitán Mandrake con la cabina telefónica, el Presidente con las llamadas al presidente ruso y la ya mencionada escena del Dr. Strangelove.

Otro personaje memorable es el Major T. J. "King" Kong (Slim Pickens). En un principio iba a ser el cuarto personaje de Sellers hasta que éste se lesionó y le era imposible entrar en la cabina del avión. Sin embargo, la interpretación de Pickens con el sombrero y el acento tejano son hilarantes. Su escena cabalgando la bomba es ya un clásico del cine.

Una película muy recomendable para pasar un rato divertido y que es la demostración de que la expresión "inteligencia militar" es un oxímoron.

#388. Matar a un ruiseñor / To kill a mockingbird (1962)

2011-02-25T08:00:00.027+01:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia Filmaffinity
Vistas: 44
Restantes: 957
Días: 11 meses y 12 días
Vista en: 20 de Febrero de 2011.
Lugar: Cinema 2000 (Retroback).

"Jean Louise. Jean Louise, stand up. Your father's passing. /

Jean Louise. Jean Louise, levántate. Tu padre está pasando."

Empezamos aquí un ciclo dedicado al Festival de Cine Clásico de Granada Retroback 2011 que se está celebrando actualmente y que de nuevo está teniendo un notable éxito de público. Si vives en Granada todavía estás a tiempo de ver alguna de las muchas películas que proyentan por toda la ciudad. Y después de este preambulo puclicitario desinteresando vamos con la película de hoy:

Scout y Jem son dos niños (una chica y un chico) que viven con su padre Atticus (Gregory Peck) en un pequeño pueblecito de Alabama en los años 30. Como no puede ser de otra forma, los chicos se pasan el verano en la calle jugando y metiéndose en líos. Su pasatiempo favorito es retarse a acercarse a la casa de su particular "hombre del saco".

Entretanto, Atticus, que es abogado, acepta defender a un hombre de color acusado de violar y apalear a una mujer. Esta decisión le pondrá en el punto de mira de los familiares y amigos de la víctima que le amenazarán con violencia. A través de este episodio los niños aprenderán sobre el racismo y avanzarán hacia la madurez dejando atrás la inocencia.

La primera hora de película parece una reposición de los Cinco de Enid Blyton. Prácticamente se centra sólo en los chicos y sus aventuras infantiles. Aunque puedan resultar entretenidas y sirvan para familiarizarse con los chavales, la gran extensión de esta parte resulta algo pesada.

La historia del padre apenas se toca hasta la víspera del juicio. Llegados a ese punto, yo ya me estaba preguntando qué era lo que hacía tan especial a esta película. Nada hace presagiar el giro dramático que toma la historia justo en ese momento.

La escena del juicio es excepcionalmente emotiva. Una de las mejores escenas de juicios que se hayan visto en el cine. Y es que el que todos se nieguen a ver lo que para el espectador es flagrante, hace que te hierva la sangre. Las interpretaciones de Colin Wilcox como la víctima y de Brock Peters como el acusado son perfectas y la imagen final con el "pasillo" que le hacen a Gregory Peck es impecable.

Respecto a este último, hay que decir que hace un gran papel como impecable gentleman: atento, educado, con inquebrantables principios morales. Un auténtico boy-scout. La interpretación le valió un Oscar, aunque personalmente echo de menos algo de conflicto interno. El personaje parece tener siempre la respuesta correcta para todo y no dudar en nada (salvo durante un breve instante en la última escena). Pero supongo que eso es culpa del personaje y no del actor.

En cambio, el personaje de la niña me encantó. Es vivaz y pendenciera, odia los vestidos y le encanta jugar en el barro. Aún así es despierta, inteligente y responsable. Es un personaje completamente alejado del estereotipo hollywoodiense. La interpretación de Mary Badham le valió una nominación al Óscar (perdió frente a otra niña).

Finalmente, terminamos con algunas curiosidades. Phillip Alford, que hace de Jem, no estaba interesado en la película hasta que le informaron de que tendría que perderse clases.

El mockingbird del título original es una especie del pájaro del Nuevo Mundo que no existe en Europa. Por eso, en la traducción se cambió por un ruiseñor, otro pájaro cantor mayormente inofensivo con lo que se mantenía el sentido del refrán americano.

#59. M, el vampiro de Düsseldorf / M - Eine Stadt sucht einen Mörder (1931)

2011-02-23T08:00:00.010+01:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia Filmaffinity
Vistas: 43
Restantes: 958
Días: 11 meses y 10 días
Vista en: Enero de 2011.
Lugar: Filmoteca de Andalucía (Granada).

En una conocida ciudad alemana un asesino de niños anda suelto. Mientras el pánico se extiende entre la población y la prensa sensacionalista alienta el miedo y el caos, la policía dedica todos sus recursos a la captura del asesino. En el proceso cierra varios negocios de dudosa reputación y arresta a varios conocidos delincuentes. Ante el acoso inédito que están recibiendo, los jefes de las principales bandas de malhechores y gentes de mal vivir deciden asociarse y organizar su propia caza al asesino...

El nombre de la película en español procede del mote de Peter Kürten, un asesino en serie de los años veinte que según algunas fuentes inspiró la historia. Sin embargo, el director Fritz Lang siempre lo negó y además aunque el nombre de la ciudad nunca se mencione en la película todas las pistas indican que se trata de Berlín y no de Düsseldorf.

La película está plagada de escenas memorables pero yo me referiré especialmente a dos de ellas: curiosamente la primera y la última.

En la primera escena observamos a una mujer mientras se prepara para la llegada de su hija del colegio. Prepara la comida, pone la lavadora y de vez en cuando echa una ojeada al reloj de pared. A medida que el tiempo pasa y la niña no aparece, vemos que su preocupación va en aumento y ésta se convierte en desesperación cuando pregunta inútilmente por ella a los vecinos y compañeros de colegio. La escena está muy bien rodada y pone al espectador en un estado emocional propicio para entender lo que se desata a continuación: la paranoia social. Una sociedad al borde de la psicosis enfrentada contra sí misma en la que nadie está a salvo de ser acusado y condenado por una turba enardecida.

La última escena es sorprendente si pensamos que es del año 1931. Uno puede pensar que cuando surgió el cine sonoro los primeros diálogos serían muy básicos y faltos de profundidad. Sin embargo, aquí asistimos a uno de los mejores debates jamás vistos en el cine.

Alejada de la corrección política la película se atreve a argumentar que un psicópata-asesino puede no ser responsable de sus actos y debe ser considerado como un enfermo mental y no como un asesino. En el otro lado está el dolor de los familiares de las víctimas y la irracionalidad de la masa, exacerbada por el hecho que estas víctimas sean niños.

Y todo este debate se produce en el más improbable de los escenarios. En una parodia de juicio con el jurado más inesperado y con un borracho erigido en hábil abogado defensor.

Sin duda, una película clásica imprescindible.

#237. La Reina de África / The African Queen (1951)

2011-02-21T08:00:00.003+01:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia Filmaffinity
Vistas: 42
Restantes: 959
Días: 11 meses y 8 días
Vista en: Febrero de 2010.
Lugar: Retrobak 2010 (Granada).

Hoy le toca el turno a un clásico del cine de aventuras.

Rose Sayer (Katherine Herburn) es una misionera británica que, junto a su hermano Samuel, lleva una aldea en la Deutsch-Ostafrika (la colonia alemana que ocupa los que ahora es Tanzania). Las únicas noticias que le llegan del exterior las trae Charlie Allnut (Humphrey Bogart) que se encarga de repartir el correo en la zona gracias a su vetusta barcaza "La Reina de África", la única que es capaz de navegar los bajíos del río. El rudo y un tanto asilvestrado Charlie parece ser siempre una presencia incómoda para los educados y cultivados Sayers; pero no tanto como las noticias que trae sobre el transcurso del Primera Guerra Mundial.

Un día los alemanes atacan el poblado y Rose se ve obligada a huir con Charlie en la Reina de África. Cuando los dos se ponen a discutir sus opciones, Charlie comenta que no pueden descender el rio porque los alemanes mantienen un cañonero patrullando el lago el Konigin Louisa y propone navegar contra corriente hasta la colonia británica. Sin embargo, Rose está dispuesta a hacer un gran servicio a su país, eliminado uno de los barcos insignia del enemigo contando tan sólo con una vieja bañera y un malhumorado canadiense...

Uno de las razones de que la película funcione tan bien es que los actores hacen los papeles que le son más naturales. Katherine Herburn es una mujer independiente, de profundas convicciones morales y Bogart es un truhán descreído y malhablado que le gusta el whisky y la libertad que le proporciona su barca "La reina de África". Del conflicto entre estos dos personajes es de donde parte la magia de esta película. Un conflicto que se transluce sobre todo en los brillantes e ingeniosos diálogos.

Los diálogos suelen comenzar invariablemente con Charlie comentando alguno de los peligros mortales a los que se enfrentan, ante el cual Rose, en parte por inconsciencia, en parte por sentido del deber, permanece impasible y desdeña cualquier posibilidad de abandono por semejante nimiedad. Rose es el verdadero motor de la aventura. Sus férreos principios patrióticos unidos a su ingenuidad la empujan siempre hacia adelante despreciando cualquier amenaza. Las discusiones dialécticas siempre las acaba perdiendo Charlie, la eterna voz de la razón. En primer lugar porque si no la película no podría progresar pero sobre todo porque Charlie se siente atraído por Rose, quizás porque Rose, con su gran dignidad y convicciones, representa todo lo que él no podrá llegar a ser. Por su parte Rose también se empieza a sentir atraída por Charlie y su estilo de vida ligado a la Naturaleza y alejado de las convenciones sociales. Y la química que surge entre ellos es uno de los puntos álgidos de la película resultando un alegato en favor del viejo adagio de que "los opuestos se atraen".

Y todo ello unido a la inolvidable fotografía de Jack Cardiff con esa África de fondo tan hermosa y a la vez tan amenazadora. Un África salvaje, virginal y sensual. Un África que quizás se parezca más a la visión romántica de las novelas de aventuras y los relatos de la exploración blanca que al África real; pero que ofrece siempre un marco único para el romance y la épica.

En definitiva, uno de esos clásicos que todo el mundo debería ver al menos una vez en la vida.

#500. Buscando mi destino / Easy Rider (1969)

2010-10-18T08:00:00.013+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 41
Restantes: 960
Días: 7 meses y 7 días
Vista en: Miércoles, 13 de Octubre de 2010.
Lugar: Facultad de Ciencias (Universidad de Granada).

Acabo de volver de ver la película de facebook, una película que se anuncia como la película de una generación. Y, aunque la película está bien hecha y es el reflejo de un fenómeno social de gran repercusión mundial, creo que difícilmente se la puede considerar un hito generacional, es decir, una película que inspire a toda una generación de jóvenes a elegir su rumbo en la vida acorde a los principios de dicha película. Y digo todo esto porque la película de que hablaremos hoy sí es "la película de una generación".

Wyatt (Peter Fonda) and Billy (Dennis Hopper) son dos jóvenes que viven encima de sus motos. Se ganan la vida con el contrabando de drogas y al principio de la película se ponen como objetivo llegar a Nueva Orleans a tiempo para el Carnaval (Mardi Gras). Durante el trayecto conocerán a una serie de personajes, cada uno con su propia visión de la vida: así pasan por una granja, una comuna hippie, conocen a un abogado alcohólico,... Con todos ellos compartirán vivencias, sueños, amor, drogas… Haciendo suyo el motto "Carpem Diem", viviendo cada día como si fuera el último y sin pensar en el futuro. Sin embargo, su liberal estilo de vida choca a menudo con la mentalidad conservadora de la "América profunda", obligándoles, por ejemplo, a dormir a la intemperie más de lo que les gustaría.

La película inauguró el género de las "road movies". Un género donde los protagonistas viajan de un lado pero donde el destino no es lo importante sino las experiencias vividas y los personajes encontrados a lo largo del trayecto. Esto hace de la carretera una alegoría de la vida; ya que ambas simbolizan la constante búsqueda de una respuesta a las preguntas fundamentales de quien somos y adonde nos dirigimos.

En este caso el espíritu de la película parte de la idea sesentera de la libertad personal absoluta. Wyatt y Billy son libres en tanto que no están sujetos a las obligaciones y deberes sociales como la religión, el trabajo, la pareja o el gobierno. Sin embargo esta libertad es sólo aparente ya que esa misma sociedad estructurada que rechazan les odia e intenta destruir su forma de vida. Esto lo explica perfectamente Jack Nicholson en un punto de la película:

"Sí, desde luego, todo el mundo quiere ser libre, sí. Pero una cosa es hablar de ello y otra muy diferente es serlo. Es muy difícil ser libre cuando te compran y te venden en el mercado. Claro qué no les digas jamás que no son libres, porque entonces se dedicaran a matar y a mutilar para demostrar que lo son. Si, si, te hablarán una y otra vez de la libertad individual. Pero ven un individuo libre, y se cagan de miedo."

Precisamente Nicholson hace aquí uno de sus primeros papeles notables. Interpreta a un abogado alcohólico que empieza admirando el estilo de vida de los protagonistas y acaba ligando su destino al suyo. Con él consiguió su primera nominación al óscar. Su discurso sobre los OVNIs no tiene precio.

La película alcanzó rápidamente el estatus de icono para toda una generación. Representaba todos los ideales de la contra-cultura de la época: rock, drogas, amor libre y comunión con la naturaleza. Los jóvenes y adolescentes acudieron en masa a verla, mientras la América conservadora echaba pestes de ella; haciendo patente el profundo cisma generacional de la sociedad contemporánea.

La banda sonora contiene algunas canciones que se convirtieron en leyenda como "Born to be Wild". Además contó con artistas reconocidos como The Band, Jimi Hendrix e incluso Bob Dylan. Canciones que han quedado además ligadas a esos paisajes del medio oeste americano con esas carreteras infinitas y casi desiertas.

Actualmente la película parece un poco avejentada. Sin embargo, no deja de ser testimonio de una época donde todo parecía posible con sólo proponérselo.

#927. Buffalo'66 (1998)

2010-10-15T08:00:00.004+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 40
Restantes: 961
Días: 7 meses y 4 días
Vista en: Sábado, 9 de Octubre de 2010.
Lugar: No quieras saberlo.

Hay algo de enternecedor en esta improbable historia de amor.

Un hombre llamado Billy Brown (Vincent Gallo) sale de la cárcel. Mientras espera al autobús se hace consciente de que con la emoción de la liberación ha pasado por alto ciertas necesidades naturales urgentes. Después de intentar aliviarlas sin éxito en varios sitios, acaba en una escuela de baile. Aquí tampoco consigue su objetivo debido a ciertas "desavenencias" con otro "necesitado". Antes de proseguir su desesperada búsqueda de las praderas excusadas, decide aprovechar para llamar a su madre, para lo que consigue (mediante insultos e improperios) que una chica (Christina Ricci) le preste una moneda. La conversación no va demasiado bien. Para empezar Billy se encuentra algo irritable debido a su problema más inmediato y su madre no hace más que insistir en conocer a su mujer. No hace falta decir que no existe tal mujer y que su madre no tiene ni idea de dónde ha pasado Billy sus últimos años. Así que Billy en ese momento se encuentra con varios problemas urgentes y para solucionarlos decide recurrir a medidas un tanto extremas. Secuestra a la chica que le había prestado la moneda a base de gritos y tirones de pelo, la obliga a llevarle en su coche y tras aliviarse detrás de un árbol, le cuenta su plan.

Primero se disculpa por ser tan grosero durante el rapto y le pide que finja ser su mujer delante de sus padres. Sólo serán unas horas y después podrás marcharse. Inesperadamente, ella acepta...

Porque verás lo cierto es que ella no está retenida contra su voluntad. Él no la ata ni utiliza la violencia física contra ella (tirones de pelo aparte), no la fuerza en ningún momento a hacer nada que no desee. De hecho, en varios momentos él le dice expresamente que se puede marchar y ella rechaza reiteradamente la oferta. Porque lo cierto (y aquí viene el reverso tenebroso de la trama) es que ella se siente atraída por él. Se puede observar en la expresión de su rostro cuando Billy le está explicando lo que necesita de ella. Lo puedes intuir mientras escucha a escondidas la conversación de Billy por teléfono. Lo puedes notar en cómo aguanta estoicamente todas sus imprecaciones y puyas.

¿Y qué es lo que cuenta Billy a su favor para ganarse tal devoción? Lo cierto es que, a pesar de sus malos modos, de sus impertinencia, de sus agresiones verbales y de su apariencia de estar cabreado con todo el mundo, en realidad, no es más que un niño grande al que no le dejaron crecer. Su padre es un impresentable que probablemente no le hacía caso más que para arrearle y su madre, una fanática del fútbol americano, no le perdona a Billy que fuera a nacer justo el día en el que los Buffalo Bills se proclamaron campeones de liga por última vez. Para colmo esa afición fue indirectamente responsable de que Billy acabara en la cárcel.

Así que Billy es en realidad un lisiado social, que reacciona con las mujeres igual que los niños pequeños: mediante la agresión verbal porque son incapaces de comprender los sentimientos que bullen en su interior. No saben lo que es el amor y éste les confunde.

