#744. Aliens, el regreso / Aliens (1986)

Ficha técnica: IMDB Wikipedia Filmaffinity
Vistas: 60
Restantes: 941
Vista en: 2 de Junio de 2012.
Lugar: En casa.

"Is this gonna be a standup fight, sir, or another bughunt?/

¿Esto será una pelea en firme u otra cacería de bichos?"

Cincuenta años después de los acontecimientos en la nave Nostromo, la nave de Ripley es encontrada por fin y llevada a un puerto estelar. Ripley sufre de hipotermia debido a la larga crionización pero ese no será su único problema. La empresa para la que trabaja no está muy feliz por haber destruido una de sus naves y sus explicaciones sobre bichos alienígenas no convencen a nadie. Entonces pierden la comunicación con la colonia que habitaba el planeta que exploraron Ripley y los suyos por lo que le piden a ésta que regrese allí, eso sí esta vez irá bien acompañada...

En esta ocasión la teniente Ripley vuelve con un pelotón de marines a sus espaldas. Eso debería ser suficiente para igualar las fuerzas con “el bicho”. Sin embargo, el Alien de la primera parte también se ha buscado refuerzos. Entre otros individuos a una muy cabreada mamá.

Enfocándose más en la acción que en el terror, Aliens de James Cameron es una película completamente diferente de la opresiva obra maestra de Ridley Scott. Mientras que Scott tiraba más por la vía psicológica, mostrándonos una criatura acechante, implacable y prácticamente invisible; Cameron no se corta en llenarnos la pantalla de bichejos que, emboscadas y ataques a granel a parte, mueren con cierta facilidad ante la artillería pesada de los marines. Se trata por tanto de un thriller palomitero que te mantiene pegado a la butaca dos horas sin apartar la vista de la pantalla.

Ripley y "los chicos"

 Uno de los atractivos de la película son los personajes, bastantes más definidos que en la primera parte. Por un lado, volvemos a tener a Sigourney Weaver como Ripley que nos vuelve a ofrecer un gran papel como heroína de acción; aunque añadiéndole en esta ocasión un aspecto más emocional y psicológico que sólo se apuntaba en Alien (no en vano, la propia Weaver había evolucionado mucho desde la que fuera su primera actuación cinematográfica actuando en películas como El año que vivimos peligrosamente junto a Mel Gison o Cazafantasmas). En esta ocasión, se nos presenta una Ripley seriamente afectada por su encuentro con el Alien y por la marginación a la que se ve sometida cada vez que relata su aventura. Al más puro estilo de la mítica Casandra, ella es la voz de la razón que es invariablemente ignorada. La actuación le valió una nominación al Óscar (una de las pocas en conseguirlo con una peli de Ciencia-Ficción).

"Sólo necesito saber donde está"

Otro personaje interesante es Jenette Goldstein que hace de la dura y malhablada marine hispana Vasquez. Se trata de un personaje difícil y algo antipático pero que posee un alto sentido del honor y el compañerismo. Dado el tipo de roles femeninos con los que nos ceba la industria constantemente, el personaje representa todo un hito para Hollywood (y para América en general ya que, en el momento de la producción, todavía no había mujeres marines en unidades de combate).  Como curiosidad, Jenette fue al casting creyendo que el tema de la película sería la inmigración (otro de los significados de "Alien" en inglés es “inmigrante ilegal”); por lo que se presentó al casting para hacer de la dura soldado con minifalda y tacones altos.

Carrie Hen, una niña triste

 Carrie Hen, la niña, es el otro descubrimiento de la cinta. Para su papel los productores hicieron miles de audiciones con niños pero la mayoría habían salido ya en anuncios de TV y estaban demasiado acostumbrados a sonreír. Carrie en cambio tiene esa melancolía honda y terrible propia de infancia perdida que le va bien al personaje. Su actuación fue muy elogiada e incluso ganó algún que otro premio. Sin embargo, no volvió a aparecer en ninguna otra película. Ahora es profesora en un pueblecito de California.

De los chicos hay que destacar la actuación de Bill Paxton como Hudson, el técnico que pierde la cabeza y Michael Biehn como el Cabo Hicks, el marine guasón que tiene que asumir el mando. Mención especial merecen los personajes de Paul Reiser como el implacable hombre de negocios y Lance Henriksen como Bishop el androide, dos personajes muy interesantes que, en mi opinión, se les podía haber sacado bastante más.
  

Don "Sonrisas"

El rodaje en Londres deparó muchas anécdotas y es que James Cameron, que diez años después casi ahoga a Kate Winslet en un tanque de agua, no ha sido nuca un hombre fácil de tratar. Al director americano le sacaba de quicio, por ejemplo, que el rodaje se tuviera que detener todos los días a las 5 para la hora del té. Sus protestas sólo empeoraron el ambiente entre el equipo técnico, bastante caldeado por el hecho de haber sustituido en la secuela al admirado director británico Ridley Scott por un novato de Hollywood (por entonces Cameron ya había presentado con gran éxito su Terminator pero todavía no se había estrenado en el Reino Unido). James tuvo incluso tuvo que hacer frente a un conato de motín tras despedir a uno de los cámaras por desacuerdos con la iluminación. Al menos esta vez nadie trató de envenenarlo.

