#544. Cabaret (1972)

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 25
Restantes: 976
Días: 65
Vista en: Jueves, 11 de Febrero de 2010.
Lugar: Retrobak 2010 (Cinema 2000).

Hace dos días comentamos una película de Judy Garland y hoy continuamos con otra de su hija Liza Minelli. Dos días fue precisamente el intervalo de tiempo en el que las vi; lo cual me ofreció una curiosa sensación de continuidad y las comparaciones se hicieron inevitables.

Un joven estudiante americano (Michael York) lleva al Berlín de los años treinta. Allí conoce a una chica (Liza Minelli) que trabaja de cantante en un Cabaret. La caótica y bohemia vida de ésta acaba por atraparle y ambos acaban envueltos en un curioso triángulo amoroso con un rico barón. Todo ello con el trasfondo de la subida al poder del partido nazi.

La película fue estrenada en 1972 cuando los ecos de la Revolución Sexual todavía seguían sonando. La historia muestra a dos personas explorando su sexualidad despreocupadamente sin considerar en las consecuencias de sus actos. Una especie de adolescencia compartida por la sociedad de la República de Weimar sumida en el caos social y la crisis moral.

Esta vida bohemia y disoluta es mostrada a través de las escenas musicales del Cabaret. Éstas están insertas a todo lo largo de las películas  y son conducidas por un estrambótico personaje, el Maestro de Ceremonias (Joel Grey). Estas escenas conservan todos el sabor de los cabarets de la época con un abundante uso de la sensualidad y la sátira. Algunas de esas escenas son ya clásicos del cine como "Money, Money" y "Mein Herr". Ésta largamente recordada por el baile de Liza Minelli con la silla.

En el clímax de la película, en la que es la única canción cantada fuera del cabaret, un chico canta una canción que empieza de forma inocente pero acaba convirtiéndose en una proclama nazi continuada por todos los presentes.

Es a partir de aquí (junto con otro suceso de carácter más personal) cuando la realidad alcanza a los personajes y despiertan de su adolescencia. El maestro de ceremonias se calla y el país se adentra en su hora más oscura. En más de un sentido también representa el final del espíritu de los sesenta.

La película ganó 8 Óscars en 1973, entre ellos: Mejor Director (Bob Fosse), Mejor Actriz (Liza Minnelli), Mejor Dirección Artística y Mejor Banda Sonora.

Una película muy atractiva, terriblemente entretenida y más profunda de lo que pueda parecer a simple vista.

#275. Ha nacido una estrella / A star is born (1954)

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 24
Restantes: 977
Días: 63
Vista en: Martes, 9 de Febrero de 2010.
Lugar: Retrobak 2010 (Cinema 2000).

 "Hello everybody. This is Mrs. Norman Maine./

Hola a todos. Soy la señora de Noman Maine"

Seguimos con la semana musical. La película no la conocía antes del festival. Fui a verla meramente porque estaba en la lista.

Trata de un actor (interpretado por James Mason), cuyos días de gloria parecen estar pasando debido a su problema con la bebida. En unas de sus borracheras está a punto de echar abajo un espectáculo teatral al que estaba invitado. Una de las chicas del escenario (Judy Garland) salva la situación haciendo aparentando que todo formaba parte del escenario. Como agradecimiento, el actor la invita a cenar.

Más tarde tiene ocasión de escuchar a escondidas a la chica cantando con su grupo. Asombrado ante su talento, decide usar su prestigio para darle una oportunidad en el mundo del cine.

La película tarda en arrancar. Empieza como una comedia romántica ligera, llena de equívocos y desencuentros, cuando los dos protagonistas se encuentran y se empiezan a conocer. Él desaparece, ella cree que la ha dejado plantada, etc. Parece entretenida pero no excepcional. Nada parece presagiar la potencia dramática que va ganado progresivamente.

A medida que el alcoholismo del protagonista se va acentuando, este empieza a no asumir que el foco ha pasado de él a su chica. Es a partir de ese momento cuando los dos actores protagonistas dan muestras de un talento excepcional. Él con una colosal escena durante una entrega de premios y ella como sufrida esposa que pese a todo sigue amándole.

Las escenas musicales son bastantes escasas (escasas respecto a West Side Story, al menos) y se centran casi exclusivamente en Judy Garland. Sin embargo, en contra a lo que ocurre en la mayoría de musicales de Hollywood, estás escenas están perfectamente hilvanadas con la historia. Del tal forma, que suelen pertenecer a espectáculos o representaciones dentro de la propia película (no es sólo que a algún personaje se le vaya la cabeza y empiece a dar botes sin razón alguna). Las canciones no son muy remarcables pero entretienen bastante y nos permiten disfrutan de la maravillosa voz de esta mujer. Mención aparte merece "The Man that got away" (precisamente la canción que el protagonista escucha a escondidas al principio), una hermosa melodía que de hecho ganó el Oscar a la mejor canción. 