A medida que la chica va descubriendo ese interior torturado de Billy se va enamorando más y es más y más consciente de lo necesario que es ese amor para éste. Pero Billy es incapaz de entenderlo y su único objetivo vital es matar a aquel considera responsable de su encierro. ¿Conseguirá el amor de Layla llevarle por el buen camino?

Resulta una película conmovedora y original a pesar de jugar con elementos clásicos como los traumas infantiles, la redención, etc. La forma en la que aparecen los flashback es realmente original y no recuerdo haberla visto en ninguna película anterior o posterior.

En el plano negativo, Cristina Ricci, que interpreta a Layla, siempre ha comentado que el rodaje fue un "infierno" para ella debido a los insultos que recibía continuamente de Vicent Gallo (actor, director y guionista de la película). Eso no quita que en la película haga un grandísimo papel de esos que enamoran.

Vicent Gallo también hace un gran papel pero vistas las declaraciones de Ricci, parece que no le era tan difícil de "interpretar"...

Para terminar, una curiosidad: el último campeonato ganado por los Buffalo Bill fue en 1965 y no en 1966. La confusión seguramente se deba a que por entonces las finales se jugaban en el mismo año que la temporada regular en vez de en años distinto como sucede actualmente. Así la final de la temporada del 65 se jugó el 26 de Diciembre de 1965 (curiosamente esta fecha aparece correctamente en la película excepto por el año). Por lo tanto la película debería llamarse Buffalo'65.

En definitiva, una película agradable de ver e interesante para aquellos que busquen una historia de amor diferente.

#44. La muchacha de Londres / Blackmail (1929)

2010-10-13T08:00:00.015+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 39
Restantes: 962
Días: 7 meses y 2 días
Vista en: Miércoles, 6 de Octubre de 2010.
Lugar: Filmoteca de Andalucía (Biblioteca de Granada).

Bueno pues sigue el ciclo de Alfred Hitchcock en la Biblioteca de Granada. Hoy le toca el turno a la primera película sonora del director y posiblemente la primera del Reino Unido.

En las primeras escenas asistimos a todo el proceso de arresto de un criminal, desde su captura hasta que lo envían al calabozo, pasando el interrogatorio, la rueda de identificación, etc. Esta secuencia me hace pensar que se podría hacer un estudio histórico de los métodos policiales a lo largo del siglo XX viendo películas de Hitchcock. Por ejemplo, todos hemos visto hasta la saciedad esas típicas ruedas de reconocimiento con un cristal opaco por medio y el testigo junto al abogado del sospechoso en una habitación a oscuras. Sin embargo aquí no sólo no hay cristal sino que la testigo tiene que tocar físicamente al sospechoso para mostrar su decisión (recuerdo un capítulo de "Life on Mars" donde también se hacían las identificaciones así, por lo que lo del cristal debe de ser relativamente moderno). También es destacable esa "radio patrulla" que no es ni más ni menos que un enorme telégrafo instalado en la parte trasera del coche patrulla (y un telegrafista anexo). Después de esta instructiva escena, empieza la película propiamente dicha.

Una chica espera impacientemente en una comisaría a que salga su novio que trabaja como agente de policía. Cuando éste por fin hace acto de presencia la chica está visiblemente enfadada por la tardanza y nada parece hacerle cambiar de humor; ni siquiera una invitación al restaurante más solicitado de la ciudad. Porque verás la chica tiene otros planes más interesantes con un misterioso pretendiente. Cuando lo divisa entre la multitud, consigue deshacerse de su acompañante de malas maneras y se encuentra con aquél. La cita resulta bastante agradable; tanto que la chica acepta sin dudarlo mucho la invitación para ver su estudio. Sí, el chico es artista y no, no es un truco para ligar, tiene un cuadro muy grotesco en medio de la habitación para demostrarlo. Desgraciadamente, los "eventos" ocurridos durante esa noche en el dormitorio, le pondrán a la joven en una situación susceptible de ser aprovechada por un avieso personaje con avidez por el dinero fácil...

Se trata quizás del eslabón perdido entre la era del cine mudo y la era del sonido. Así, algunas escenas como las iniciales son completamente mudas con una banda sonora por encima y los actores se mueven exagerando los gestos. Sin embargo, para ser de las primeras películas sonoras, los diálogos están sorprendentemente bien elaborados. Además Hitchcock sabe manejar como un experto las nuevas posibilidades como se pone de manifiesto en una escena en la que vemos como la protagonista está obsesionada con una única palabra de una conversación: cuchillo.

En realidad, la película se empezó a rodar como una película muda, hasta que los directivos de la productora decidieron unirse al boom de las 'talkies' y Hitchcock tuvo que añadir diálogos sobre la marcha. Esto provocó ciertos problemas, siendo el más complejo el de la protagonista principal, Anny Ondra. Anny era checa y hablaba inglés con un acento, digamos, poco atractivo. Al igual que en la trama de "Cantando bajo la lluvia", se optó por el doblaje de sus escenas; ya que el cambio de actriz a esas alturas del rodaje era inviable. Esta situación provoca que la actuación de Anny sea un poco rara. Hay que apuntar que la chica que dobla a Anny, Joan Barry, tampoco es que tenga una voz portentosa. Demasiado aguda para mi gusto. Abajo podéis oír la voz original de Anny Ondra, que tampoco me parece tan mala, pero claro yo no soy inglés.

En la película se pueden observar todos los elementos de Hitchcock que comenté la semana pasada: los cambios de registro (como en la escena de la cita nocturna), el suspense (en este caso más acentuado ya que la película transcurre en menos de 24 horas) y el cameo del director (que en este caso se precia de ser el más largo y obvio de todas sus películas). Resulta bastante interesante, en cambio, que no haya elementos freudianos o charlas sobre sostenes. La única concesión al erotismo en esta película son los tres cambios de ropa que hace la protagonista.

Lo que sí tiene mucha importancia en el film son los objetos. En primer lugar está el grotesco cuadro de la habitación del artista. El cuadro representa a un bufón riéndose del observador y da mucho juego en todas las escenas de tensión. Por otro lado, tenemos los guantes de la chica que aparecen y desaparecen acompañados siempre de un gran significado implícito.

La película es simple pero extraordinaria en su dirección, la escena de Anny paseando como ida por en medio de la ciudad con los peatones pasando como si fueran fantasmas o la escena del cuchillo son magistrales.

Una película muy recomendable que quizás más de un fan de Hitchcock haya pasado por alto.

#975. Good bye, Lenin! (2003)

2010-10-11T08:00:00.002+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 38
Restantes: 963
Días: 7 meses
Vista en: múltiples ocasiones.
Lugar: en múltiples sitios.

La película de hoy se ambienta en el último año de vida de la República Democrática Alemana. Transcurre desde poco antes de la Caída del Muro hasta la Reunificación en 1990.

La protagonista de la historia es una familia germano-oriental que vive en Berlín Este. El padre huyó al Oeste abandonando a su mujer con sus dos hijos, Alex y Ariane. La madre, quizás como reacción, se convierte en una idealista y se vuelca hacia la causa comunista. Erigida en líder de su comunidad, no ceja de acosar a las instituciones gubernamentales para obtener cosas necesarias en su barrio como ropa, libros, etc. Su fe en el Comunismo es tal que cuando ve a su hijo Alex siendo arrestado brutalmente en una manifestación anti-gubernamental sufre un shock y cae en coma durante varios meses.

Durante ese tiempo cae el muro y Berlín Este se empieza a occidentalizar rápidamente. Alex consigue un nuevo trabajo de antenista junto a un residente de Berlín Oeste, Denis, un joven aspirante a director de cine. También conoce a Lara, una enfermera con la que empieza a salir. Cuando la madre despierta en el hospital, el médico le comunica a Alex que su corazón está muy débil y que cualquier sobresalto podría matarla. Alex comprende entonces que si su madre llegara a enterarse de los últimos acontecimientos desarrollados en su país, podría recibir un tremendo impacto. Así que decide, con la ayuda de Denis, su hermana Ariane y su novia Lara, hacer como si todo siguiera igual en la RDA. Para ello tendrán que redecorar la casa, conseguir alimentos que ya no están disponibles, recrear programas de radio y televisión, etc.

Se trata de una película que da una visión bastante nostálgica de la vida en la antigua RDA. Se centra sobre todo en las cosas más cotidianas. Así se pueden observar los coches Trabant (popularmente conocidos como "Trabbi"), los programas escolares, la ropa, e incluso botes de pepinillos. El objetivo de la cinta no es criticar el régimen de la extinta república (algo en lo que ya se profesan otras películas alemanas como “La vida de los otros”), sino dar una visión del día a día de sus ciudadanos y de cómo esa existencia uniforme y aséptica en la que viven es absorbida a lo largo del proceso de unificación por las multinacionales occidentales que inundan rápidamente la república comunista de infinidad de productos distintos.

Uno de los aspectos más fascinantes de la película es el cambio tan grande de Berlín Este en tan poco tiempo. De tal forma que a los protagonistas les resulta casi imposible encontrar cosas de la RDA que seguramente eran las únicas disponibles hace sólo unos meses. Socialmente los jóvenes parecen asimilar el cambio muy rápido. Por ejemplo, en el tiempo que la madre está en coma, Ariane comienza a trabajar en una Hamburguesería y se echa un novio occidental. De hecho, está tan occidentalizada que se convierte en la mayor opositora al plan de Alex. En cambio, las personas mayores se ven perdidas y sin rumbo y se refugian en esa casa que se ha convertido en el último reducto de la RDA. El último vestigio de la única vida que conocen.

Respecto al argumento, la primera vez que la vi me pareció conmovedora la dedicación del protagonista en que su madre no notara cómo habían cambiado las cosas. Esa lealtad irredenta chocaba con la apatía de la hermana, poco entusiasta a tener que renunciar a su recién obtenida libertad. Ésta me resultó antipática y egoísta, ya que no estaba dispuesta a hacer ningún sacrificio por el bien de su madre. Sin embargo, en posteriores visionados, algunas personas me han hecho notar que la hermana tiene en parte razón cuando dice que no puede apartar a su madre del mundo eternamente y que la está infravalorando al asumir que su madre no podrá aguantar el golpe. Este nuevo enfoque da a la actitud de Alex un cierto toque siniestro al querer controlar cada minuto de la vida de su madre por el mero hecho de considerarla débil. Creo que esta visión es un poco injusta con el protagonista ya que él sólo hace lo que cree que es mejor para su madre y no hay que olvidar que el médico asegura firmemente al principio de la película que cualquier impresión fuerte podría matarla. Desgraciadamente, a estas alturas soy incapaz de descubrir cuál era la auténtica intención del director. No deja de ser curioso cómo cambia una película cuando la ves varias veces. Sin duda todo esto daría para un largo debate.

Dejando a un lado todo eso, es una película muy divertida y emocionante. De esas que no importa ver una y otra vez.

#91. Los 39 escalones / The 39 Steps (1935)

2010-10-08T08:00:00.001+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 37
Restantes: 964
Días: 6 meses y 26 días
Vista en: Sábado, 2 de Octubre de 2010.
Lugar: No quieras saberlo.

"There are 20 million women in this island and I get to be chained to you. /

Hay 20 millones de mujeres en esta isla y tuve que encadnarme contigo"

Como hace tiempo que no tocamos los clásicos, hoy les traigo esta joyita del maestro Alfred Hitchcock. Así además aprovecho para informarles de que la Biblioteca de Granada está actualmente proyectando un ciclo del director que durará durante todo el mes Octubre y puede que Noviembre. Pero volvamos a Los 39 escalones. Ya la había visto hacía muchos años y recordaba que me había dejado un regusto agradable y ahora al volver a verla no me defraudó.

La película abre con una escena en un "music hall" de Londres. El maestro de ceremonias está presentado al famosísimo Sr. Memoria, un hombre capaz de almacenar más información que un disco duro de 15 TB. La gente entre el público se divierte un rato poniendo a este señor a prueba haciéndole preguntas de todo tipo: desde quién ganó una carrera de caballos hace años hasta la edad de Mae West (42 años en el momento de la película). Un canadiense le pregunta por la distancia entre Winnipeg y Montreal. Todo sigue en un ambiente distendido con chanzas y preguntas diversas hasta que el hombre que preguntó por la edad de Mae West (y que recibió del Sr. memoria una cortés aunque categórica negativa a desvelar la edad de una dama) empieza un altercado. El público comienza a alterarse y en ese momento se oye un disparo provocando el pánico general. La banda para aliviar la tensión decide tocar una marcha cómica mientras la gente se dirige apresuradamente a las salidas.

Ya en la calle vemos que el señor canadiense, Richard Hannay de nombre, no ha perdido el tiempo y ha conocido a una atractiva chica en el tumulto. Una chica que además insiste en que la lleve con él... Bueno, no todo es tan bonito, la chica actúa de forma bastante extraña: evita las ventanas, no le gustan los espejos e insiste en ignorar el teléfono que suena insistentemente. Tranquilos, no es una vampiresa, aún peor, es una espía que lucha contra un despiadada organización extranjera (¡chúpate esa, James Bond, esta chica ya hacia tu trabajo 20 años antes que tú!). Según dice, esta organización, "Los 39 escalones", van a extraer un secreto muy importante de Inglaterra y vendérselo al enemigo y ella tiene que impedírselo con la ayuda de un contacto en Escocia (chico, para ser una espía canta más que un canario recién alimentado). Hannay no le hace mucho caso a su historia de primeras; pero ciertos "acontecimientos" nocturnos le hacen ver la necesidad de coger el expreso a Edimburgo del día siguiente. Así comienza su gran aventura...

Que Hitchcock es un gran maestro se demuestra en estos 15 minutos iniciales de la película. La forma en la que te lleva de una escena a otra sin descanso, sin saber del todo lo que ocurre en cada momento pero sin perderte en el camino (muy al contrario ansiando constantemente saber que pasará a continuación) y, sobre todo, esa manera que tiene de sacudir la tierra bajo tus pies cuando crees que empiezas a entenderlo todo, son... sencillamente magistrales. La película son sólo 89 minutos pero las emociones que contiene hacen que parezcan una vida entera.

Otra de las grandes bazas de Hitchcock, también expuesta en esas escenas iniciales, son los brillantes cambios de registro: es capaz de pasar del drama más conmovedor a la comedia más banal y de ésta al terror más sublime en una sola secuencia; metiendo en el proceso al espectador en una montaña rusa emocional y convirtiéndonos en meras marionetas creadas para su divertimento.

Y si todo esto sucede sólo en los 15 primeros minutos, imagínate el resto de la película: una sucesión ininterrumpida de escenas inolvidables cargadas de tensión, humor e, incluso, romance. Y todo eso mientras seguimos al señor Hannay por esos tenebrosos páramos escoceses, que parecen hechos ex profeso para una historia de suspense.

En el camino, Hannay tendrá que hacer de todo: sobornar a un granjero escocés, dar un "mitin" político y hasta amenazar a una chica a punta de pipa. Todo para salvar a su país… y a sí mismo.

En el plano interpretativo, todos los actores hacen un papel perfecto. No en vano Hitchcock sabía cómo sacar lo mejor de cada uno de ellos. Personalmente me quedo con la interpretación de Madeleine Carroll, una de esas "rubias fatales" del director, sobre todo en una escena muy recordada que transcurre en un motel. Los diálogos entre ella y el protagonista también son memorables por su ironía.

Y por supuesto, no pueden faltar todos los elementos clásicos de una película de Hitchcock: símbolos fálicos, una divertida (y ambigua) conversación sobre sostenes y el cameo del director, que en esta ocasión ocurre bien prontito (por lo visto, Hitchcock prefería hacerlos al principio de la película para que los fan no se distrajeran de la trama tratando de encontrarle).

Sólo me queda recomendarles efusivamente esta película. Si van a ver una sola película de Hitchcock, por favor, que sea ésta. ¿Aunque por qué iba nadie a querer ver sólo una película de Hitchcock?

#781. Cinema Paradiso / Nuovo Cinema Paradiso (1988)

2010-10-06T08:00:00.009+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 36
Restantes: 965
Días: 6 meses y 24 días
Vista en: Lunes, 8 de Febrero de 2010 (21:30).
Lugar: Retoback 2010 (Teatro Isabel la Católica).

"Tarde o temprano llega un momento en el que hablar y estar callado es la misma cosa."

La historia gira alrededor de los recuerdos de un director de cine sobre su infancia. En especial de su relación con el proyeccionista del único cine de su pueblo. Esta relación le permite al chico, para disgusto de su madre, ver las películas antes de que se censuren.

Se trata de una película deliciosamente nostálgica en la que muchos se verán reflejados. Muestra a la perfección lo que debía de ser la vida de cualquier pueblo hacia mediados del siglo XX. El desfile de pintorescos personajes son en su mayoría personajes cotidianos: el cura, el loco, el alcalde, la puta. Todos ellos son entrañables a su manera y aunque tengan defectos no existe acritud ni maldad en sus actos. Se comportan como deben hacerlo pero sin intención de hacer daño a nadie. En este sentido la película es muy dulce; quizás porque se trata de una historia vista a través del velo de los recuerdos y siempre se tiende a recordar lo bueno y olvidar lo malo.

