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Vista en: 2010.
Lugar: Facultad de Ciencia de la Universidad de Granada.
" People should mate for life, like pigeons or Catholics./
La gente debería emparejarse de por vida como las palomas o los católicos"
Isaac es un escritor sin demasiado éxito que se encuentra inmerso en una relación prohibida con una adolescente. Intentando alejarse de esta relación acaba conociendo a Mary (Dianne Keaton), la intelectual y snob amante de su mejor amigo. Al principio Ike y Mary no dejan de discutir por tonterías pero eso irá cambiando…
Rodada en blanco y negro y en pantalla panorámica, Manhattan
es un homenaje al famoso barrio de Nueva York. La idea original surgió mientras
Allen escuchaba una obertura de George Gershwin, un famoso compositor
neoyorquino. Woody pensó en ese momento que la música quedaría perfecta en una
comedia romántica. Además el director, de acuerdo con Gordon Willis, su
operador de cámara quiso filmarla en blanco y negro porque: “porque es así como
la recuerdo de cuando era pequeño. Reminiscencias de viejas fotografías y
películas”.
La película arranca con una secuencia de unas preciosas
instantáneas de sus calles y su gente a la vez que el protagonista nos cuenta
lo que le atrae de Nueva York. La ciudad aparece en toda su gloria sobre la música de
George Gershwin; a la vez que se nos muestra lo bueno y malo de la Gran
Manzana: los atascos, la aglomeraciones, los rascacielos,…
Pero Manhattan habla sobre todo de la vida de un grupo de
neoyorquinos, de sus relaciones y de cómo a veces nos negamos a nosotros mismos
la felicidad tratando de encontrarla en otra parte. En este caso, Isaac (WoodyAllen) mantiene una relación ilícita con una chica de 17 años, Tracy, que le
idolatra. Queriendo salir por todos los medios de esa relación de la que él
cree que no puede salir nada bueno, acaba persiguiendo a la amante de su amigo,
Mary (Diane Keaton). Pero esta relación le supone más problemas que la anterior
porque Mary no está realmente enamorada de él.
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| Ike intentando entender el arte moderno |
De nuevo, la actuación de Dianne Keaton es memorable. No
deja de resultar curioso que la Keaton haga aquí el papel de pedante snob,
un personaje que es justo la antítesis de su recordado papel en Annie Hall. Es
aún más irónico sabiendo que el personaje de Annie estaba inspirada en ella misma; por lo
que en Manhattan Diane interpreta a un personaje completamente opuesto a su
verdadera personalidad.
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| Mariel, un talento muy precoz |
Pero el auténtico descubrimiento de la película en Mariel Hemingway que hace de Tracy, la novia adolescente de Isaac. Con sólo 16 años
realiza aquí una actuación que le
valdría una nominación al Óscar. Su personaje está basado en una chica que
Allen conoció durante el rodaje de Annie
Hall y con la que mantuvo una relación de dos años. Aunque nunca confesado por
los implicados, ella era menor de edad por entonces.
Meryl Streep también tiene un papel secundario como vengativa
(y recientemente convertida al lesbianismo) ex mujer de Isaac. Las escenas
entre éste y aquella son muy divertidas y permite al director hacer uno de sus
clichés favoritos: escenas muy largas sin cortes ni indicaciones.
“En general me gusta confiar en los actores; cuando un actor está haciendo algo bien me gusta dejar la cámara sobre él y dejarle estar ahí y no molestarle.”
Sin embargo, para la metódica Streep es un tipo de dirección que le
sacaba de quicio. Según cuenta “Ni siquiera creo que se acuerde de mí”. Una
opinión compartida por bastantes de los actores y actrices que trabajaron con Woody Allen.
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| En glorioso blanco y negro |
Desde el punto de vista técnico, el uso del blanco y negro
le da un cierto aspecto de cine clásico muy interesante a la vez que permite la
aplicación de ciertos efectos muy originales. Por ejemplo, está la escena del
planetario donde los personajes se van fundiendo con sus sombras a medida que
se pierden entre ese paisaje marciano. La escena es preciosa y es uno de los
puntos álgidos de la película. Pero la escena más memorable es, sin duda,
aquella en la que Diane Keaton y Woody Allen están sentados en un banco viendo
amanecer sobre un iluminado puente de Brooklyn. Sobre esta escena que se ha
convertido en un clásico del cine, dice Gordon Willis, el operador de cámara:
“Ese plano lo rodamos a las cinco de la mañana. El puente cuenta con dos hileras de bombillas, que el ayuntamiento programa automáticamente. Al alba, las luces del puente se apagan. Como lo sabíamos, nos habíamos puesto de acuerdo con el ayuntamiento para que dejaran las luces encendidas hasta que hubiéramos hecho el plano. Cuando salió el sol, apagaron una de las hileras… ¡Es un plano magnífico, pero le va a faltar una fila de luces para toda la eternidad!”