La última frase de Judy Garland es la puntilla definitiva a esta gran película. Salí con el corazón en un puño.

#381. West Side Story (1961)

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 23
Restantes: 978
Días: 61
Vista en: Domingo, 7 de Febrero de 2010.
Lugar: Retrobak 2010 (Cinema 2000).

Esta semana vamos a hacer algo especial. Verán, aquí en Granada tenemos una cosa llamada Retroback que es ni más ni menos que un Festival de Cine Clásico. Empezó el año pasado y va por la segunda edición. Lejos de la polémica que pueda generar, como comprenderán este festival me viene muy bien para mis planes. No sólo me permite avanzar con mi lista a grandes zancadas sino que me permite hacerlo "a lo grande" viéndolas en el cine, el lugar para el que fueron concebidas.

El pasado Febrero se celebró la segunda edición y estuvo dedicada a Humphrey Bogart, Charlie Chaplin, Michael Powell y los musicales.

Pues bien, esta semana la dedicaré a postear los musicales que vi en el festival. Empezado por "West Side Story".

Se trata de la magistral actualización de la trágica "Romeo y Julieta".

Dos bandas callejeras se debaten por el control del West Side de Nueva York. La primera, los Jets, está formada por blancos americanos; mientras que la otra, los Tiburones, la forman inmigrantes puertorriqueños. La rivalidad ha llegado a tal extremo que los primeros se proponen organizar una batalla campal para expulsar a uno de los dos grupos de las calles.

A tal fin, el líder de los Jets decide intentar convencer al antiguo jefe del grupo, Tony, para que se una a la gresca. Éste se que ha encontrado un empleo e intenta seguir una vida honrada, declina la oferta.

Los dos bandos deciden aprovechar el baile del instituto (terreno neutral) para ultimar los detalles del combate. Es allí donde Toni conoce a María, la hermana del líder de los Tiburones que acaba de llegar a América. Ambos se enamoran instantáneamente y el resto os lo podéis imaginar...

Todo esto regado, como no podía ser de otra forma, con bailes y canciones (normalmente en grupo) al viejo estilo Broadway.

Antes de ver esta película tenía la concepción de que todos los musicales debían tener una temática alegre y casi cómica. Así que esta hermosa tragedia me pilló  desprevenido.

Sin embargo, las canciones y los bailes siguen teniendo un ambiente alegre y casi festivo a pesar de la tragedia subyacente. Es esto lo que hace que la película sea realmente conmovedora. Se podría decir que los protagonistas usan la música como una forma de exorcizar sus problemas y mantener la esperanza en el futuro.

La música de Leonard Bernstein es excepcional y el film está plagado de canciones memorables. Como la legendaria "América" que refleja de forma inigualable la disyuntiva entre las esperanzas y los sinsabores de la migración o la emotiva "Tonight"

En el plano interpretativo la palma se la llevan los secundarios, unos desconocidos George Chakiris y Rita Moreno, que consiguieron unos merecidos Óscars por su actuación. La interpretación sobre todo de la segunda en uno de los clímax de la película deja sin aliento.

Quizás el único punto flaco (que no fallo, ojo) sean los dos actores protagonistas Richard Beymet y Natalie Wood (a la que es un poco difícil hacer pasar por puertorriqueña). Aún así la película está tan bien construida que no desentonan demasiado. Y hay puntos en la película donde consiguen conmover como la devastada Natalie Wood del final. 

También merece la pena destacar que aparte de la tématica romántica también se apuntan temas mas serios como es la violencia callejera (promovida por la pertencia al grupo) y los conflictos y tensiones surgidos de la inmigración.

La película decididamente me encantó y el hecho de tener la oportunidad de disfrutarla en el cine (como deberían verse todas las películas) fue una experiencia inigualable.

#340. Con la muerte en los talones / North by Northwest (1959)

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 22
Restantes: 979
Días: 55
Vista en: Sábado, 1 de Mayo de 2010.
Lugar: En la TV (TVE 2).

A veces los hados trabajan de forma extraña. La semana pasada a cuenta de la reseña sobre Vértigo recomendaba esta película y justo este sábado la emitieron en televisión como parte de un especial de Hitchcock. Ya la había visto varias veces, pero déjenme que lo use de excusa para comentarla.

La película se centra en Roger Thornill, un dinámico publicista de Madison Avenue que es confundido con un tal George Kaplan buscado por unos oscuros personajes con las peores intenciones. Pronto se verá envuelto en una maraña de espionaje y traición donde nada es lo que parece y todos parecen querer deshacerse de él.