Pero sobre todo la película trata de la madurez: del descubrimiento del mundo a través de los ojos de un niño. Un mundo grande y sorprendente que se expande hacia el infinito gracias a esa ventana abierta que se llama cine. Para ese niño que se escabulle siempre que puede a la sala, que usa el dinero del pan para comprar la entrada, el cine representaba un viaje a otros mundos, a otras realidades, completamente alejadas de su existencia cotidiana. A largo de la cinta van apareciendo películas de vaqueros, de aventuras, comedias, romances, grandes clásicos y películas olvidadas, todas le enseñan algo nuevo de la vida y del mundo: le enseñan a amar, a reír, a soñar... El cine en un pueblo pequeño y aislado debía ser una experiencia mágica.

Por otra parte es una película donde se respira Italia y el estilo de vida mediterráneo en general. Así el crío es educado entre todos los del pueblo. Todos tienen algo que aportar a su desarrollo vital. El proyeccionista que le enseña lo que hay más allá de las colinas, el cura que le enseña a comportarse, incluso la prostituta con la que tiene sus primeras experiencias sexuales. Y por supuesto, su madre que le enseña su capacidad de sacrificio sacando adelante al niño sola.

El camino a la madurez del protagonista corre paralelo al camino a la madurez de la propia Italia. Así esa inolvidable escena con el párroco y la campanilla censurando las escenas más subidas de tono antes de cada película va dejando paso a una mentalidad más abierta y cosmopolita, al tiempo que el pueblo va dejando de ser una isla flotando en la inmensidad del cosmos y se convierte en una parte de un todo mucho más grande. Pero esa apertura tiene un precio ya que de pronto el pueblo se vuelve demasiado pequeño para las ambiciones del chico y tiene que abandonar a sus conocidos, novia y amigos para irse en busca de su destino. Con eso se pone fin a una época y la Italia rural deja paso a una Italia más urbana y moderna.

Mención especial merece la maravillosa banda sonora de Ennio Morricone que ha quedado como un icono cultural (otro más de los que nos dejó este grandísimo compositor).

La película ganó el Oscar a mejor película extranjera en 1989. Existe una versión extendida que fue la que vio el que escribe. El final de esta versión encaja, desde mi punto de vista, bastante mal en el espíritu general de la película. Aunque como no he visto la versión oficial no puedo decantarme por una o por otra. Si alguien has visto alguna de las dos, me encantaría que nos comentara que le pareció.

Sin duda es una película que hay que ver, sobre todo aquellos que siguen viendo el cine con la mirada de un niño.

#928. Academia Rushmore / Rushmore (1998)

2010-10-04T08:00:00.000+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 35
Restantes: 966
Días: 6 meses y 22 días
Vista en: Vienes, 24 de Septiembre de 2010.
Lugar: No quieras saberlo.

"I saved Latin. What did you ever do? /

Yo salve le Latín. ¿Qué has hecho tu?"

Bueno, pues ésta la vi el viernes pasado con mi fiel compañero de fatigas blogueras Tremendelirius y cuando llegamos a los créditos no puede evitar exclamar: "¡Va a ser un infierno hacer un post de esto!" a lo que él no pudo más que corroborar mi afirmación al tiempo que admiraba mi dedicación por tan noble misión y seguramente albergando en su interior un secreto alivio por no tener dicha noble misión por objetivo vital. Pero bueno, armémonos de valor y vamos allá.

La historia se centra en un chaval de 15 años que asiste como becario a la academia elitista Rushmore (no estoy muy ducho en el sistema escolar americano pero asumo que equivale a un instituto por estos lares). El chico parece estar más fascinado por vida en el campus que por las propias clases académicas. Así es miembro de decenas de clubs (y fundador de la mayoría de ellos), además de dirigir diversas obras de teatro absurdamente complejas y con un ligero toque Scorsese. Sin embargo, académicamente es el peor alumno de Rushmore y el director le advierte que están barajando "prescindir de sus servicios". Esta advertencia, lejos de espolearle a hincar los codos y ponerse a chapar, le impulsa a seguir con su actual forma de vida.

En el curso de la película el chico se hace amigo de un industrial multimillonario llamado Herman Blume (Bill Murray) que es padre de dos de alumnos de Rushmore. Éste, en plena crisis de la mediana edad, desprecia a sus hijos a los que considera unos brutos sin cerebro (razón no le falta) y empieza a admirar a Max por su determinación.

Todo funciona bien entre los dos hasta que ambos se enamoran de una profesora de primaria y entonces empiezan una guerra particular por su amor...

Mi problema con la película es el hecho de que esté en la Lista. Si no estuviera en la lista, diría que es una película agradable que se deja ver aunque más bien del montón. Pero está en la Lista y eso es lo que no entiendo. ¿Cómo puede esta cinta estar a la misma altura que Crash o La escafandra y la Mariposa (por mencionar sólo algunas de las que han aparecido últimamente)? Así que me veo obligado a pensar que algo genial tiene que tener, pero yo soy incapaz de verlo.

Se trata de una comedia, sin embargo, "no me mata" como dice una amiga mía. Excepto alguna escenas aisladas (todas ellas centradas en la guerra que mantienen Max y Herman) el resto apenas si merece una sonrisa condescendiente. Aunque es posible también que se trate de un humor muy inteligente rayano en la incomprensibilidad para pobres legos ignorantes como el que escribe.

Es posible que también se trate de una película sobre la madurez; pero en mi opinión el problema con el protagonista es que pretende madurar antes de tiempo. Y éste es otro de los puntos que tengo atravesados: Max, el protagonista. Se trata de un niñato, un "bocas" que se cree más de lo que en realidad es. Crea un montón de clubes absurdos sólo para impresionar, se hace de tutor de un chico sólo para aparentar que pretende algo con la madre de éste y finalmente se enamora y acosa a un mujer sin siquiera tener en consideración la diferencia de edad. Lo de la diferencia de edad no supondría un problema si la atracción fuera mutua. Sin embargo, como la profesora no se cansa de repetir a lo largo de toda la película, ella no siente nada por él. Pero Max, fiel al lema de "cuando una mujer dice No, quiere decir Sí", no desiste y sigue con un acoso que roza lo criminal más que lo romántico. Esto unido a una poca agraciada, de mi punto de vista, actuación de Jason Schwartzman (para mí que siempre pone la misma expresión para todas escenas), hacen que este personaje me cayera "gordo" desde el principio.

Por otro lado, Bill Murray hace un papel muy correcto como cuarentón amargado. Una de sus mejores actuaciones (posiblemente porque el propio Murray estaba pasando una mala racha por entonces). Pero la falta de una dirección clara de la película hace que todo su esfuerzo sea en balde.

Creo que lo realmente estropea la película es su anárquico guión sin rumbo aparente. El hecho de que cueste tanto trabajo resumirla da un idea de la confusión que genera.

#996. La escafandra y la mariposa / Le Scaphandre et le Papillon (2007)

2010-10-01T08:00:00.003+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 34
Restantes: 967
Días: 6 meses y 19 días
Vista en: Noviembre de 2009.
Lugar: Aula Magna de la Facultad de Ciencias de Universidad de Granada.

"Aparte del ojo, hay dos cosas que no se me han paralizado: mi imaginación y mis recuerdos"

Un día despiertas en una cama de hospital. Abres los ojos o lo intentas. Ves unas sombras blancas moverse pero no puedes seguir y vuelves a sumirte en la oscuridad. Al cabo de un tiempo (¿horas? ¿días?) vuelves a intentarlo. Esta vez una enfermera se da cuenta de tus esfuerzos y llama a un médico. Al tercer intento ves a un médico junto a tu cama examinándote. Te pide que muevas varias partes de tu cuerpo pero tú eres incapaz. Sólo puedes mover los párpados. Para colmo el médico te cose uno de ellos por riesgo de infección. El médico te informa de que no puedes moverte aunque el cerebro está intacto. Se denomina "locked-in syndrome" (el síndrome del cautiverio) porque estás atrapado en tu propio cuerpo. Aunque no puedas reflejarlo tu mundo interior se derrumba. ¿Cómo se puede soportar una vida así? ¿Cómo sobrevivir cuando lo has perdido absolutamente todo?

Éstas son las preguntas que Jean-Dominique Bauby, periodista para la revista ELLE, tuvo que afrontar después de despertar de un coma de tres semanas producido por un accidente de coche. Cualquiera en su lugar se hubiera hundido, hubiera perdido la ilusión por vivir, y de hecho, Bauby pasa por un periodo de profunda depresión. Sin embargo, Jean-Do es un espíritu fuerte y gracias a la ayuda desinteresada de la gente del hospital consigue habituarse a su nueva existencia. Aprende a comunicarse con el exterior sólo parpadeando y consigue tal dominio del sistema que hasta escribe un libro dictado. Así nace "La escafandra y la Mariposa". Un hermoso relato en el que Jean-Do habla de su vida anterior, de sus sueños, de sus recuerdos, de su vida cotidiana en el hospital, de cómo ocupa su mente mientras está a solas en su habitación... No es sólo un relato de superación de una discapacidad, es también un ejercicio (forzado) de introspección en el alma de un ser humano. El objetivo del libro no es generar compasión o piedad, sino que incita a vivir más plenamente la existencia cualquiera sea las circunstancias.

La película más que en el libro se centra en la creación de éste y en las circunstancias que lo rodearon. Es una película vital en la que la dirección de Julian Schnabel sabe transmitir de forma magistral el espíritu del libro. Partiendo de una cámara estática que representa la visión de Jean-Do del mundo, es capaz de hacernos sentir su impotencia y soledad. La identificación es inmediata por que nosotros como espectadores tampoco podemos influir en el mundo de la película y eso hace del "lock-in syndrome" una metáfora del cine y de Jean-Do con su único ojo abierto, el último espectador. Un espectador que no puede salir de la sala y que debe contemplar impotente el desarrollo de la película de su vida.

Poco a poco conforme Jean-Do va "regresando" al mundo y empieza a comunicarse con él, la cámara le va abandonando y podemos compartir su diaria lucha contra el mundo. Cómo intenta con todas sus fuerzas luchar contra la enfermedad y cómo le cuesta un mundo hacer lo más mínimo. Pero Jean-Do no se rinde, tiene una fuerza vital y unas ganas de vivir que ni siquiera la parálisis puede detener.

Por otro lado, el cine nos ofrece el lujo de contemplar sus pensamientos (esas maravillosas historias que se cuenta a sí mismo para no ser absorbido por la autocompasión) en hermosas escenas cargadas de lirismo junto con escenas retrospectivas que nos permiten conocer como era Bauby antes del accidente.

Tanto la película como el libro son un canto optimista a la vida. En un tiempo donde parece que uno estorba en cuanto tiene una discapacidad o se hace mayor, se agradecen este tipo de historias. Es un auténtico ejemplo de superación. Quizás nosotros no seamos tan valientes quizás nosotros sólo queramos la liberación del olvido eterno antes que aguantar así; pero si llegara el momento y recordaras a Jean-Dominique quizás, sólo quizás, todavía conservarías la esperanza.

#934. The ring: El Círculo / リング "Ringu" (1998)

2010-09-29T08:00:00.004+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 33
Restantes: 968
Días: 6 meses y 17 días
Vista en: Varias veces (la última, a principios de 2010).
Lugar: Alquilada.

Bueno pues volvemos al género del terror pero esta vez con una película que sí me impresionó mucho.

Un día escuchas una historia sobre un video que si lo ves, recibes una llamada por teléfono y a los 7 días mueres de forma horrible. Te olvidas de ella enseguida, la descartas como una de esas típicas leyendas urbanas que se escuchan en el instituto. Entonces se la cuentas a una amiga y para tu sorpresa te dice que vio la cinta y recibió la llamada... hace una semana. Y antes de poder decir nada más observas como tu amiga se retuerce hasta morir delante de tus ojos...

El cine oriental siempre ha sido considerado como un cine muy pausado. Macerado a fuego lento por así decirlo. Cada escena parece estudiada para desquiciar los nervios al sujeto más paciente. Recreándose hasta el infinito en cada detalle por insignificante o irrelevante que sea. Y fíjate que este estilo tan meditado se une con un género completamente opuesto, acostumbrado a los sobresaltos y los montajes vertiginosos... ¡y resulta que funciona! Funciona de una forma además portentosa. Ese ritmo tan cadencioso, esas pausas dramáticas, unido a una eminente filmación en interiores (con esos pisos japoneses tan... "íntimos") da una sensación agobiante y claustrofóbica. Uno sólo quiere escapar, respirar fresco, pero encuentra que no puede distraer la atención de la pantalla.

La historia es completamente hipnótica. Te arrastra hacia ella poco a poco sin que puedas evitarlo. Lo que al principio parece una historia tonta, una de esas leyendas urbanas sin demasiada enjundia, acaba desembocando en un relato fascinante y macabro de cadáveres y maldiciones siniestramente atractivo.

Los personajes no son nada la atmósfera lo es todo. Los actores no hacen un papel deslumbrante y sus personajes no pasan de un mero esbozo, sin embargo la increíble atmósfera y la magnífica dirección son suficientes para cubrir este aspecto.

Este estilo japonés de hacer cine de terror contrasta fuertemente con el estilo americano. Como ya vimos en el caso de Pesadilla en Elm Street, en las películas americanas el "malo" es normalmente un psicópata con una inexplicable sed de sangre, aunque los asesinatos tienen un cierto componente moral y de castigo. En cambio, en las historias japonesas se prima lo desconocido y lo oculto, el más básico miedo a la oscuridad y a lo que en ella mora. También está el recurso de los antepasados muertos, tan recurrentes en la religión sintoísta, y la inocencia interrumpida (el porcentaje de infantes muertos en pelis japonesas es bastante más elevado que en las americanas). Y la maldición es ciertamente más aleatoria y no está sujeta a ningún factor racional.

Este estilo de terror se hizo muy popular por entonces en películas, mangas, videojuegos (Silent Hill),... A día de hoy la influencia es tan grande que prácticamente todas las películas de terror de este año le deben algo en mayor o menor medida.

La película, como no, tuvo un remake americano con secuela incluida. Y aunque tuvo cierto éxito comercial, tengo que decir que la historia pierde quintales cuando se cambia ese estilo pausado por el acelerado ritmo de una película americana. Lo dicho, el ambiente lo es todo en esta película.

#985. Tsotsi (2005)

2010-09-27T08:00:00.001+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 32
Restantes: 969
Días: 6 meses y 15 días
Vista en: Agosto de 2010.
Lugar: Alquilada.

"Decency, Tsotsi. You know the word?/

Decencia, Tsotsi. ¿Conoces la palabra?"

Tsotsi, un chico sudafricano, comanda una pandilla de delincuentes juveniles que se dedican a aterrorizar los barrios ricos de Johannesburgo. Tras el asalto y posterior asesinato de un acaudalado hombre de negocios en el metro, uno del grupo, apodado el Profesor, comienza a cuestionar la actitud violenta del grupo y acaba por provocar un enfrentamiento con el propio Tsotsi al que considera una persona fría y sin sentimientos.

Después del enfrentamiento, Tsotsi atraca por su cuenta a una mujer y le roba el coche. Pero el automóvil lleva una sorpresa dentro: un bebé recién nacido. ¿Podría ser que el neonato acabe cambiando el rumbo vital de Tsotsi?

Una historia de corte clásico sobre la redención que sin embargo sorprende por su localización: Soweto, una de las barriadas marginales más famosas de Sudáfrica.

Soweto, que comenzó sus días siendo un gueto donde alojar a los negros que eran expulsados de las ciudades blancas durante el Apartheid, sigue siendo todavía un barrio de chabolas casi tan extenso como la ciudad a la que está anexa: Johannesburgo. Y sobre todo, Soweto sigue siendo un barrio negro. La exhibición de la vida en que fuera el gran estandarte de la lucha contra el Apartheid y las circunstancias vitales de Tstosi como producto de esa sociedad marginal son algunos de los puntos fuertes de la película.

Los actores realizan un papel muy correcto, si bien el único personaje que realmente evoluciona en la película es el propio Tsotsi, mientras que el resto (como en cualquier cuento) son personajes conceptuales. En la banda de Tsotsi están el Violento, el Gregario (que es el primero en notar las inseguridades de su líder que acaba por hacer propias) y el Profesor, que actúa como la voz de la razón (el cuál ante tanta sinrazón acaba dándose a la bebida). Todos ellos ejercen su papel alrededor de Tsotsi en su camino hacia la redención. Pero el papel más influyente es (como no podía ser de otro modo) el de la Chica, la madre de un lactante a la que Tsotsi tiene que recurrir para alimentar al que él ha substraído. Ella, erigida cual encarnación de la Madre mitológica, ejerce de contrapunto al iracundo dios de la guerra que habita en Tsotsi. Ella, junto con el propio crío, es la razón principal del cambio de actitud en Tsotsi.

Sin duda, una película muy clásica que proviene de un país, Sudáfrica que no suele exportar demasiadas películas al extranjero (debo confesar que es la primera película sudafricana que veo). Bastante recomendable aunque advierto que la violencia es bastante explícita y nada edulcorada.

En una nota aparte, junto con el Mundial de fútbol y los libros que he leído este año sobre el país austral (como Un arco iris en la noche de Dominique Lapierre y Vagabundo en África de Javier Reverte), mi vida parece girar últimamente alrededor del país de Nelson Mandela.

#986. Crash (Colisión) / Crash (2004)

2010-09-24T08:00:00.006+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 31
Restantes: 970
Días: 6 meses y 12 días
Vista en: Sábado, 7 de Agosto de 2010.
Lugar: Alquilada.