Cuando terminó el rodaje, Woody no estaba satisfecho con el
resultado e intentó que el estudio no la estrenara. Sin embargo, la película fue
un gran éxito y al igual que Annie Hall se acabó convirtiendo en un icono de la
cultura popular. Con todo, las críticas, que se irán extendiendo con el tiempo,
empiezan ya a oírse. Algunos críticos empiezan a sentirse hastiados del
ambiente snob y elitista que muestra Allen en sus películas. Según estos
críticos “sus personajes no salen a pasear ni van a restaurantes sin plantearse
cuestiones espinosas los unos a los otros”. Lo cierto es que el nivel de vida
de Allen que conduce un Roll-Royce y tiene un ático en Manhattan es muy
distinto del de los escritores vagamente miserables que interpreta.
Pero sobre todo lo que casi nadie acepta es que Tracy, una
adolescente, represente los “valores auténticos” para un hombre de cuarenta
años. Sin duda, no sabían lo que se les avecinaba…
RECUERDOS / STARDUST MEMORIES (1980)
El título proviene una canción de Louis Armstrong y habla de
un director de cine que está pasando por una crisis existencial que, entre
otras cosas, le hace alejarse de sus exitosas comedias y acercarse más al
drama. A consecuencia de este giro sus fans, sus productores y los críticos le
dan la espalda y le instan a volver a lo que mejor se le da. Por otra parte, su
corazón también está dividido entre la maternal y sensata Isobel (Marie-ChristineBarrault) o la más intelectual Daisy (Jessica Harper), además de lidiar con sus
recuerdos de Dorrie, una chica inestable con la que convivió algún tiempo. Un
fin de semana en Kansas en un ciclo retrospectivo de su película le dará tiempo
para reflexionar sobre su vida y sus recuerdos.
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| Woody "Fellini" |
La película, rodada otra vez en blanco y negro, está
inspirada en 8 y medio de Fellini y hace uso de técnicas muy utilizadas por el
cineasta italiano como las metáforas visuales, la narración desordenada o la
disolución de la barrera entre el mundo onírico y el mundo real. Formalmente es
sin duda una de las películas más conseguidas de Woody Allen. Todo en ella es
alegórico, desde el mural de la pared que cambia según el momento vital de su
protagonista hasta la escena inicial con los dos trenes, que resume
perfectamente la filosofía de Allen:
“… tiene que ver con una sensación de estar en un tren de perdedores que se dirige a una mala vida con otros perdedores. Y luego hay otras personas en otro tren […] que se están divirtiendo. Son hermosos y ricos y tú estás con esas personas de aspecto mugriento. Y quieres bajarte de tu tren y subirte al otro. Y luchas y no puedes bajarte. Y al final los dos trenes acaban en el mismo montón de basura”
De entre el reparto destaca la brillante actuación de
Charlotte Rampling como la desequilibrada para entrañable Dorrie. Su actuación
dota a Dorrie de una gran personalidad.
Podemos ver a una mujer en apariencia débil e inestable pero con una
gran fuerza interior que lucha contra su destino a la vez que intenta
desesperadamente que Sandy (el personaje de Woody) la salve con su amor. Hay
dos escenas suyas hacia el final de la película que son memorables: en la
primera aparece leyendo una revista y lanzando una sonrisa al espectador
sincera pero algo melancólica, en la otra sale hablando a la cámara en un
montaje rápido de fragmentos cortos que nos da una visión íntima de sus
pensamientos y sentimientos más profundos. Su personaje es más interesante aún
porque está basado en parte en Louise Lasser, la segunda mujer de Woody Allen;
por la que el director sentía una gran fascinación y cuyo carácter recrea en
sus personajes de vez en cuando (el de Christina Ricci en Anything Else, 2003 o
el de Scarlett Johansson en Match Point, 2005 son los ejemplos más recientes).