Aun así, lo que le falta de diplomacia y simpatía a Cameron, le sobra en maestría y talento. El director es un auténtico perfeccionista. Por ejemplo, los “marines” fueron obligados a hacer un entrenamiento militar de un mes todos juntos para que crearan lazos entre ellos que luego se reflejaran en la pantalla. Además las armas que portan todos ellos son reales y los vehículos y habitáculos fueron rescatados de una subasta de deshechos de British Airways. Toda esta atención a los detalles hace que cualquier película del director, por fantasiosa o futurista que sea, parezca decididamente real y cotidiana.

En definitiva, una película con toneladas de acción y algún que otro susto que ya es todo un clásico del cine de Ciencia-Ficción.

#646. Alien, el octavo pasajero / Alien (1979)

Ficha técnica: IMDB Wikipedia Filmaffinity
Vistas: 59
Restantes: 942
Vista en: 19 de Mayo de 2012.
Lugar: En casa.

"In space nobody can hear you scream /

En el espacio nadie puede oir tus gritos"

La nave comercial Nostromo, que lleva 20 millones de toneladas de mineral a la Tierra, es desviada de su rumbo y sus tripulantes despertados de la hibernación al detectar una señal de emergencia proveniente de un planeta cercano. Cuando el personal de abordo empiezan a investigar, descubren una nave alienígena aparentemente desierta...

Si hace unos días comentábamos cómo muchas películas deterror tienen fecha de caducidad, en esta ocasión traemos el caso contrario. Alien es una película que todavía sigue produciendo escalofríos en los nuevos espectadores. Su ritmo pausado y opresivo unido a esa criatura que nunca llegamos a ver claramente, pero cuya presencia sentimos constante a través de todo el metraje, la convierten en posiblemente una de las mejores películas de terror de la Historia.

 

La forma en que la trama se va desarrollando consigue mantener el suspense y hace que te vayas metiendo en la historia poco a poco. El descubrimiento del planeta, la nave, los huevos, etc. Todo se va volviendo más oscuro a medida que la historia avanza. Y claro, luego está el bicho, al que vemos nacer, crecer y evolucionar constantemente. De tal forma que nunca llegamos a conocer su verdadero aspecto y, como la naturaleza aborrece el vacío, nosotros nos encargamos de añadir lo que falta con retazos de nuestras más intimas pesadillas. En palabras de su director, Ridley Scott: 

“Nunca me habían gustado las películas de terror porque al final siempre eran un hombre en un traje de goma. Bueno, sólo hay una forma de lidiar con eso. Lo más importante en un film de este tipo no es lo que ves, sino lo que crees que ves”

Giger, una belleza turbadora

El Alien original fue creado por el diseñador suizo H.R.Giger. Un autor famoso por sus pinturas y esculturas biomecánicas representando cuerpos humanos entrelazados a frías y terroríficas máquinas. Su imaginería nace a partes iguales de las pesadillas más profundas y del fetichismo más depravado. Dan O’Bannon, el guionista de la peli y el creador último de muchos de los conceptos de Alien, consideraba el trabajo de Giger terriblemente “inquietante”:

“Sus dibujos tuvieron un profundo efecto en mí. Nunca había visto algo que fuera tan horrible y a la vez tan hermoso como sus obras. Así que terminé haciendo un guión sobre uno de los monstruos de Giger.”

Aparte del tema del terror y la criatura, la película fue rompedora en muchos sentidos. Por ejemplo, presentaba un futuro bastante “sucio” y realista y los protagonistas eran tremendamente malhablados y nada escrupulosos (nada que ver con los pulcros escenarios y los elevados principios morales de las películas y series de ciencia-ficción anteriores como Star Trek). Según Ridley Scott, ellos veían a la tripulación del Nostromo como “camioneros en el espacio”.

Los camioneros de Ridley

Además el reparto era bastante mayor en comparación con los adolescentes que normalmente poblaban (y pueblan) las películas de terror. Sigourney Weaver con 30 años entonces, era la excepción. La actriz, que había estado actuando sólo en teatro hasta ese momento, fue la última en ser elegida. A pesar de su inexperiencia, impresionó a Scott en su audición y obtuvo su primer papel protagonista que le valió un BAFTA a Mejor Actriz Revelación.

Ripley y el alien, una relación tempestuosa

 La elección de una mujer como protagonista de una película de este tipo, normalmente dominadas por tipos duros, también supuso un hito. Sin duda, la Weaver fue una de las primeras “mujeres de acción” de la gran pantalla y para aquellos que hemos crecido entre películas de Rambo y Terminator, la Teniente Ripley siempre ha tenido un huequito en nuestros corazones. Nada más que por eso este clásico merece la pena verse al menos una vez en la vida.