"Es la sensación de contacto... en cualquier ciudad por la que camines, ¿comprendes?, pasas muy cerca de la gente y esta tropieza contigo. En Los Angeles nadie te toca. Estamos siempre tras este metal y cristal y añoramos tanto ese contacto que chocamos contra otros sólo para poder sentir algo."

La película de hoy es una atentica joya.

Los Ángeles. Un accidente de coche producido por un asesinato. Tristemente, nada inusual en Los Ángeles. Sin embargo, el crimen oculta un conflicto mucho más profundo...

Dos jóvenes negros pasean por un barrio blanco. Una mujer blanca se agarra a su marido nada más verlos. Uno de los chicos se queja de los prejuicios de la gente... justo antes de atracar a la pareja y robarles el coche fomentando esos mismos prejuicios.

Un policía detiene un coche conducido por un negro aparentemente porque viajaba con una mujer blanca y procede a maltratar a ésta ante la impotencia de su compañero.

Un hombre hispano sustituye una cerradura en un establecimiento regentado por un persa. Cuando el primero le comenta al segundo que el problema es de la puerta y que tiene que cambiarla, éste no le cree y cree que les está estafando.

Escenas de desconfianza, de miedo, de desprecio, de odio, en definitivas, escenas de prejuicios. La cinta es una tesis sobre el racismo en todos sus grados. Desde el racismo cotidiano, subliminal, al racismo más abierto y público. Habla de cómo los prejuicios marcan nuestra relaciones con los demás y sus consecuencias. Y también de como contribuye cada individuo a la perpetuación del estereotipo: la sociedad cree que yo soy un ladrón y yo en venganza, robo. Todos contribuimos al racismo, que no es otra cosa que el miedo a lo desconocido, a la diferencia, a la otredad. El racismo no es sólo odiar a gente de otra raza. El racismo comienza como decía Javier Reverte en "El sueño de África" con frases como "Ellos saben", "Ellos son así",... El racismo surge en cuanto metes a los demás en un saco y a los tuyos en otro. En cuanto, son Ellos y Nosotros. En cuanto son "Ellos que no son como Nosotros". Ahí es donde empieza la diferenciación. Y la diferencia conlleva el Miedo a lo desconocido. Y el Miedo lleva el Odio, si me permiten el razonamiento Jedi.

La película en una historia coral donde nadie sobresale, ni siquiera Brendan Fraser o Sandra Bullock que hacen un papel (como matrimonio blanco de clase bien) poco lustroso y más bien tópico. En cambio, el resto de "desconocidos" hacen un papel muy bueno. Los personajes se comportan como personas reales con luces y sombras. Son humanos y cometen muchos errores en su vida, pero son capaces de cambiar o al menos intentarlo cundo se lo proponen. La dirección y el montaje cambiando de una historia a otra sin marear al espectador son magistrales.

Se trata de una historia intensa que no deja a nadie indiferente. Es una película que te obliga a mirar impotente la realidad del círculo vicioso del racismo y que te incita a reflexionar en como contribuimos cada uno a ese círculo. La película no intenta dar lecciones, no propone soluciones a esa realidad. Deja a la imaginación de cada uno la respuesta.

La película ganó el Óscar a Mejor Película en 2006 en medio de una gran polémica al ser una de las dos únicas películas de la historia en ganar el Óscar sin ser ni siquiera nominada al Globo de Oro. Muchos creyeron ver una conspiración homofóbica en contra de la gran favorita Brokeback Mountain. No voy a entrar en la polémica y simplemente diré que Crash es una gran película y que merece la pena verla.

#926. Salvar al Soldado Ryan / Saving Private Ryan (1998)

2010-09-22T08:00:00.001+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 30
Restantes: 971
Días: 6 meses y 10 días
Vista en: Julio de 2010.
Lugar: En la tele (TVE 1).

Hoy toca estreno, por primera vez en este blog traigo una película bélica. Y para esta especial ocasión que mejor que la que posiblemente sea "la mejor película bélica de todos los tiempos".

La película se abre con una escena de 20 minutos de duración donde se muestra el desembarco de Normandía. Pero decir eso es como decir que la Iliada va de un asedio. La escena es un portento cinematográfico. Se trata sin lugar a dudas de la escena bélica más realista que jamás se haya rodado. En ella se puede ver toda la violencia, el caos y el sinsentido de una guerra moderna. Sin direcciones, sin control, sin reglas, sólo el primitivo instinto de matar antes de te maten. La escena es dura, my dura, despiadada. Alguno podrá hablar de violencia gratuita o acusarla de recrearse en la matanza. Pero es que una guerra es exactamente eso. Lo que pasa es que hasta entonces la guerra en Hollywood se había dulcificado con alabanzas al héroe y al honor. En las pelis clásicas, uno muere pero uno muere por algo. Viendo esta escena uno no ve héroes, no ve honor, uno no puede más que sentir aversión por la mera idea de dejar que una generación entera se masacre por unas ideas que se paren en suntuosos despachos a años luz del frente.

Y de una de esas paridas políticas es de lo que trata la segunda parte de la película. Resulta que tres de los cuatro hijos de la familia Ryan han fallecido en la batalla y los mismos personajes que acaban de mandar a casi medio millón de jóvenes a encontrar una muerte atroz a miles de kilómetros de su hogar se apiadan de la mamá Ryan y deciden licenciar a su último hijo. El problema es que el afortunado combatiente pertenece a la 101 Aerotransportada. Para los que no sepan de historia de la Segunda Guerra Mundial, decir que está unidad fue soltada en territorio alemán previamente a la invasión para que sirvieran de apoyo desde dentro. Lamentablemente el avión que transportaba dicha unidad fue abatido y los soldados fueron desperdigados por todo el norte de Francia y dejados a su suerte. Los bienhechores de Washington obnubilados por su noble misión no dudan en mandar a un grupo de 8 soldados, perdón, héroes a internarse valerosamente en territorio enemigo para rescatar al Señor James Ryan y devolvérselo a su atribulada madre. Seguramente cegados por tanto altruismo obviaron el preguntar a las madres de los ocho héroes, pero vamos, nimiedades.

Lo absurdo de la misión no debe ser achacado a una debilidad argumental del guión, puesto que esto es comentado en numerosas ocasiones en la película. Aparentemente la intención es mostrar la estupidez de las decisiones políticas vista desde el frente de batalla, cosa dicho sea de paso que la película expone perfectamente bien:

"Ese Ryan más vale que lo valga. Mejor que cuando vuelva a casa cure alguna enfermedad o invente una bombilla de larga duración o algo. Porque a decir verdad no cambiaría a diez Ryans por un Vecchio o un Caparzo."

En el plano artístico hay que destacar el papel de Tom Hanks que tras Filadelfia (ya comentada aquí) y Forrest Gump (próximamente) está en su mejor momento y hace aquí la actuación de su vida. En la película es el Capitán John H. Miller, el jefe del grupo de rescate. En un principio parece un tipo retraído y distante pero una capacidad estratégica magistral. A lo largo del metraje se nos va haciendo más cercano y se muestra como un hombre roto interiormente que ha perdido casi todo. Un producto de la guerra. Sin duda un personaje muy bien construido que guarda una sorpresa revelada en el momento justo con una línea de diálogo de esas memorables:

"A veces me pregunto si he cambiado tanto que mi mujer no me reconocerá cuando vuelva a casa y sobre cómo voy a ser capaz de contarle sobre días como hoy. Ryan? No sé nada de ese Ryan, no me importa. [...] Pero si yendo a Ramelle le encuentro para que vuelva a cama, si con eso me gano el derecho a volver a casa con mi mujer, entonces esa es mi misión."

Por lo demás, se trata de una película coral donde nadie sobresale pero en la que todos hacen un papel muy correcto merced a una gran dirección por parte de Steven Spielberg que cuando quiere sabe dirigir buenas películas en lugar de que los efectos especiales las dirijan por él. Gracias a eso las mejores escenas no son las de batalla sino aquellas en las que los personajes se reúnen y hablan de antiguas ilusiones y esperanzas ahora rotas e irrecuperables. Esas escenas se mezclan perfectamente con las de batalla porque si las últimas muestran la destrucción física del hombre, las primeras muestran la devastación anímica y psicológica que hace que aquellos que logran volver de la guerra no estén mucho más vivos que los soldados que se quedan en el campo de batalla.

Por otro lado, la película sigue teniendo tintes épicos y como siempre sucede en este tipo de género, la visión es terriblemente unilateral. El sufrimiento de los soldados alemanes no importa, a pesar de estén muriendo por la mismas decisiones políticas estúpidas que los otros. Aún así hay alguna escena donde al menos se deja de manifiesto lo irracional del odio producido por las guerras.

En definitiva, una película bélica que ya se ha convertido en todo un clásico y que cimentó el camino para renovación del género. Por ejemplo, la película que ganó el Óscar a Mejor Película este año: En Tierra Hostil le debe mucho.

#713. Pesadilla en Elm Street / A nightmare on Elm Street (1984)

2010-09-20T10:34:00.000+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 29
Restantes: 972
Días: 6 meses y 6 días
Vista en: Viernes, 21 de Mayo de 2010.
Lugar: Casa de la Juventud (Granada).

Hoy tenemos un clásico del cine de terror. Los alegres chicos de la Casa de la Juventud de Granada han iniciado un ciclo de terror que se proyecta todos los viernes. Empezaron con esta película y un colega y yo decidimos dejarnos caer por allí. Nunca habíamos estado allí y nos encontramos con la agradable sorpresa de que la proyección se acompañaba con palomitas y refrescos gratis (que es por lo que les estoy haciendo toda esta publicidad desinteresada). Pero vayamos a lo que nos interesa.

Tina Grey y algunos chicos de su barrio están teniendo unas extrañas pesadillas en donde son perseguidos por un extraño hombre que lleva un jersey rojo y verde, un sombrero y un guante con cuchillas en su mano derecha. El tipo (Freddy de nombre), que no parece albergar las mejores intenciones, les persigue sin descanso toda la noche intentando hacer lonchetas de adolescente. La cosa no dejaría de ser una anécdota desagradable, quizás debida a un exceso de horas de televisión, si no fuera porque las "caricias" que Fredy les profesa oníricamente siguen estando ahí al despertarse.

Tras una noche en la que al bueno de Freddy "se le va la mano" con una amiga de Tina, los chicos asustados intentan por todos los medios no volver a dormir jamás. Una misión a todas luces condenada al fracaso.

Por su parte los padres de los chicos parecen saber más de lo que dicen...

La película es realmente entretenida aunque puede resultar bastante agobiante. Lo más conseguido es la difícil distinción entre la realidad y los sueños. A lo largo de todo el metraje aparecen escenas en las que no se descubre que el protagonista está soñando hasta que aparece Freddy (con susto incluido, por supuesto).

Aunque la película ya tiene unos añitos y hace tiempo que ha dejado de ser siquiera "inquietante", se la reconoce por haber sido la impulsora de una serie de conceptos que después se han repetido hasta la saciedad en este tipo de cine. Como la asociación del sexo con el terror (como la famosa mano en la bañera) y en concreto la introducción de una virgen adolescente como protagonista principal (aunque no expresado explícitamente en la película, Tina sí parece ciertamente algo reacia a cualquier contacto mínimamente sexual). Por supuesto son sus amigos más promiscuos lo que se encuentran primero con su creador. Ésta moralina daría mucho juego a cualquier psicoanalista freudiano pero los productores de cine de terror adolecente seguramente lo usen simplemente para justificarse frente a los padres (“Eh, vale que hay mucha violencia y todo eso, pero al menos no hacen lo que no deben por ahí”). Años después el propio director y creador del concepto, Wes Craven, se mofaría de él en la película Scream.

Otro concepto innovador es el de la soledad de los adolescentes frente a los adultos. Ya puede traer el chicho el ojo en una mano y la oreja en la otra que los padres nunca creerán que un asesino psicópata anda suelto; antes castigarán al mutilado chaval por andar perdiendo partes corporales por ahí. Este concepto (terriblemente práctico porque justifica el por qué tienen que enfrentarse una panda de adolescentes al psicópata en vez de enviar un destacamento de la policía a por él) permite aumentar el grado de indefensión de los protagonistas y, por tanto, el miedo al asesino.

Como dato curioso, la historia está inspirada en una serie de noticias aparecidas en la prensa de la época sobre la muerte inexplicable durante el sueño de numerosos inmigrantes camboyanos refugiados del régimen de Pol Pot. A los blancos americanos en sus tranquilos y pacíficos suburbios les debió parecer muy curioso y extraño y les debió animar a pensar en monstruos oníricos y "Sandman"s con cuchillos afilados, antes que pensar en la barbarie de la que estos hombres escaparon y que es más que suficiente para generar el tipo de pesadillas que pueden parar el corazón (sobre este tema recomiendo el clásico "the Killing Fields").

#684. Posesión Infernal / The evil dead (1982)

2010-06-10T08:53:00.002+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 28
Restantes: 973
Días: 90
Vista en: Viernes, 14 de Mayo de 2010.
Lugar: en casa (alquilada).

La película de hoy más que de terror, medra en lo desagradable.

Al más puro estilo de una peli porno, el argumento es mínimo y poco elaborado. Cinco chicos (dos chicos y tres chicas) alquilan una casa en el bosque para pasar el fin de semana. En la casa encuentran un cassette grabado por el antiguo inquilino recitando una serie de versos satánicos. A partir de entonces los chicos van siendo poseídos por demonios asesinos sedientos de sangre.

El argumento es realidad es sólo una excusa para el terrorífico festival de sangre y vísceras que se desarrolla a continuación. Bueno, sería terrorífico si no fuera porque los efectos especiales son más baratos que unas chanclas de saldo. Por poner un ejemplo, la sangre no salta y salpica en todas direcciones sino que sale a borbotones (como si pincharas una bolsa de plástico). Algo que, aparte de ir contra toda la biología elemental, seguramente le subiría la tensión al mismísimo Gil Grissom. Los descuartizamientos pueden tener su punto. Concretamente los 2 segundos que tardas en darte cuenta de que el actor ha sido sustituido por un muy obvio muñeco de látex; lo que hace que la saña vertida contra el ninot recuerde a una versión en frío de las fallas valencianas.

Si esperpéntica es la película, más esperpéntica fue su realización. Por lo que se ve, el director Sam Reimi tardó más de un año en hacer la película (¿un año en hacer esto? ¿por qué?). Obviamente, a medida que el rodaje se iba alargando (y supongo que a medida que el "guión" iba desarrollándose) los actores iban siendo conscientes que tenían mejores cosas que hacer durante ese tiempo que en empeñarse en hundir sus jóvenes carreras; así que iban abandonando el proyecto. El director, inasequible al desaliento, cuando un actor le abandonaba lo sustituía por un demonio del averno, perdón, del armario y subía al personaje rápidamente al primer puesto en la lista de espera para los descuartizamientos (eso es lo bueno de no tener guión, que se puede improvisar rápidamente).

¿Y cómo ha llegado esta gloria del cine B (o Z) a compartir lista con Casablanca o Blade Runner? Quizás la razón esté en que fue prohibida en muchos países, lo que valió una impagable publicidad de "película prohibida" en el mercado negro. Lo que demuestra que la censura promovida por cierto sectores siempre preocupados por la moral ajena no sólo no es efectiva sino que es contraproducente en una sociedad tan interconectada como la actual. Si no hubiera sido por la censura esta cinta estaría probablemente cogiendo polvo en una estantería de un videoclub cutre junto a los "clásicos" de Steven Seagal y Jean-Claude Van Damme.

#938. El proyecto de la Bruja de Blair / The Blair Witch project (1999)

2010-05-25T18:42:00.000+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 27
Restantes: 974
Días: 75
Vista en: Viernes, 14 de Mayo de 2010.
Lugar: Facultad de Ciencias de la Universidad de Granada.

Esta semana vamos a cambiar radicalmente de temática y la vamos a dedicar al cine del repeluzno y la congoja. Ahora, como ya saben mi opinión sobre este tipo de cine, espero que me avisen si se me va la mano con la crítica. Y no es retórico, realmente estoy muy interesado en saber que ve la gente en ciertas películas que a mí sólo me provocan el bostezo (léase el artículo de Poltergeist).

Empezamos por, posiblemente, una de las películas que más revuelo levantó a finales del siglo pasado.

Una chica quiere grabar un reportaje sobre una leyenda local que habla de niños muertos y una bruja (la historia nunca está clara porque sólo se muentran un puñado de relatos inconexos). Para este proyecto, la chica enrola a un par de colegas (uno de ellos provisto de una cámara de 16 mm.). Depués de un primer día donde recogen el folklore local de boca de los habitantes de la zona, deciden internarse en el bosque en busca de la bruja esa. Obviamente, se acaban perdiendo (¿que sería una película de terror con un buen GPS?) y, a pesar de la brújula y el mapa (todo el mundo sabe lo difícil que es saber donde está el este de día sin una brújula), acaban dando vueltas en círculo. Pronto se empiezan a desesperar y los "visitantes" nocturnos no ayudan a calmarse...