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| Charlotte Rampling, una locura seductora |
La película fue un fracaso en EEUU en parte porque los espectadores
y los críticos se sintieron ofendidos por lo que consideraron que era un ataque
personal contra ellos. Lo cierto es que la película trata temas muy personales
para el director como la crítica hacia sus nuevos dramas o la insistencia de
los fans para que volviera a hacer comedias. Sin duda eran cosas con las que
tenía lidiar todos los días y parte de esa frustración se transmite en la
película. No obstante, Allen siempre ha
negado que la película fuera autobiográfica:
“¡Pensaban que el personaje principal era yo! No un personaje de ficción, sino yo, y que estaba expresando mi hostilidad hacia el público. Y por supuesto ése no era en absoluto el propósito de la película”
La principal diferencia estriba en que Sandy (el
protagonista de la película) no quería hacer más comedias mientras que Allen
seguiría haciéndolas aunque no quisiera estar limitado a ellas.
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| La peli fue un fracaso |
Recuerdos es junto
con la Rosa Púrpura del Cairo y Match Point una de las películas favoritas de
Woody Allen.
LA COMEDIA SEXUAL DE UNA NOCHE DE VERANO / A MIDSUMMER NIGHT'S SEX COMEDY (1982)
Un poco para distanciarse su
personaje en Recuerdos y desmentir que hubiera abandonado la comedia, sus dos siguientes
películas (que rueda a la vez) pertenecen a este género.
La primera en estrenarse es La
Comedia Sexual de una Noche de Verano en la que tres parejas (a principios del
siglo XX) se reúnen en una casa de campo para pasar un fin de semana. Pronto las
relaciones de los seis personajes se van enredando en un cómico ballet amoroso
con el agreste paisaje de fondo.
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| Un paseo por el campo |
Concebida como un mero
entretenimiento para llenar el tiempo muerto durante la producción de Zelig, la
película no pretende más que ser una comedieta ligera de enredos románticos con
un paisaje campestre de fondo. Un paisaje realzado por la cuidada fotografía de
Gordon Willis que le da una gran belleza estética a cada escena.
“Simplemente pensé: ‘¿No resultaría encantador hacer alguna cosita veraniega, de principios de siglo, […] 1910 o algo así y hacerlo muy bonito? Una tarde con gente jugando al bádminton y cazando mariposas’ […] Queríamos rodar durante los días más hermosos en el campo. La hicimos tan encantadora como pudimos. Y todo estaba incluido en eso. Nos aseguramos de que la luz fuera perfecta y de que el sol estuviera en el lugar exacto. Por último al final de la estación estábamos pintando las hojas de verde.”
De nuevo la película fue un fracaso
en taquilla y la crítica, que llevaba años pidiéndole una comedia menos
intelectual a Allen, se ensañó por considerarla demasiado “frívola”. Ya ves,
hay gente que nunca está contenta.
La película marca la primera en la
que aparece Mia Farrow. Woody la conoció a durante el rodaje de Recuerdos y
juntos empezaron una relación sentimental bastante larga durante la que rodaron
hasta 13 películas en común.
Artísticamente, la relación sirvió por un lado para relanzar la carrera
de Mia, estancada desde mediados de los setenta, y por otro para que Woody
Allen encontrara una actriz principal estable tras la marcha de Diane Keaton a
Hollywood.
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| Mia y Woody juntos por primera vez |
Desde el punto de vista sentimental,
aunque tuvieron una relación muy larga, nunca se casaron y vivieron siempre en
apartamentos separados (uno enfrente de otro separados únicamente por el
Central Park). La razón principal es que a Woody le aterrorizan los seis hijos
(tres biológicos y tres adoptados) de Mia: Matthew, Sasha, Fletcher, Lark,
Daisy y la pequeña coreana Soon-Yi…
ZELIG (1983)
El fracaso de la película no le
preocupa a Allen porque al mismo tiempo está involucrado en un proyecto mucho
más ambicioso: Zelig.
Narrada como un falso documental, la
película narra la vida de un personaje famoso de los años 20 y 30 llamado
Leopold Zelig. Leopold es un hombre marginado que lo único que quiere es
integrarse con los demás y ser amado a cualquier precio y, que para lograrlo
llega al punto de transformar su apariencia física y su personalidad para parecerse a su interlocutor. Así Zelig
se convierte en negro entre los negros o gordo entre los gordos.