La película lo tiene todo: acción, suspense, romance,... Combina el suspense propio de Hitchcock, centrado alrededor de ese misterioso Mr. Kaplan que no aparece por ninguna parte a pesar del patente rastro que deja tras de sí, y la acción de las escenas en las que el héroe debe escapar de una muerte segura. Algunos la consideran como la primera "película Bond" y lo cierto es que guarda muchas similitudes con la serie del agente 007. Sobre todo las referencias a la Guerra Fría con ese ambiente de espionaje y doble juego.

Cary Grant está inconmensurable sabiendo expresar la tensión de los momentos críticos a la vez que mantiene un cierto sentido de la ironía. Su inolvidable actuación en escenas tan memorables como la persecución de la avioneta o el final en el Monte Rushmore nos hacen imaginar que gran James Bond podía haber sido.

Y como no podía ser de otra manera, también está "la chica". En este caso, Eve Marie Saint, que hace un magnífico papel, alternando entre la tradicional "damisela en apuros" y la "femme fatale" del cine negro.

También se tratan temas profundos como la aparente amoralidad de los espías de ambos bandos y cómo el leit-motiv de la "Seguridad Nacional" parece justificarlo todo. Una máxima muy en boga últimamente (tómese cualquier avión de hoy en día).

Una auténtica obra maestra que siempre me resulta interesante cada vez que la veo.

#844. El juego de Hollywood / The Player (1992)

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 21
Restantes: 980
Días: 53
Vista en: Viernes, 30 de Abril de 2010.
Lugar: Facultad de Ciencias de la Universidad de Granada.

"Can we talk about something other than Hollywood for a change? We're educated people./

¿Podemos hablar de algo que no sea Hollywood para variar? Somos gente educada" 

Interesante crítica al mundo de Hollywood cargada de ironía y cierto humor negro.

Ya desde la primera escena, un largo travelling de 7 min. que al parecer rinde homenaje a La Soga y Sed de Mal (todavía no he visto ninguna de las dos), se nos presenta el día a día de un estudio de cine: un mundo completamente caótico donde ideas completamente absurdas (como el Graduado II: veinte años después o un thriler político sobre un senador que puede leer las mentes) son elevadas sobre ideas más sensatas.

En un punto de la película se dice que una película de Hollywood ha de tener suspense, humor, violencia, esperanza, alma, desnudos, sexo y..., otra cosa más.  Esta película tiene todo eso pero con un interesante giro, ya que el protagonista dista de ser un personaje carismático o atractivo. En realidad, el protagonista es un desagradable ejecutivo de un estudio cuyo trabajo es decidir que guiones se convierten en películas y cuáles no. Y cuando esto último sucede no es muy amable sobre la respuesta. Por lo que los guionistas no le tienen en muy alta estima. De hecho, uno de ellos quiere matarle y le envía postales amenazadoras. Ahora tendrá que descubrir quién de entre todos los guionistas a los que dio calabazas es el autor del chantaje...

La película está plagada de guiños y chistes internos, algunos bastantes difíciles de pillar si no eres ejecutivo de Hollywood. Hasta 60 estrellas de cine hacen cameos en la película (como se rodó en los propios estudios, algunas simplemente pasaban por allí). Lo cual dice mucho de su sentido del humor y su predisposición a la autocrítica.

Algunas escenas son realmente divertidas, como cuando el protagonista visita una "comisaría real" y lanza un discurso hollywoodiense muy sentido o la versión final de una película cuyo guión inicial prometía o cuando uno de los ejecutivos tiene la brillante idea de pasar de los guionistas y sacar las historias directamente del periódico. Sin embargo, muchas de las escenas de transición son bastante largas y tediosas. Especialmente, las referentes a la relación del protagonista con "la chica". Está relación, introducida como un cliché más de un película hollywoodiense, lejos de ser la clásica relación apasionada y descarnada es una relación fría y calculadora. La chica se niega a hacer el amor con el protagonista hasta que llegue el momento oportuno (el clímax de la película). Greta Scacchi está correcta en su papel de témpano de hielo. Al igual que Tim Robbins en el de cabrón despiadado. Ambos hacen de auténticos antihéroes y no puedes más que despreciarlos. Pero este desprecio hace que estas escenas íntimas sean terriblemente aburridas.

Así que en general, la película me dejó entre dos aguas. Contiene escenas que merecen ser vistas varias veces para poder apreciar todos los pequeños detalles y la ironía subyacente en cada diálogo (como la larga escena inicial). Sin embargo, quizás no es una película que yo vería íntegra una segunda vez.