Aunque el argumento no es nada innovador, lo que sí es original es la forma en la que se rodó. Algunos podían considerla la anti-película. El guión fue mínimo y el director prácticamente se limitó a tirar a los tres actores en el bosque con una cámara doméstica y otra de 16 mm, y a verlos sufrir durante 8 días. Los diálogos están totalmente improvisados y se cuenta que los actores no tenían ni idea de las "putadas" que les tenía preparadas el equipo de producción. Así que probablemente alguno de los gritos nocturnos sean genuinos.

El boom de la película se produjo gracias en gran medida al uso de internet. Se generó una de las primeras campañas virales, llenando la red de rumores de que los eventos de la película eran "reales" y que en realidad la película se encontró en un bosque. Creencia que veía perfectamente apoyada por la forma tan "amateur" de rodaje (lo que no era tan creíble era la parte de los supuestos "descubridores" de la cinta la vendieran a un estudio de cine para ser poyectada previo pago de la entrada, pero claro, nadie pensó en eso entonces). El rollo "leyenda urbana", atrajo a legiones de adolescentes adictos al morbo de todo el globo. Recuerdo que yo estaba en el instituto y todo el mundo hablaba de lo mucho que le había acojonado la película. Tan grande era la leyenda creada alrededor de la película que no llegué a verla (fue antes de adquirir mi actual apatía por el género). Eramos jóvenes, inocentes y nos creíamos cualquier cosa: la chica de la curva, Ricky Martin y la mantequilla,...

El caso es que no la vi en su momento y eso me ha dado la oportunidad de poder verla ahora con la objetividad crítica y la distancia que da el paso de los años y la madurez. Lo cierto es que se trata de un drama bastante bien montado que entretiene y no aburre. La tensión va creciendo a buen ritmo y la imagen de la cámara domestica transmite bastante bien la angustia de los personajes (bastante sobreactuados todos aunque tampoco sabemos como se comporta la gente en esas circunstancias). Sin embargo, el recurso de la "cámara en mano" hay que saber usarlo. No es lo mismo que lo haga Lars Von Trier a que lo haga unos cámaras amateur. Gran parte de los eventos de la película resultan incomprensibles porque la cámara no está apuntando en la dirección correcta.

Creo que el problema de la película es su fama de "película de terror definitiva". Yo la etiquetaría como "suspense", "drama" o "misterio". Lo que no es, es una peli de miedo y la prueba está en que nadie en la sala pegó un sólo alarido, ni siquiera se oyó el más leve murmullo (una de las razones por la que la quería ver en un cine). Supongo que después de diez años pensando que era sumún de todas las pesadillas nocturnas, me setí un poquito decepcionado.

Pero si no van con la idea de ver una peli de miedo podrán disfrutar de una película muy entretenida y original.

#245. Cantando bajo la lluvia / Singin' in the rain (1952)

2010-05-21T14:33:00.000+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 26
Restantes: 975
Días: 71
Vista en: Domingo, 14 de Febrero de 2010.
Lugar: Retrobak 2010 (Teatro Isabel La Católica).

Cerramos nuestra semana musical con el que muchos consideran como el mejor musical de todos los tiempos.

La historia relata en forma de comedia el impacto que supuso el advenimiento de del cine sonoro. Es 1927, el público admira a las grandes estrellas del cine mudo. Dos de esas estrellas son Don Lockwood (Gene Kelly) y Lina Lamont (Jean Hagen) que acaban de anunciar su relación sentimental. En realidad, se trata de puro marketing ya que ambos actores no se soportan. Don conoce a Kathy (Debbie Reynolds), una actriz de teatro, durante una fiesta. Tras una serie de desencuentros, ambos empiezan a salir juntos.

Entre tanto, "el cantor de Jazz", una película por la que nadie daba nada, rompe todos los récords de taquilla y fuerza a los estudios a tener que volver a rodar todas las películas en curso de forma sonora. La película que Don y Lina hacen junto resulta en un fiasco en la premier. Para intentar arreglar la película el personaje de Gene Kelly propone convertir la película en un musical. El problema es la voz de Lina...

Lo que hace de esta película un clásico es esa mezcla tan perfecta de comedia y musical. Tiene escenas auténticamente delirantes como la premier de la película sonora plagada de gags basados en anécdotas reales de los comienzos del cine sonoro.

Gene Kelly está deslumbrante. Algunos podrían decir que hasta un poco sobreactuado, pero el buen humor que desprende su personaje es terriblemente contagioso. Debby Reynolds también hace un magnífico papel e incluso Donald O'Connor como comparsa cómico está soberbio.

Pero sin duda la que se lleva la palma es Jean Hagen. Al tener la oportunidad de ver la película en V.O. puede "apreciar" esa voz (como si rallaran cristal) que es la fuente de la comicidad de muchas de las escenas más hilarantes.

De las escenas musicales quiero decir que me gustaron mucho las canciones y, sobre todo coreografías, de "Good Morning" y "Make 'em laugh (Hazles reír)". Y, por supuesto, no voy a olvidar la clásica escena de Gene cantando bajo la lluvia.

La película es un canto al optimismo, a afrontar los problemas como vienen y no perder nunca el buen humor. En definitiva, si te cae un chaparrón, ponte a cantar.

Como decían los Monty Python:

Always look on the bright side of life...

#544. Cabaret (1972)

2010-05-15T19:51:00.000+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 25
Restantes: 976
Días: 65
Vista en: Jueves, 11 de Febrero de 2010.
Lugar: Retrobak 2010 (Cinema 2000).

Hace dos días comentamos una película de Judy Garland y hoy continuamos con otra de su hija Liza Minelli. Dos días fue precisamente el intervalo de tiempo en el que las vi; lo cual me ofreció una curiosa sensación de continuidad y las comparaciones se hicieron inevitables.

Un joven estudiante americano (Michael York) lleva al Berlín de los años treinta. Allí conoce a una chica (Liza Minelli) que trabaja de cantante en un Cabaret. La caótica y bohemia vida de ésta acaba por atraparle y ambos acaban envueltos en un curioso triángulo amoroso con un rico barón. Todo ello con el trasfondo de la subida al poder del partido nazi.

La película fue estrenada en 1972 cuando los ecos de la Revolución Sexual todavía seguían sonando. La historia muestra a dos personas explorando su sexualidad despreocupadamente sin considerar en las consecuencias de sus actos. Una especie de adolescencia compartida por la sociedad de la República de Weimar sumida en el caos social y la crisis moral.

Esta vida bohemia y disoluta es mostrada a través de las escenas musicales del Cabaret. Éstas están insertas a todo lo largo de las películas y son conducidas por un estrambótico personaje, el Maestro de Ceremonias (Joel Grey). Estas escenas conservan todos el sabor de los cabarets de la época con un abundante uso de la sensualidad y la sátira. Algunas de esas escenas son ya clásicos del cine como "Money, Money" y "Mein Herr". Ésta largamente recordada por el baile de Liza Minelli con la silla.

En el clímax de la película, en la que es la única canción cantada fuera del cabaret, un chico canta una canción que empieza de forma inocente pero acaba convirtiéndose en una proclama nazi continuada por todos los presentes.

Es a partir de aquí (junto con otro suceso de carácter más personal) cuando la realidad alcanza a los personajes y despiertan de su adolescencia. El maestro de ceremonias se calla y el país se adentra en su hora más oscura. En más de un sentido también representa el final del espíritu de los sesenta.

La película ganó 8 Óscars en 1973, entre ellos: Mejor Director (Bob Fosse), Mejor Actriz (Liza Minnelli), Mejor Dirección Artística y Mejor Banda Sonora.

Una película muy atractiva, terriblemente entretenida y más profunda de lo que pueda parecer a simple vista.

#275. Ha nacido una estrella / A star is born (1954)

2010-05-13T23:39:00.001+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 24
Restantes: 977
Días: 63
Vista en: Martes, 9 de Febrero de 2010.
Lugar: Retrobak 2010 (Cinema 2000).

"Hello everybody. This is Mrs. Norman Maine./

Hola a todos. Soy la señora de Noman Maine"

Seguimos con la semana musical. La película no la conocía antes del festival. Fui a verla meramente porque estaba en la lista.

Trata de un actor (interpretado por James Mason), cuyos días de gloria parecen estar pasando debido a su problema con la bebida. En unas de sus borracheras está a punto de echar abajo un espectáculo teatral al que estaba invitado. Una de las chicas del escenario (Judy Garland) salva la situación haciendo aparentando que todo formaba parte del escenario. Como agradecimiento, el actor la invita a cenar.

Más tarde tiene ocasión de escuchar a escondidas a la chica cantando con su grupo. Asombrado ante su talento, decide usar su prestigio para darle una oportunidad en el mundo del cine.

La película tarda en arrancar. Empieza como una comedia romántica ligera, llena de equívocos y desencuentros, cuando los dos protagonistas se encuentran y se empiezan a conocer. Él desaparece, ella cree que la ha dejado plantada, etc. Parece entretenida pero no excepcional. Nada parece presagiar la potencia dramática que va ganado progresivamente.

A medida que el alcoholismo del protagonista se va acentuando, este empieza a no asumir que el foco ha pasado de él a su chica. Es a partir de ese momento cuando los dos actores protagonistas dan muestras de un talento excepcional. Él con una colosal escena durante una entrega de premios y ella como sufrida esposa que pese a todo sigue amándole.

Las escenas musicales son bastantes escasas (escasas respecto a West Side Story, al menos) y se centran casi exclusivamente en Judy Garland. Sin embargo, en contra a lo que ocurre en la mayoría de musicales de Hollywood, estás escenas están perfectamente hilvanadas con la historia. Del tal forma, que suelen pertenecer a espectáculos o representaciones dentro de la propia película (no es sólo que a algún personaje se le vaya la cabeza y empiece a dar botes sin razón alguna). Las canciones no son muy remarcables pero entretienen bastante y nos permiten disfrutan de la maravillosa voz de esta mujer. Mención aparte merece "The Man that got away" (precisamente la canción que el protagonista escucha a escondidas al principio), una hermosa melodía que de hecho ganó el Oscar a la mejor canción.

La última frase de Judy Garland es la puntilla definitiva a esta gran película. Salí con el corazón en un puño.

#381. West Side Story (1961)

2010-05-11T08:48:00.000+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 23
Restantes: 978
Días: 61
Vista en: Domingo, 7 de Febrero de 2010.
Lugar: Retrobak 2010 (Cinema 2000).

Esta semana vamos a hacer algo especial. Verán, aquí en Granada tenemos una cosa llamada Retroback que es ni más ni menos que un Festival de Cine Clásico. Empezó el año pasado y va por la segunda edición. Lejos de la polémica que pueda generar, como comprenderán este festival me viene muy bien para mis planes. No sólo me permite avanzar con mi lista a grandes zancadas sino que me permite hacerlo "a lo grande" viéndolas en el cine, el lugar para el que fueron concebidas.

El pasado Febrero se celebró la segunda edición y estuvo dedicada a Humphrey Bogart, Charlie Chaplin, Michael Powell y los musicales.

Pues bien, esta semana la dedicaré a postear los musicales que vi en el festival. Empezado por "West Side Story".

Se trata de la magistral actualización de la trágica "Romeo y Julieta".

Dos bandas callejeras se debaten por el control del West Side de Nueva York. La primera, los Jets, está formada por blancos americanos; mientras que la otra, los Tiburones, la forman inmigrantes puertorriqueños. La rivalidad ha llegado a tal extremo que los primeros se proponen organizar una batalla campal para expulsar a uno de los dos grupos de las calles.

A tal fin, el líder de los Jets decide intentar convencer al antiguo jefe del grupo, Tony, para que se una a la gresca. Éste se que ha encontrado un empleo e intenta seguir una vida honrada, declina la oferta.

Los dos bandos deciden aprovechar el baile del instituto (terreno neutral) para ultimar los detalles del combate. Es allí donde Toni conoce a María, la hermana del líder de los Tiburones que acaba de llegar a América. Ambos se enamoran instantáneamente y el resto os lo podéis imaginar...

Todo esto regado, como no podía ser de otra forma, con bailes y canciones (normalmente en grupo) al viejo estilo Broadway.

Antes de ver esta película tenía la concepción de que todos los musicales debían tener una temática alegre y casi cómica. Así que esta hermosa tragedia me pilló desprevenido.

Sin embargo, las canciones y los bailes siguen teniendo un ambiente alegre y casi festivo a pesar de la tragedia subyacente. Es esto lo que hace que la película sea realmente conmovedora. Se podría decir que los protagonistas usan la música como una forma de exorcizar sus problemas y mantener la esperanza en el futuro.

La música de Leonard Bernstein es excepcional y el film está plagado de canciones memorables. Como la legendaria "América" que refleja de forma inigualable la disyuntiva entre las esperanzas y los sinsabores de la migración o la emotiva "Tonight"

En el plano interpretativo la palma se la llevan los secundarios, unos desconocidos George Chakiris y Rita Moreno, que consiguieron unos merecidos Óscars por su actuación. La interpretación sobre todo de la segunda en uno de los clímax de la película deja sin aliento.

Quizás el único punto flaco (que no fallo, ojo) sean los dos actores protagonistas Richard Beymet y Natalie Wood (a la que es un poco difícil hacer pasar por puertorriqueña). Aún así la película está tan bien construida que no desentonan demasiado. Y hay puntos en la película donde consiguen conmover como la devastada Natalie Wood del final.

También merece la pena destacar que aparte de la tématica romántica también se apuntan temas mas serios como es la violencia callejera (promovida por la pertencia al grupo) y los conflictos y tensiones surgidos de la inmigración.

La película decididamente me encantó y el hecho de tener la oportunidad de disfrutarla en el cine (como deberían verse todas las películas) fue una experiencia inigualable.

#340. Con la muerte en los talones / North by Northwest (1959)

2010-05-05T20:06:00.001+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 22
Restantes: 979
Días: 55
Vista en: Sábado, 1 de Mayo de 2010.
Lugar: En la TV (TVE 2).

A veces los hados trabajan de forma extraña. La semana pasada a cuenta de la reseña sobre Vértigo recomendaba esta película y justo este sábado la emitieron en televisión como parte de un especial de Hitchcock. Ya la había visto varias veces, pero déjenme que lo use de excusa para comentarla.

La película se centra en Roger Thornill, un dinámico publicista de Madison Avenue que es confundido con un tal George Kaplan buscado por unos oscuros personajes con las peores intenciones. Pronto se verá envuelto en una maraña de espionaje y traición donde nada es lo que parece y todos parecen querer deshacerse de él.

La película lo tiene todo: acción, suspense, romance,... Combina el suspense propio de Hitchcock, centrado alrededor de ese misterioso Mr. Kaplan que no aparece por ninguna parte a pesar del patente rastro que deja tras de sí, y la acción de las escenas en las que el héroe debe escapar de una muerte segura. Algunos la consideran como la primera "película Bond" y lo cierto es que guarda muchas similitudes con la serie del agente 007. Sobre todo las referencias a la Guerra Fría con ese ambiente de espionaje y doble juego.

Cary Grant está inconmensurable sabiendo expresar la tensión de los momentos críticos a la vez que mantiene un cierto sentido de la ironía. Su inolvidable actuación en escenas tan memorables como la persecución de la avioneta o el final en el Monte Rushmore nos hacen imaginar que gran James Bond podía haber sido.

Y como no podía ser de otra manera, también está "la chica". En este caso, Eve Marie Saint, que hace un magnífico papel, alternando entre la tradicional "damisela en apuros" y la "femme fatale" del cine negro.

También se tratan temas profundos como la aparente amoralidad de los espías de ambos bandos y cómo el leit-motiv de la "Seguridad Nacional" parece justificarlo todo. Una máxima muy en boga últimamente (tómese cualquier avión de hoy en día).

Una auténtica obra maestra que siempre me resulta interesante cada vez que la veo.

#844. El juego de Hollywood / The Player (1992)

2010-05-03T23:50:00.000+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 21
Restantes: 980
Días: 53
Vista en: Viernes, 30 de Abril de 2010.
Lugar: Facultad de Ciencias de la Universidad de Granada.

"Can we talk about something other than Hollywood for a change? We're educated people./

¿Podemos hablar de algo que no sea Hollywood para variar? Somos gente educada"

Interesante crítica al mundo de Hollywood cargada de ironía y cierto humor negro.

Ya desde la primera escena, un largo travelling de 7 min. que al parecer rinde homenaje a La Soga y Sed de Mal (todavía no he visto ninguna de las dos), se nos presenta el día a día de un estudio de cine: un mundo completamente caótico donde ideas completamente absurdas (como el Graduado II: veinte años después o un thriler político sobre un senador que puede leer las mentes) son elevadas sobre ideas más sensatas.

En un punto de la película se dice que una película de Hollywood ha de tener suspense, humor, violencia, esperanza, alma, desnudos, sexo y..., otra cosa más. Esta película tiene todo eso pero con un interesante giro, ya que el protagonista dista de ser un personaje carismático o atractivo. En realidad, el protagonista es un desagradable ejecutivo de un estudio cuyo trabajo es decidir que guiones se convierten en películas y cuáles no. Y cuando esto último sucede no es muy amable sobre la respuesta. Por lo que los guionistas no le tienen en muy alta estima. De hecho, uno de ellos quiere matarle y le envía postales amenazadoras. Ahora tendrá que descubrir quién de entre todos los guionistas a los que dio calabazas es el autor del chantaje...