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| Gordo entre los gordos |
La película habla de la exclusión social y de
cómo el deseo de encajar en el grupo acaba conduciendo a la extinción de la
personalidad individual. Esto conlleva que las personas en situación de
desamparo sean las más proclives a ser absorbidas por voluntades más
fuertes e ideas más extremistas (como el
fascismo referido en la película).
“Alguien pregunta: ‘¿Has leído esto o aquello?’ y la otra persona responde ‘Sí, por supuesto’ aunque no lo haya hecho: Porque quieren gustar y formar parte del grupo.[…] El peligro concreto de renunciar a nuestro verdadero ser en un esfuerzo por gustar, por no crear problemas, por adaptarnos [es que] conduce a una conformidad total y una sumisión total a la voluntad y a las exigencias y necesidades de una personalidad fuerte. […] Te transformas en un material perfecto para ser guiado por los poderes de persuasión del fascismo. Y eso es exactamente con lo que ellos contaban.”
La película es un ‘tour de force’
técnico que tarda varios años en completarse. Por un lado el documental está
compuesto de viejos rollos de noticias de los años veinte y treinta algunos de
ellos alterados para incluir a los personajes principales. Así podemos ver a
Zelig junto a Charles Lindbergh o Scott Fitzgerald (o incluso Hitler). Esto
requirió de un esfuerzo monumental de documentación como cuenta el propio
Allen:
“Escribí primero todo el guión. Luego estuve repasando millones de metros de documentales y cambié el guión para incluir nuevos descubrimientos. Y esto se prolongó durante un par de años. Llevó mucho tiempo organizarlo.”
Luego están las escenas rodadas
expresamente que debían tener exactamente la misma calidad que los archivos
históricos:
“Conseguimos viejos objetivos de los años 20, cámaras viejas y antiguos equipos de sonido. Intentamos todo lo que seguía existiendo de esa clase. Y lo rodamos con el tipo exacto de iluminación que hubieran utilizado en la época.[…] Fabricamos tramas de destellos para que nuestra película tuviera luz parpadeante como las viejas películas antiguas. E hicimos arañazos en el negativo.”
Por último, todo este esfuerzo
técnico se ve reforzado con el añadido de entrevistas a personajes en la época
actual. La mayoría de estas personas eran aficionados que nunca habían salido
en cámara para que el efecto de documental quedara más realista. Aunque también
aparece gente famosa como Susan Sontag, Saul Bellow o Bruno Bettelheim.
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| Zelig, un caso médico de mucho interés |
En conjunto Zelig es un falso
documental perfecto tremendamente realista y que además sabe narrar una
historia emotiva con algunos toques de humor. La película fue un éxito de
público y crítica aunque Allen siempre se quejó de que la gente sólo la
apreciara por el esfuerzo técnico y no llegara a entender el trasfondo moral
del film.
BROADWAY DANNY ROSE (1984)
Allen concluye esta larga etapa en
blanco y negro con una película que rinde homenaje a sus inicios como cómico
monologuista.
Danny Rose es un representante
artístico de poca monta que, no obstante, tiene un gran olfato para encontrar y
promocionar nuevos talentos. Sin embargo, cuando la fama empieza a llegar estos
siempre le abandonan. Ahora intenta devolver al candelero a una antigua gloria
de la canción de los cincuenta, Lou Cassano aunque para ello primero tendrá que
conseguir que su testaruda amante vuelva con él.
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| Mia y sus gafas |
Una comedia muy divertida en la que
podemos comprobar el gran repertorio de Mia Farrow que hace una brillante
actuación como rubia tonta. Además tuvo que trabajar con el hándicap de tener
que llevar gafas de sol durante toda la película lo que limitaba su expresión
facial.
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| Nick, un portento natural |
El otro gran descubrimiento del film
es Nick Apollo Forte que hace el papel de Lou Cassano. Como el propio Woody
explica, el actor fue enrolado de casualidad:
“Probé a un milón de cantantes, famosos y no famosos, sin encontrar a la persona adecuada[…] Entonces Juliet Taylor fue a una tienda de discos y compró todos los discos que pudo. Y vio esta foto de Nick Apollo Forte en uno de los discos. Y lo encontramos. Estaba en algún lugar de Connecticut, en una pequeña ciudad, cantando en un antro.”