La película está plagada de guiños y chistes internos, algunos bastantes difíciles de pillar si no eres ejecutivo de Hollywood. Hasta 60 estrellas de cine hacen cameos en la película (como se rodó en los propios estudios, algunas simplemente pasaban por allí). Lo cual dice mucho de su sentido del humor y su predisposición a la autocrítica.

Algunas escenas son realmente divertidas, como cuando el protagonista visita una "comisaría real" y lanza un discurso hollywoodiense muy sentido o la versión final de una película cuyo guión inicial prometía o cuando uno de los ejecutivos tiene la brillante idea de pasar de los guionistas y sacar las historias directamente del periódico. Sin embargo, muchas de las escenas de transición son bastante largas y tediosas. Especialmente, las referentes a la relación del protagonista con "la chica". Está relación, introducida como un cliché más de un película hollywoodiense, lejos de ser la clásica relación apasionada y descarnada es una relación fría y calculadora. La chica se niega a hacer el amor con el protagonista hasta que llegue el momento oportuno (el clímax de la película). Greta Scacchi está correcta en su papel de témpano de hielo. Al igual que Tim Robbins en el de cabrón despiadado. Ambos hacen de auténticos antihéroes y no puedes más que despreciarlos. Pero este desprecio hace que estas escenas íntimas sean terriblemente aburridas.

Así que en general, la película me dejó entre dos aguas. Contiene escenas que merecen ser vistas varias veces para poder apreciar todos los pequeños detalles y la ironía subyacente en cada diálogo (como la larga escena inicial). Sin embargo, quizás no es una película que yo vería íntegra una segunda vez.

#808. Sexo, mentiras y cintas de vídeo / Sex, lies and videotape (1989)

2010-04-30T19:53:00.003+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 20
Restantes: 981
Días: 50
Vista en: Miércoles, 28 de Abril de 2010.
Lugar: No quieras saberlo.

"[...] men learn to love the person that they're attracted to, and [...] women become more and more attracted to the person that they love./

[...] los hombres aprenden a amar a la persona por la que se sienten atraidos, y [..] las mujeres les atrae cada vez más atraídas por la persona a la que aman."

Una película sobre cuatro almas a la deriva. Cada una tiene una actitud diferente frente al sexo. Y sobre sexo trata la peli; pero más allá de eso, trata sobre las relaciones humanas y dolor que causamos a los demás sin darnos cuenta.

Ann es una frustada ama de casa que es infeliz en su matrimonio. Está sexualmente reprimida, lo que le provoca un comportamiento obsesivo. Cuando la película comienza, la encontramos en la consulta del psiquiatra Está interpretada por Andie McDowell.

John es el marido de Ann. Prototipo machista donde los haya, parece necesitar el sexo para reafirmar su virildad. Como Ann no puede satisfacer sus necesidades, le es infiel con su hermana. Al menos esa es su versión; aunque se puede intuir que le hubiera sido infiel de todos modos ("Si hubiera sabido lo que le atrae un anillo a una mujer, me hubiera comprado uno con 18 años y no hubiera perdido tanto el tiempo"). Está interpretado por Peter Gallagher.

Cynthya es la hermana de Ann. Siente una necesidad casi patológica por el sexo, pero lo que realmente la excita es el riesgo y el morbo de acostarse con el marido de Ann, a la que desprecia. Este desprecio puede provenir quizás del hecho de que ésta se pase la vida criticando su liberal estilo de vida ("Quisiera poder contarle a todo el mundo que la perfecta Ann es un desastre en la cama"). Está interpretada por Laura San Giacomo.

La vida de estos tres individuos se verá alterada por la llegada de Graham, un personaje bohemio con un extraño hobby: grabar en video a mujeres hablando de sus experiencias sexuales. Está interpretado por James Spader.

Debo decir que a pesar que las relaciones sexuales son el tema sobre el que que se articula toda la cinta, la película no contiene una sóla escena que pueda se calificada "de adultos". Todo queda sugerentemente implícito y algunas escenas resultan más sugestivas por este hecho.

Pero la película también habla de mentiras y no sólo las mentiras que contamos a otros, sino las mentiras que nos contamos a nosotros mismos. Mentiras que nos contamos porque la realidad nos parece demasiado dolorosa o porque asumir la verdad sería reconocer que estamos equivocados. Por ejemplo, Ann se miente a si mísma al decir que no necesita el sexo y John se miente al responsabilizar a Ann de sus infidelidades.

El recurso de las cintas de video, lejos de ser algo sucio, es casi terapéutico. Los personajes cuando se ponen delante de la cámara cambian, se enfrentan a sus temores y se desprenden del lastre del autoengaño.

La peli es especialmente relevante porque supuso el despegue de las carreras de Steven Soderbergh, Andie McDowell y James Spader (estos dos hacen un papel realmente excelente) y, además, inició el boom del cine independiente de los noventa.

Una película muy recomendable para quien le interese otro tipo de cine.

#334. Vértigo (de entre los muertos) / Vertigo (1958)

2010-04-28T17:22:00.001+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 19
Restantes: 982
Días: 48
Vista en: Sábado, 24 de Abril de 2010.
Lugar: En la televisión (canal TG7).

Seguimos con otra de misterio. En este caso del maestro Alfred Hitchcock. Como en la anterior entrada, trataré de no desvelar demasiado. Pido perdón si no tengo éxito en este propósito.

James Stewart interpreta a "Scottie" Ferguson, un policía que abandona el cuerpo después de descubrir de forma dramática que padece acrofobia costándole la vida a un compañero suyo. Después de cierto tiempo un conocido suyo le contrata para que siga a su mujer (Kim Novak), la cuál ha empezado a desarrollar un extraño comportamiento y él creé que está poseída...

Se trata de una clásica película de Hitchcock donde nada es lo que parece a pesar de lo "outré" del punto de partida. La película es entretenida aunque está lejos de estar entre las mejores del director. Tiene sus momentos pero la historia pierde todo su clímax cuando el misterio es revelado a media hora del final y de la forma menos atractiva: con un largo “flashback” y una explicación narrada de los hechos. Si embargo, a raíz de ésta revelación la película entra en una nueva fase donde podemos disfrutar de la actuación de Kim Novak, que hasta ese momento sólo había estado aceptable, cuando tiene que vivir un amor imposible obstruido por la culpa y la obsesión.

Uno de los elementos característicos de la película es el uso del zoom (para reflejar el vértigo del protagonista) e imágenes psicodélicas (usadas principalmente en una escena de pesadilla). Éstos le dan un cierto aire sesentero, a pesar de que la película es de 1958. Algunas escenas como la de las escaleras de la torre se han convertido en iconos.

En definitiva, es una película entretenida pero si quieres ver algo de Hitchcock te recomiendo mejor Los 39 escalones o Con la muerte en los talones por mencionar sólo dos que ya he visto.

#739. Terciopelo Azul / Blue Velvet (1986)

2010-04-27T08:45:00.002+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 18
Restantes: 983
Días: 47
Vista en: Viernes, 23 de Abril de 2010.
Lugar: Facultad de Ciencias de la Universidad de Granada.

"It's a strange world, isn't it?/

Es un mundo extraño, no?"

Es difícil comentar una película de misterio sin revelar más de la cuenta, pero haré lo que pueda por no destripárosla a los que no la hayáis visto.

Un chico vuelve a su pueblo desde la Universidad cuando su padre ingresa en el hospital. Por el camino se encuentra una oreja humana. Tras llevársela a la policía, el chico que seguramente debía de ser un gran fan de las novelas de Enid Blyton decide investigar por su cuenta el origen del apéndice auditivo. Un día va a casa del inspector al mando de la investigación y tras recibir su negativa a discutir el caso con él, consigue despertar el interés de la hija de éste (esta curiosidad adolescente...) que le ayuda a seguir con las indagaciones. Pronto descubrirán que el mundo no es como en las novelas de misterio juveniles...

Después de ver Mulholland Drive (ya hablaré de ella cuando la entienda), tenía ciertos reparos en ver otra película de David Lynch. Si embargo, ésta película tiene un argumento bastante directo y entendible (quizás me decepcionó un poco por eso, lo que es la vida).

El "leit motiv" de la película es el contraste entre el idílico "American way of life", con sus parcelas de vallas blancas y césped impecablemente cortado, y el mundo sórdido y tenebroso que se oculta en el fondo. Los dos adolescentes, casi sacados de una película de adolescentes (la chica tiene hasta un novio que juega al fútbol americano), viven en ese mundo de fantasía plástica creado por la publicidad, son inocentes y no conocen el mal (como Adán y Eva en el paraíso). Al tiempo, se sienten inmediatamente atraídos por ese objeto procedente de ese otro mundo (la oreja) y lo que representa. Al igual que Eva, el chico deja que esa oreja le arrastre a ese mundo sucio y oscuro.

Un mundo de depravación representado por Frank, un psicópata al viejo estilo, sin fisuras. Frank representa el mal en estado puro. Frank es un sádico que sólo puede alcanzar el clímax sexual cuando humilla a sus víctimas física y verbalmente. La brillante interpretación de Dennis Hopper hace que sea realmente despreciable.

Isabella Rosellini, que hasta ese momento sólo hacía anuncios de televisión, también hace un interpretación soberbia (de lo mejor de la película) como Dorothy Vallens, la víctima de esa depravación. Isabella es capaz de transmitir a la perfección el estado mental y emocional de ésta mujer tras los abusos de Frank. Se trata de una mujer destrozada que odia a Frank pero que al mismo tiempo ha desarrollado una dependencia sadomasoquista con él y ahora es incapaz de mantener una relación sexual normal. El terrible "Hit me!" (¡Pégame!) que repite constantemente es un testimonio estremecedor de la crueldad más atroz.

A medida que la película avanza el protagonista se ve cada vez más inmerso en ese sórdido mundo y se va alejando de su chica que sigue representando ese mundo más inocente y seguro.

La película es muy Linch. Está llena de iconos pop e imágenes con doble significado: la oreja comida por los gusanos, el bombero saludando a la cámara al principio del film,... Aún así es una película fácil de entender y sin demasiada complejidad. Advierto que contiene imágenes sexuales muy explícitas (fue un escándalo en su época) y puede herir algún alma sensible.

Desde mi punto de vista quizás la dirección resulte un poco fría. Formalmente es perfecta pero le falta alma. Me resultó difícil conectar con los personajes salvo por la actuación de Isabella, una auténtica joya en bruto.

Pero vamos teniendo en cuenta que iba predispuesto en contra, la experiencia resultó muy positiva.

#729. Brazil (1985)

2010-04-23T16:18:00.001+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 17
Restantes: 984
Días: 43
Vista en: Martes, 20 de Abril de 2010.
Lugar: Facultad de Ciencias de la Universidad de Granada.

"Confess quickly! If you hold out too long you could jeopardize your credit rating./

Confiesa rápido! Si aguantas demasiado podrías poner en peligro tu línea de crédito."

Posiblemente una de las mejores películas de ciencia ficción jamás hechas. Estrenada en 1985, está construida como una especie de sátira de 1984 de George Orwell.

Se desarrolla en una Gran Bretaña donde la burocracia lo ha devorado todo. Para cualquier cosa se necesita un formulario debidamente cumplimentado, incluso los familiares de los arrestados son obligados a firmar un recibo para poder recuperar en un futuro a su ser querido. Además el Ministerio de Información actúa como elemento represor arrestando y torturando ciudadanos sin ninguna otra razón aparente que la de encontrar a unos supuestos terroristas que nunca aparecen. Como en toda buena sociedad capitalista que se precie, el Gobierno está ligeramente preocupado por el coste que esto supone para el contribuyente y ha decido obligar a los sujetos por el coste de su tortura. De esa manera además se pueden ofrecer interesantes ofertas a aquellos presos que confiesen pronto del tipo "¡Confiesa antes de 5 minutos y consigue un 75% de descuento!".

Otro de los aspectos extravagantes de esta desquiciada sociedad es su total dependencia de una maquinaria que nunca parece funcionar correctamente. Esto último seguramente sea debido a la cantidad de papeleo que hay rellenar para reparar cualquier cosa y a que los Servicios Centrales (una especie de sindicato mafioso) tiene el más completo monopolio sobre las reparaciones. En estas circunstancias la única esperanza que tienen los ciudadanos de poder ver funcionar sus aparatos recae en unos dedicados robin hoods de las reparaciones que se dedican a allanar moradas para arreglar lo haya que arreglar. Uno de estos esforzados maestros de la tecnología es Archibald "Harry" Tatle (interpretado por Robert de Niro). Es uno de mis personajes preferidos porque cierto aire épico a la vez de ser igual de absurdo que el mundo que lo rodea.

Pero el verdadero protagonista de la historia es Sam Lowry (Jonathan Pryce) un gris oficinista del Departamento de Registros, que no obstante parece ser bastante feliz con su posición y rechaza todos los intentos de su madre (que está bien posicionada) por conseguir que lo promocionen al Departamento de Obtención de Información (el de las grandes rebajas en torturas). Pero pronto todo su mundo se verá alterado cuando un error administrativo le lleva a encontrarse con la chica de sus sueños (literalmente). Sam tendrá que moverse por ese mundo de locura para intentar localizarla antes de que el Ministerio le ofrezca uno de sus saldos...

El ambiente está creado con un estilo retro. La estética es la que podía haber tenido la película de haber sido realizada en la década de los 40. Los ordenadores son poco más que máquinas de escribir con televisores adosados y la ropa está dominada por los tirantes y las gabardinas. A su vez la iluminación y el desarrollo de partes de la trama recuerdan a las películas clásicas del cine negro.

La película atrapa desde el principio. La utilización de una gran gama de ángulos de cámara y el uso de espacios muy reducidos hace mucho por transmitir usa sensación de completa opresión. Las habitaciones y pisos son cajas de cerillas y, para más inri, están plagadas de tuberías y maquinaria. La necesidad de escapar se hace patente en el espectador desde el principio. Y ese el leit motiv de la película: los intentos de un hombre de cumplir su sueño de salvar a su amada y huir lejos a un lugar donde sólo su imaginación puede llevarle.

La película está llena de pequeños detalles y críticas a la sociedad actual: la madre de Sam y una amiga suya dedican su vida a interminables operaciones de estética (aunque ello les cueste la salud), una niña le pide una tarjeta de crédito a Papa Noel mientras pasa un coche con el rótulo "Consumidores por Cristo",...

Sin duda es una película que merece ser vista muchas veces y que deja un poso de temor al comprender que este caótico y neurótico universo quizás sea, de entre todos los futuros de ficción creados, el más realista.

#685. Tootsie (1982)

2010-04-21T19:44:00.001+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 16
Restantes: 985
Días: 41
Vista en: Domingo, 18 de Abril de 2010.
Lugar: No quieras saberlo.

Divertidísima comedia de enredo con las relaciones sociales y la crisis de la mediana edad de fondo.

Dustin Hoffman hace de un actor de teatro cuarentón en paro con fama de difícil. Su manager (el propio Roman Polanski) está harto de que siempre discuta todo con los directores de teatro, los cuáles ya no quieren trabajar con él. Queriendo recaudar dinero para poder financiar la obra de su compañero de piso (Billy Murray), decide ponerse a buscar trabajo... disfrazado de mujer. Su actuación como mujer "difícil" es tan convincente que consigue un papel en el culebrón de moda, Hospital General. Allí congenia con una de las actrices (Jessica Lange) de la que se enamora; pero, claro, ella sólo le ve como una "buena amiga".

La película es my divertida, pero no es el tipo de comedia basada en chistes o en porrazos. La gracia de la película estriba en lo ridículo de las situaciones. Tampoco es la típica historia donde un hombre se disfraza de mujer y se pasa la película hablando de lo difícil que es hacer de mujer. Dorothy Michaels (el nombre de la versión femenina del protagonista) es, de hecho, un personaje completo. No es atractiva pero tiene una gran confianza en sí misma. Es tierna y comprensiva con las personas que la tratan bien; pero también es dura e implacable con los que se sobrepasan con ella o con las mujeres que la rodean. Es como si hubiera existido siempre, como si hubiera tenido una infancia, una adolescencia,... incluso el personaje de Dustin Hoffman, es un pequeño arrebato de esquizofrenia, habla de ella en tercera persona como si fuera una amiga íntima. A lo largo de la película y a través de su papel en la telenovela vemos como Dorothy llega a convertirse en un icono de reivindicación feminista.

La caracterización de Dustin Hoffman como mujer es perfecta y creo que si no supiera la verdad me hubiera creído perfectamente que era una mujer. Se dice que durante el rodaje Hoffman acompañó a su hija a una reunión escolar vestido de Dorothy. La chica le presentó como su tía Dorothy y nadie pareció notar en ningún momento que su interlocutor era un hombre.

Jessica Lang también está genial en el papel de madre soltera y gran parte de la comicidad viene de ella. Fue la única en llevarse un oscar, aunque la película estuvo nominada en muchas otras categorías.

También merece la pena destacar la relación entre el personaje de Dustin Hoffman y su manager, interpretado por el propio director Roman Polanski. En cada conversación se puede notar la tensión que, podemos imaginar, se debía vivir en el rodaje entre actor y director. Por lo visto, la idea de que Romanski interpretara ese papel fue de Hoffman que consideraba que era la mejor forma de sacar el máximo partido a esas escenas. Una decisión de lo más acertada.

Sin duda, una película muy recomendable si quieres divertirte un rato.

#33. Garras Humanas / The Unknown (1927)

2010-04-19T20:02:00.003+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia (inglés)
Vistas: 15
Restantes: 986
Días: 39
Vista en: Sábado, 17 de Abril de 2010.
Lugar: No quieras saberlo.

"Hands! Men's hands! How I hate them!

Manos! Manos de hombres! Cómo las odio!"

Un clásico del cine de terror de la Universal.

Lon Chaney hace de un hombre sin brazos que trabaja como lanzador de cuchillos en un circo. Una jovencísima Joan Crawford ejerce de su guapa ayudante. La chica es en realidad la hija del dueño del circo, aunque éste no es precisamente la alegría de la huerta y prefiere volcarse en el lanza-cuchillos como figura paternal. Siendo Lon Cheney quién lo interpreta te puedes imaginar que este tipo no pretende nada bueno. Bueno, en realidad, sí pretende algo bueno (a la chica) pero sus medios no son muy limpios. Verás, la chiquilla le tiene un pánico terrible a las manos masculinas. Sí, no te rías que la cosa es seria, por lo visto todos los hombres que le han puesto la mano encima ha sido para hacerle daño. Y, viendo como la trata su propio padre, no me extraña que la chica albergue esos temores. El lanza-cuchillos aprovecha la situación para quitarse de enmedio a un pretendiente rival induciéndole a fomentar inconscientemente la fobia de la chica. Pero éste no se dará por vencido y seguirá peleando por su amor; al igual que el lanza-cuchillos que esconde más secretos de lo que aparenta...

Lon Cheney hace aquí uno de sus mejores trabajos. Sus expresiones faciales saben transmitir perfectamente tanto lo que expresa como lo que oculta el personaje: su secreto placer cuando ella le abraza, su rencor hacia el forzudo,.. Joan Crawford diría años después que nunca supo lo que era verdaderamente actuar hasta que trabajó con él. Ella también hace un correto trabajo como dulce e inocente objeto de deseo. Un clásico es este tipo de películas.

La película es muy cortita ya que por lo visto no se conserva entera. Aún así la película se sigue bien y no se pierde ningún detalle importante. Una curiosidad: La película apareció en una biblioteca de París cuando se la creía perdida. Al parecer, el título original "The Unknown/Lo desconocido" había confundido a los gerentes de la institución que poseían gran cantidad de películas con el mismo título impreso.

Tendría que revisar mi comentario de hace algunas semanas sobre la películas de terror. A pesar de haberse hecho hace casi un sigo, esta película me sigue dando repeluzno.

No sé, soy un poco sensible a la amputación de extremidades.

#993. Borat (2006)

2010-04-14T17:01:00.001+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 14
Restantes: 987
Días: 34
Vista en: Sábado, 10 de Abril de 2010.
Lugar: No quieras saberlo.

No sé que decir sobre esta película. Llevo 3 días intentando escribir algo y no me sale nada. Así que me limitaré a hablar sobre el argumento y a ver si entre medias me sale algo.

Un periodista de la gloriosa república de Kazakstán es encargado con la tarea de hacer un reportaje de los "E, E, U, y U" para el Ministerio de Información con el objetivo de aprender los rasgos culturales y tecnológicos que hacen de ese un gran país y poder aplicarlos en Kazakstán. Resumiendo, le envían a hacer espionaje periodístico. Con esa premisa, la película alterna escenas montadas y escenas de interacción real entre el progatonista y personas y asociaciones que creen estar tratando con un extranjero de extrañas costumbres (entre las que se incluyen la homofobia, el machismo y el antisemitismo).

Éste es uno de los puntos fuertes de la película: ver como reacciona el americano medio ante un personaje tan extrafalario. Esto hace que la película parezca un progama de cámara oculta. Esto puede tener su gracia al principio pero que acaba cansando cuando te das cuenta que la mayor parte de la comicidad viene del propio actor y no de la reacción de sus ignorantes víctimas. Y el humor del actor viene de la manida explotación de estereotipos: judíos, homosexuales, feministas,... El actor es judío y eso, a ojos de algunos, parece que le legitima para hacer chistes anti-semitas. No voy a entrar en eso. Simplemente diré que el problema de los estereotipos es que el campo de chistes es muy limitado y previsible (uno sólo puede reírse de la codicia judía un número limitado de veces).

Hay quien la alaba por considerarla una crítica a la sociedad americana. Pero yo sólo un par de escenas realmente criticables (como la del hombre del rodeo y su diatriba sobre los musulmanes o esa mezcla de mitin político y misa cristiana). El resto de las escenas sólo muestran la reacción natural (y es algunos casos hasta loable) de unos ciudadanos honrados hacia un personaje que representa todo lo deleznable de la sociedad.

Y eso por no hablar que la mayor parte de las ostias se las lleva la gloriosa república de Kazakstan, país del que no creo que ninguno de los perpetradores de la película haya oído hablar jamás.

La película surgió como un pequeño proyecto de su autor Sacha Baron Cohen y en ningún momento pretendío convertise en un película taquillera. La mayor parte del éxito viene de su formato de "falso documental". Desde mi punto de vista, se alabó demasiado el estilo sin mirar demasiado el contenido.

En definitiva, una película entretenida para pasar la tarde si te gusta el humor salvaje y escatológico; pero que dificilmente puede hacerse un hueco entre las mejores películas de la Historia.

#925. [PREBLOG] Celebración / Festen (1998)

2010-04-09T08:54:00.003+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 13
Restantes: 988
Días: 29
Vista en: 2009
Lugar: En el DVD de casa (alquilada).

Hoy cambiamos de registro y comentaremos la película que dió el pistoletazo de salida al movimiento "Dogma 95".

Los creadores de este movimiento fueron los directores daneses Lars Von Trier y Thomas Vinterberg que pretendían devolver el cine a sus orígenes librándolo de todo artificio y convirtiendo a la cámara en una mera espectadora de la historia de la película. Nada artificial podía usarse: ni música, ni efectos, ni montaje, ni siquiera se podía usar una grúa para sujetar la cámara que debía sostenerse en la mano. El objetivo era crear un marco en el que los jóvenes realizadores pudieran películas con poco presupuesto y tener repercusión internacional.

Si el movimiento Dogma tuvo alguna validez artística fue con la película de hoy: Celebración de Thomas Vinterberg, cofundador del movimiento. Fue la primera película Dogma y la que mejor supo combinar todos sus elementos con la historia narrada.

Un hombre de negocios celebra su 60 cumpleaños con su familia y amigos en el hotel familiar. Todo va de acuerdo a tan magna ocasión: vino, comida, bailes,... hasta que aparece el hijo menor de la familia y hace una sorprendente revelación...

Ese oscuro secreto familiar es elemento articulador de toda la película. El espectador se ve poco a poco atrapado en el sórdido ambiente familiar de tal forma que las recurrentes escenas festivas se van haciendo más insoportables a medida que avanza la película y se van conociendo más detalles de la turbia historia familiar. A la misma vez, el personaje principal, que al principio cae poco simpático al ser presentado por los demás miembros de la familia como un hombre de mala vida, va ganándose el favor del público y su cruzada se convierte en la cruzada del espectador.

Y la película consigue todo eso con los medios de partida más desfavorables para enganchar: con una cámara temblorosa, con luz natural, sin banda sonora,... Y aún así, funciona hasta tal punto que al final del film uno no concibe otra forma de narrar la película.

Una película ciertamente recomendable. Y un recordatorio de que no hace falta el presupuesto de Avatar para hacer buenas películas.

Sin embargo, no cualquier video casero puede considerarse una película de calidad. Y es este punto en el que falla toda la argumentación Dogma. El bajo presupuesto no simplifica la realización de películas. Al contrario, cualquiera puede hacer una película que atraiga al público si se dispone de grandes medios pero se necesita una clase especial de realizadores para hacer funcionar este tipo de historias mínimas. Y es que a fin de cuentas, seas escritor, cantante o director de cine todo se reduce a saber contar historias y lo demás es lustre.

#269. Johnny Guitar (1954)

2010-04-07T17:56:00.002+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 12
Restantes: 989
Días: 27
Vista el: Martes, 30 de Marzo de 2010
Lugar: En el DVD de casa.

"A posse is an animal that moves like one and thinks like one.[...] And after riding a few hours they don't care much WHO they hang.

Una partida es como un animal, se mueve como uno y piensa como uno.[...] Y depués de cabalgar unas horas no les importa mucho a QUIÉN colgar."

Hoy, seguimos con otra película del Oeste. Aunque seguramente muchos no la considerarían como tal.

El Johnny del título es un artista que viaja por el Oeste americano con su guitarra como única arma. Pero, en contra de lo que pueda parecer, él no es el protagonista de la cinta. Ese papel recae en Joan Crawford como Vienna, la propietaria de un casino que contrata a Johnny, en principio para actuar en su local. El casino está en medio de la proverbial nada, salvo por un pueblecito cercano. Los "castos" habitantes del pueblecito no se siente muy contentos de tener tal antro de perversión tan cerca pero miran aún con peores ojos los proyectos futuros de su propietaria de construir una estación de ferrocarril junto al mismo. La más resuelta de este grupo de preocupados ciudadanos es Emma Small, una devota líder de la comunidad cuyo noble sueño es ver arder el casino hasta los cimientos y a su dueña colgada de un árbol bien alto. Todo por el bien de todas las almas de la comunidad.

Enseguida la película se encamina por sendas más románticas al revelarse que Johnny es en realidad un antiguo amante de Vienna y que la razón principal del odio de Emma por ésta es que desea a Kid, un bailarín de mala vida y actual novio de Vienna.

La trama se enreda cuando Kid se ve empujado al bandidaje dando una excusa a Emma para lanzar a las masas enfurecidas contra Vienna.

La película es un duelo interpretativo entre las dos únicas actrices de la película. Emma Small, interpretada por Mercedes McCambridge representa el mal en estado puro. No le importa engañar o traicionar con tal de saciar su sed de sangre. Su cara es en todo momento una mueca odio salvaje y descontrolado, salvo cuando está a punto de alcanzar sus objetivos cuando exhibe un ansia desmedida casi lasciva. De punto de vista resulta uno de lo "malos" más siniestros de la historia del cine. Enfrente está Vienna, la "buena" de la película. Sin embargo, ella tampoco tiene un carácter agradable, es una mujer hecha a sí misma que no pide ni desea ayuda de nadie (salvo de Johnny a quién necesita por motivos más íntimos que la mera defensa personal). Sin duda es la verdadera "cowboy" de este extraño Western.

La rivalidad de las actrices era completamente real ya que, según se cuenta, Joan Crawford no soportaba que una actriz joven como Mercedes McCambridge le robara protagonismo.

La temática de la película es también muy interesante. De nuevo, el tren representa la modernidad y el progreso, pero donde en la anterior película eso se traducía en fortuna y prosperidad, aquí produce miedo y odio. Miedo al fin de una forma de vida ("¡Granjeros!¡Sucios granjeros!") y odio al forastero de extrañas costumbres (¡qué poco hemos cambiado es este aspecto!).

Es, en definitiva, una reflexión profunda de la intolerancia, la hipocresía y de como la masa se convierte en turba en el momento en el que la razón es barrida por las emociones más bajas del ser humano como la ira, el odio o el miedo.

Para terminar, quiero rescatar la que seguramente sea una de las más extrañas escenas de toda la historia del Western: un duelo al sol entre dos mujeres.

Sin duda, una película única e imprescindible.

#479. Hasta que llegó su hora / C'era una volta il West (1968)

2010-04-06T17:48:00.002+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 11
Restantes: 990
Días: 26
Vista el: Lunes, 29 de Marzo de 2010
Lugar: En el DVD de casa.

Una típica peli del Oeste y a la vez no tan típica.

Tenemos a un lonesome cowboy pero que en vez de caballo o revólver luce una armónica. Tenemos a un malo pero que lejos de jactarse de sus crímenes intenta echarle el muerto (en realidad, los muertos) a otro. Tenemos a la chica que lejos de ser la pura y virginal damisela en apuros es una prostituta con miras más materiales. Y por último tenemos a un forajido profesional haciendo de voz de la conciencia.

La película tarda en entrar (principalmente, porque se mueve al ritmo de un caracol con cojera) pero luego se va animando hacia la mitad. Por tanto es una peli para ver sin prisas y echar una tarde de buen cine del Oeste.

La trama gira alrededor de la propiedad de unos terrenos que ocultan un valioso secreto. En la disputa entran Henry Fonda como asesino del propietario, Claudia Cardinale como viuda de éste, Charles Bronson que persigue a Fonda armado con una armónica y Jason Robards como un conocido maleante que es acusado de los asesinatos. Todos ellos hacen un papel magnífico, aunque me gustaría resaltar el personaje de Robards como un lacónico forajido que parece estar de vuelta de todo.

El film es interesante porque los personajes son imprevisibles y, lejos de la estereotipación habitual del género, evolucionan durante el metraje.

Personalmente, me encanta la utilización recurrente de una escena retrospectiva que va cobrando más sentido conforme avanza la película, revelándose de forma espetacular en el clímax de la película.

Está dirigido por Sergio Leone y es el comienzo de su segunda trilogía (tras la Trilogía del Dólar). Esta trilogía pretende mostrar la evolución del Oeste norteamericano desde la época de su primera trilogía hasta los años de la Ley Seca. Una transformación hacia la modernidad que viene representada por el avance del tren que en esta película todavía está por llegar pero que será una constante en la segunda película, ¡Agáchate, maldito!.

La segunda película esta enclavada en Baja California a principios del siglo XX. También es una película larga y lenta pero merece la pena verla con calma porque ofrece una interesante reflexión sobre las revoluciones. Muchos de los recursos estilícos del primer film se vuelven a usar en el segundo; como la escena recurrente en retrospectiva y algunos de los rasgos de los personajes. La comento aquí para dejar constancia porque no está en la lista.

Ya volveré sobre esta trilogía cuando comente la tercera película, Érase una vez en América (que aún no he tenido ocasión de ver).

#988. La vida de los otros / Das Leben der Anderen (2006)

2010-04-05T13:34:00.002+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 10
Restantes: 991
Días: 25
Vista el: Domingo, 28 de Marzo de 2010
Lugar: En el DVD de casa.

"Kann Mann diese Musik gehörtet, ich meine wirklich gehörtet, ein schlechter Mann sein?

¿Puede alguien escuchar de verdad esta música y ser un hombre malvado?"

Interesante film sobre los días álgidos de la Stasi, la policía secreta de la RDA.

Relata la historia de uno de los mejores agentes en la caza de los enemigos del pueblo que empieza a cuestionarse sus ideales cuando un cargo del partido le ordena que encuentre "algo sucio" de un rival político. El objeto de la persecución es un conocido director de teatro al que se le conoce por ser firme defensor de los ideales de la República.

La película es entretenida y se deja ver; aunque no me apasionó. El papel de Ulrich Mühe como agente de la Staci es muy bueno, pero el cambio de mentalidad se produce demasiado rápido y prácticamente se reduce a una línea de dialogo de la actriz principal que el agente escucha a través de los micrófonos ocultos. Parece poco creíble que un agente del Gobierno que se ha pasado años al servicio del régimen vea la luz tan rápidamente; aunque supongo que el hecho de estar cazando a una persona por motivos puramente personales y no políticos ayuda.

Más o menos lo mismo se puede decir del otro protagonista masculino de la película: Sebastian Koch como el director de teatro objeto de la persecución. Éste también pasa por una conversión similar, aunque en su caso el detonante (el suicidio de un colega suyo denostado por el Gobierno) es algo más creíble. La tercera en discordia, nunca mejor dicho, es Martina Gedeck como la amante del director y cuyos flirteos con un cargo del partido es la razón última de la persecución. En mi opinión, se trata del papel más disperso y es utilizada como elemento de conflicto cambiando constantemente de orientación según sea el devenir del guión.

El punto interesante de la película está en el entorno. Algunas escenas muestran el régimen de terror que imponía el régimen político de la RDA sobre sus ciudadanos; aunque en su mayor parte es muy sutil en el tratamiento del tema, quizás demasiado. Supongo que eso se debe a que fue de las primeras películas en tratar el tema de la RDA desde la Reunificación alemana.

La película ganó el oscar a Mejor película extranjera en 2007. El último que ha recibido Alemania en esa categoría.

#999. Hacia rutas salvajes / Into the wild (2007)

2010-04-03T14:01:00.001+02:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 9
Restantes: 992
Días: 23
Vista el: Sábado, 27 de Marzo de 2010
Lugar: En el DVD de casa.

"The core of mans' spirit comes from new experiences.

El espíritu humano se alimenta de nuevas experiencias"

Ninguna otra película es capaz de mostrar con tanta maestría la necesidad del ser humano por volver a ser uno con la Naturaleza. Esta suerte de versión fílmica de “La llamada de la Naturaleza” de Jack London es una de las películas más impactantes que he visto jamás. Es el testimonio vivo de que no hacen falta grandes medios para crear obras maestras. La película es puro hipnotismo visual. Posee una fotografía espectacular y unos diálogos soberbios.

La trama es sobre un niño rico que un día, harto de las presiones de su entorno, decide quemar el dinero (literalmente) y echarse a la carretera en busca de aventuras. Su sueño: viajar a Alaska, donde se enclavan los libros que le han fascinado de siempre (como el ya mencionado “La llamada de la Naturaleza” de Jack London). Se trata ni más ni menos de un profundo anhelo que todos llevamos dentro, pero que nunca tenemos el valor suficiente para realizar. Viendo la película, uno siente que si al menos el protagonista triunfa en su propósito ese deseo se verá satisfecho un poquito.

La banda sonora también es soberbia y ayuda a mantener el hechizo de la película. Está interpretada por Eddie Veder, guitarrista de Perl Jam, casi nada. El film se llevó numerosas nominaciones a premios importantes aunque ganó muy pocos (apenas un Globo de Oro por mejor canción). Una gran injusticia hacia posiblemente una de las mejores películas de la década. Su inclusión en la Lista es prueba de ella y viene a resarcir parte del daño.

Lo que más me sorprendió (nunca leo nada de una película antes de verla) es descubrir al final que todo está basado en una historia real. Cuando terminó y tuve que volver al mundo real, me dieron ganas de coger el petate e irme. Lástima de no tener el valor de Christopher McCandless.

#682. [PRE-BLOG] Poltergeist (1982)

2010-03-24T10:01:00.002+01:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 8
Restantes: 993
Días: 13
Vista en: los 90 y en 2009
Lugar: En mi casa las dos veces (una con una cinta de un amigo y la otro en DVD alquilado).

"Run to the light, Carol Anne."

El género que más desfasado queda con el tiempo es, sin lugar a dudas, el cine de terror. Lo que asustó a nuestros padres, ya no nos asusta a nosotros y lo que nos asusta ahora, no asustará a nuestros hijos y continuando así en una lenta escalada de insensibilidad e imágenes cada vez más escabrosas. Antes de seguir tengo que decir que el género de terror no es uno de los que más atraigan. Así que pido disculpas a todos los fans de las pesadillas y las vísceras si se sienten ofendidos por lo que voy a escribir a continuación.

Bueno, hablemos de Poltergeist. Sé que es una peli que la mayoría habrá visto de pequeño a las tantas de la noche, a hurtadillas para no despertar a sus padres que te mandaron a la cama temprano. No es mi caso. A mí de pequeño me daba miedo hasta E.T. Así que estaba lejos de pensar en ver ese tipo de películas. Un día, allá por los 90, un amigo mío me hizo la clásica maniobra de "¡Aún no has visto...!" y con un rápido juego de manos hizo aparecer un vieja cinta de VHS (sí, los DVD no existían por entonces). Yo no las tenía todas conmigo pero este amigo fue quien me descubrió Star Wars; así que le di una oportunidad.

La película no pudo caerme más plana. Sinceramente, no sé cuál es el objetivo de la película. Si es dar miedo, a mí lo de "ve hacia la luz"/"no vayas hacia la luz" no hizo más que confundirme. Si el objetivo era "presentar un cuento de hadas donde una niña hace pasar un calvario a sus padres para probar que la quieren" como escribió alguien, tampoco vi nada de eso. Lo que yo vi fue una aburrida peli sobre una niña que cae accidentalmente en otra dimensión y sus padres se pasan tres cuartas partes del metraje hablando con el techo tratando de sacarla. A diez minutos del final ya estaba pidiendo la hora como quien dice.

El año pasado cuando empecé con la lista decidí darle otra oportunidad. "Si está en la lista, tiene que ser buena", pensé, "a lo mejor era demasiado joven para entenderla". Así que la alquilé y la volví a ver. Esta vez a solas y entrada la noche: "Vamos bastarda nunca lo tendrás más a huevo ¡Asústame!" El resultado fue inesperado: me aburrí aún más ahora que sabía todo lo que iba a pasar.

Así que lo siento, iba a escribir un artículo de loas a la película sacadas de las críticas y comentarios habidos por todo el largo y ancho de la Red; pero no hubiera sido justo. Creo que si estás aquí es para leer mi opinión y no la opinión de otros. Puede que no sea una opinión popular pero es una opinión sincera.

Supongo que tendría que hablar de la supuesta maldición que recae sobre la película y de que murieron 4 de los actores en el plazo de los siguientes 6 años, pero me parece una estupidez y, teniendo en cuenta que una de las actrices murió por violencia de género, un insulto a todo el colectivo de mujeres que padece esta lacra social.

#858. Philadelphia (1993)

2010-03-21T20:34:00.001+01:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 7
Restantes: 994
Días: 10
Vista en: Sábado, 20 de Marzo de 2010
Lugar: En TV (TVE 2).

Una de las primeras películas en tratar el tema del SIDA y la homosexualidad.

Apasionante relato de un abogado homosexual despedido cuando contrae la enfermedad del SIDA. La interpretación de Tom Hanks en el papel protagonista es excepcional y uno de los principales atractivos de la película. Hanks ganaría el Oscar a Mejor Actor ese año y ahí comenzaría su "época dorada" con Forrest Gump, Apolo XIII y Salvar al Soldado Ryan.

Excelente también es el papel de Denzel Washington, que venía de hacer Malcom X y empezaba a despegar como star. Interpreta a un abogado homofóbico que, gracias a su firme sentido de la justicia, decide defender al protagonista en el subsiguiente juicio por despido improcedente.

Al ser el primer film de Hollywood en tocar un tema tan delicado, la película puede resultar un poco "light". Se dice que algunas escenas de Tom Hanks con Antonio Banderas (que hacía de novio del protagonista en uno de sus primeros papeles en América) fueron cortadas.

Desde mi punto de vista, la película es un esfuerzo honesto de mostrar una época en la que todavía se asociaba SIDA con homosexualidad. Muchos de los diálogos del guión están sacados de opiniones de la gente de la calle y creo que la película hizo mucho por desmontar muchos de esos mitos. La dirección es correcta sin ser espectacular y no se me hizo nada larga.

En una nota aparte, ésta es la primera peli de juicios que saco en este blog y debo confesar que me apasionan. Hay quién critica este aspecto de la película, dicen que se ha obviado mucho del drama propio de este tipo de películas. En su defensa tengo que añadir que esto probablemente es intencionado, ya que el objetivo de las escenas de juicio era mostrar la opinión del público frente a la homosexualidad y el SIDA y que el peso dramático recaía más en la evolución de la enfermedad del protagonista. Incidentalmente, resulta una de las representaciones más creíbles de un juicio americano en un film de Hollywood con largos intervalos temporales entre cada estadio del mismo. En palabras de Denzel Washington:

"Forget everything you've seen on television and in the movies. There's not going to be any last-minute surprise witnesses, nobody is going to break down on the stand with a tearful confession.
(Olviden todo lo que han visto en las películas. No va a haber ningún testigo sorpresa en el último minuto, nadie se va a romper en una conmovedora confesión en el estrado.)"

#929. [PRE-BLOG] Corre, Lola, corre / Lola rennt (1998)

2010-03-18T10:21:00.005+01:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 6
Restantes: 995
Días: 7
Vista en: 2009
Lugar: En el DVD de casa (alquilada).

"I wish I were a heartbeat that never come to rest
(Desearía ser un látido que jamás se detiene)"

Revisando las entradas que he escrito, me doy cuenta de que hasta ahora sólo he aladido películas mudas. Como no quiero que te lleves la impresión de esto es un blog de cine mudo, hoy vamos a cambiar de tercio y escribiré sobre una película terriblemente sonora: Corre, Lola, corre.

Tienes que saber que yo nací en los 80, así que formo parte de la llamada Generación de la Imagen, la de los videoclips y los videojuegos. Esta película es una mezcla de ambos. Toma de los videoclips, el ritmo frenético con una banda sonora que no descansa jamás y una imágenes que no dan tregua. De los videjuegos toma la filosofía del ensayo y error: si no lo consigues a la primera, vuélvelo a intentar hasta que lo consigas. Es por tanto, la expresión cultural de una generación.

El argumento de partida es simple: un hombre está en problemas y necesita que su novia, Lola, consiga 100.00 marcos en 20 minutos o su vida corre peligro. Así que Lola tiene que correr, y Lola corre, y el espectador corre con ella y todo corre: el tiempo, la musica,... y nada se detiene hasta el final salvo por un par de escenas donde todo se detiene. Estas escenas sirven para descansar y recuperar el aliento para seguir corriendo.

También es interesante el uso del efecto mariposa. A lo lago del film, podemos observar como pequeños encuentros afectan a la vida de algunos personajes, que Lola se encuentra en su camino.

La película povocó un gran impacto cultural e influyó en numerosos trabajos posteriores. Por ejemplo, el uso del tiempo real dió origen a series como 24.

#24. [PRE-BLOG] El último / The letzte Mann (1924)

2010-03-17T09:36:00.002+01:00

Ficha técnica: Wikipedia
Vistas: 5
Restantes: 996
Días: 6
Vista en: 2006
Lugar: En el DVD de casa (alquilada).

Ya que hablabamos de Murnau el otro día, hoy voy a comentar otra de sus obras maestras: El último (la traducción mas exacta de la expresión alemana 'Der Letzte Mann' sería 'El último mono').

Relata la historia de un hombre admirado y respetado por su comunidad por a su trabajo de portero de un lujoso hotel. Al hacerse mayor, deciden darle un trabajo menos pesado y lo destinan a los lavabos. En el proceso le quitan el uniforme; un uniforme que más que cualquier otra cosa representaba ese status entre la comunidad. Avergonzado con su nueva posición, roba el uniforme todas la noches al salir del trabajo para seguir aparentado delante de sus vecinos.

Estilísticamente, la película es expresionista: edificios retorcidos, expresiones faciales exageradas...; pero la temática social y los juegos de cámara subjetiva la hacen un tanto inclasificable. Algunos escritores la engloban dentro de un género de corta vida llamado Kammerspiel.

Propone una interesante reflexión sobre una sociedad fascinada por la posición social, el poder y la autoridad. Una sociedad que estaba a punto de ser devorada por esa fascinación. Se dice que el público americano no entendió la película porque un encargado de limpieza ganaba más que un portero. Cuestiones culturales.

#31. [PRE-BLOG] Amanecer / Sunrise (1927)

2010-03-15T13:30:00.001+01:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 4
Restantes: 997
Días: 4
Vista en: 2009
Lugar: No quieras saberlo

Llegados a este punto debo haceros una confesión. En realidad, llevaba ya algún tiempo con la lista antes de empezar con el blog. Actualmente, debo de andar por las 80 películas. A partir de ahora, cuando no haya visto ninguna película nueva, escribiré sobre una de éstas para dejar constancia. El objetivo es tener 1001 post para 1001 películas. Para distiguir las películas vistas con anterioridad a la creación del blog, les pondré la etiqueta [PRE-BLOG] delante del título. Todo esto viene a cuento de que anoche estaba demasiado cansado para ver nada, así que hoy rescataré una de esas películas: Amanecer de Murnau.

He empezado por ésta porque cuando la ví me gustó mucho. Se trata ni más ni menos que la primera película en ganar el oscar a Mejor Película (allá por 1929). La historia está estructurada en tres actos como el teatro clásico: tragedia, comedia, tragedia. La maestría de Murnau está en llevar al espectador de un estado emocional a otro sin parecer un cambio demasiado forzado. De hecho, el mundo real no parece existir mientras la ves, sólo el universo arrebatado de tétricos parajes, enormes ciudades, oscuros y atenazadores lagos que Murnau pone en escena. Un mundo desfigurado por las emociones de los protagonistas que son parejas a las del espectador gracias a la extraordinaria actuación de George O'Brien y, sobre todo, de Janet Gaynor. Ella es uno de los pilares fundamentales de la película. Su actuación tanto en ésta como en la película Septimo Cielo (otra película muy interesante también), le valió un merecido Oscar.

Un último apunte. La película es muda pero en momento de la película, cuando el Hombre está buscando a la Esposa, sus gritos son simulados con una bocina (este recurso volverá a usarse en la versión muda de Tabu). A mí esa bocina, me recordaba al lamento de un cisne lastimero. Supongo que soy un sentimental pero ¿quién podría quedarse impertérrito antes semenjante torrente emocional?

#32. El maquinista de la General / The General (1927)

2010-03-14T23:06:00.001+01:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 3
Restantes: 998
Días: 3
Vista el: Domingo, 14 de Marzo de 2010
Lugar: en el DVD de casa

Terriblemente divertida como todas las películas de Buster Keaton que he visto. Los gags parecen perfectamente encadenados. He oído que Keaton y compañía observaban la reacción del público en los primeros pases para hacer que cada gag durara el tiempo justo. Viendo esta película, no parece una exageración. Las escenas de las persecuciones en tren son hilarantes con un Buster Keaton desatado corriendo por toda la locomotora demostrando todo su repertorio acrobático. Y también está la expresividad. Esa cara que sin mover un músculo lo dice todo. También me encanta la simetría de las dos persecuciones en tren donde cada gag es repetido en el mismo orden desde distinto punto de vista.

Mucho se ha escrito de esta película, así que no me extenderé más. Simplemente diré que verla debería ser una esas experiencias vitales ineludibles.

Por extraer una escena que no se haya visto mucho en los comentarios de la película, me quedo con una de la segunda persecución: Después de sabotear un desvío, Buster persigue a su locomotora que ahora va marcha atrás. El tren de los unionistas se dirige velozmente hacia y ella y parece que va a chocar para, en el último momento, cambiar de dirección (debido al desvío saboteado). Sencillamente genial.

#39. Los Muelles de Nueva York / The docks of New York (1928)

2010-03-13T15:53:00.001+01:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia (inglés)
Vistas: 2
Restantes: 999
Días: 2
Vista el: Sábado, 13 de Marzo de 2010
Lugar: No quieras saberlo

He añadido un enlace en la parte derecha a una lista donde iré apuntando mis progresos. También anotaré el día en el que publiqué el post correspondiente. Así, si buscas la entrada de una película correspondiente, podrás localizarla fácilmente. Ahora, vamos con la película de hoy: Los muelles de Nueva York de Sternberg.

¿Se puede encontrar el amor en un lugar tan improbable como un bar portuario? Esta hermosa película nos da la respuesta. A primera vista, esta podría parecer una típica historia de marineros pendencieros y mujeres de moral laxa; pero no hay nada de tópico o predecible en esta obra maestra de Sternberg. Un marinero con una noche de permiso rescata a una joven que se había tirado al agua y decide dedicar la noche a darle algo por lo que vivir. La contenida actuación de los actores (tanto que casi parece una película sonora sin volumen) hace que nunca estés seguro de las verdaderas intenciones de cada personaje a pesar de lo estereotipados que estos puedan parecer en un principio. Lo imprevisible es la tónica de la película hasta llegar al final en uno de los sitios más improbables para una película “romántica”.

#38. Y el mundo marcha/The crowd (1928)

2010-03-12T08:01:00.002+01:00

Ficha técnica: IMDB Wikipedia (inglés)
Vistas: 1
Restantes: 1000
Días: 1
Vista el: Lunes, 8 de Marzo de 2010
Lugar: No quieras saberlo

Si creías que iba a empezar por la primera y seguir en orden militar hasta la 1001, te vas a sentir un poco defraudado. Principalmente porque sería muy aburrido (¿alguién podría aguantar un mes de cine experimental de los 60?) y lo más seguro que ocurriría con eso sería que las películas me pillaran "fuera de onda". Si tengo uno de esos días en los que estoy cabreado con el mundo y me toca una película romanticona, va a ser muy difícil que "conecte". Y mi objetivo no es sólo ver 1001 películas, también quiero disfrutar con ellas. Dicho esto vamos con la primera, la número 38 de la lista: The Crowd de King Vidor.

Con la cantidad de películas sobre la vida cotidiana que se producen cada año, resulta difícil entender el revuelo que formó The Crowd en su momento. Por lo visto su propio director lo consideró "cine experimental". Mi impresión general es realmente buena. Creo que la película ha ganado significado con el paso de los años y el tema no puede ser más actual (irónicamente se estrenó un año antes de la Gran Depresión). De acuerdo a todo lo que he leído, la escena más alabada es la que tiene lugar después del accidente pero aunque reconozco su fuerza expresividad y su significado conceptual (y además es la que le da nombre a la película en castellano); yo me quedo con esas escenas de rutina matrimonial mezcladas con un toque de reivindicación feminista: "¿Esto es un pic-nic? ¡Hago lo mismo que en casa!" También las escenas en el trabajo me producen cierto deja-vu.

Matrimonio, desempleo, rutina,... Temas universales para una película que muestra la vida tal como es sin intentar dar lecciones de ningún tipo.

No está nada mal para empezar.

Empieza la aventura

2010-03-11T17:05:00.000+01:00

El libro:

"1001 películas que debes ver antes de morir". Edición 2008. Hay muchas rondando por ahí pero yo me centraré en la que he comprado que para eso me he gastado el dinero.

El contendiente:

Un modesto aficionado al cine inspirado por el blog "The Julie/Julia Project" que intenta emular lo inimitable y pasar un buen rato entre medias.

El reto:

1001 películas, una vida, un tío sin tiempo libre.

Las reglas del juego:

Veo una peli, escribo un post. Simple como el mecanismo del proverbial chupete.
Los post serán cortitos y al pie. Así no me canso y no os aburro.
Nada técnico, sólo primeras impresiones. No voy a hacer de Garci aquí.
Mucho y mucho mejor se has escrito sobre estas peliculas a lo largo de más de un siglo de cine.

Bueno, eso es suficiente por hoy. Mañana comenzará el reto.