#681. La Cosa / The Thing (1982)

Ficha técnica: IMDB Wikipedia
Vistas: 58
Restantes: 943
Vista en: 2011.
Lugar: En casa.

I dunno what the hell's in there, but it's weird and pissed off, whatever it is. / 

No sé que coño hay ahí fuera, pero sea lo que sea es raro y está cabreado.

Un equipo de ciéntificos de la Antártida deja de recibir señales de una base noruega vecina y decide investigar. Cuando llegan al lugar los hallan a todos muertos y descubren que los nórdicos encontraron algo que hubieran preferido no encontrar...

Un ejemplo claro de cómo ciertas películas envejecen peor que otras. Como ya hemos comentado en alguna otra ocasión, este fenómeno se acentúa más en las películas de terror (en realidad, en cualquiera que confíe gran parte de su atractivo en los efectos especiales). Aquí la obsesión de John Carpenter por las vísceras y los bichos repugnantes hacen que la película parezca terriblemente plastiquera al espectador moderno. El perro/lobo que vemos tras las primeras escenas convertida en criatura del averno difícilmente produce ya alguna reacción en el público actual. Si acaso, el uso generoso de la sangre artificial y otros elementos viscosos de ignota procedencia tienden más a provocar asco que pavor.

La Cosa, cuando el asco reemplaza al miedo

Respecto a la historia, que está basada en la novela “Who goes there?”, parte de una premisa interesante: un grupo de personas aisladas en un espacio reducido enfrentadas a un enemigo invisible que los vuelve unos contra otros. Sin duda este argumento da mucho juego y brinda una ocasión perfecta para ahondar en los aspectos más oscuros de la psicología de los seres humanos: la desconfianza, el miedo, la paranoia,… Sin embargo, la película falla en algo esencial que es la caracterización.  Hay muy poco metraje, si lo hay, dedicado a definir la personalidad de cada uno de los componentes de la base científica. Ni siquiera sabemos a qué se dedica cada uno, más allá de los papeles obvios del médico y el cocinero.

Kurt Russell, el "científico"

El efecto de esta a ausencia de personalidad es que el espectador no establece ninguna conexión emocional con ellos. Por lo que, cuando éstos empiezan a morir, se pierde todo el efecto dramático. Esto es de manual y se puede observar en las películas de catástrofes. En ellas durante los primeros minutos mueren una cantidad ingente de personas sin embargo el efecto en el espectador no es tan grande como cuando, habiéndose formado ya un grupo de supervivientes y compartido sus esperanzas y miserias, uno de éstos muere.

Al final, todo se mezcla en una película de acción bastante lenta y sólo nos ofrece algunos destellos de lo que pudiera haber sido.

#620. Annie Hall (1977)

Ficha técnica: IMDB Wikipedia  Filmaffinity
Vistas: 57
Restantes: 944
Vista en: 25 de Abril de 2012.
Lugar: En casa.

"A relationship is like a shark. It has to constantly move forward or it dies. /

Una relación es como un tiburón. Tiene que avanzar todo el rato o se muere."

Alvy, es un neurótico comediante de Nueva York que se ha divorciado dos veces de mujeres demasiado intelectuales. Gracias a un amigo común, conoce a Annie, una chica de buen corazón algo cabeza hueca. Él le enseñará a ella cosas sobre arte, literatura,... y ella le enseñara a él a divertirse y ver la vida con otros ojos.   

WOODY ALLEN II. Hacia la madurez.
(primera parte)  (tercera parte)

ANNIE HALL (1977)

En 1975 Woody Allen estaba en la cresta de la ola como comediante. Sus películas tenían una gran acogida y el público las consideraba tremendamente hilarantes. Sin embargo, Woody se sentía algo cansado de hacer películas de gags donde la historia y la emotividad se sacrificaban en el altar de la risa. Entonces tomó una decisión que cambió completamente su carrera: su siguiente película no sería una comedia.

“fue un cambio de orientación muy importante para mí. Tuve el valor de abandonar… el hacer el payaso sin más y la seguridad de la comedia atrevida sin más. Me dije “Creo que voy a intentar hacer una película más profunda y no ser tan gracioso de la misma manera. Y quizás salgan a la luz otros valores que sean interesantes o beneficiosos para el público”

Sin ser tampoco un drama profundo, Annie Hall habla de las relaciones de pareja, de sus sinsentidos, de sus alegrías y sinsabores. En la película se nos muestra todo el desarrollo de la relación de Annie y Alvy desde el principio hasta el final. Observamos desde cómo se conocen, cómo se enamoran, con sus  inseguridades iniciales y su curiosidad mutua, hasta el decaimiento, el hastío y finalmente la ruptura. Todo ello expuesto con un lenguaje directo que la gente puede identificar como propio. Así esta relación entre Alvy y Annie es como otra cualquiera puede tener. Con los mismos problemas, los mismo miedos y las mismas necesidades.

“Sentía instintivamente que una película en la que me dirigiera directamente al público y hablara personalmente de mis problemas les interesaría, porque tenía la sensación de que muchas de las personas del público tenían los mismos sentimientos y los mismos problemas.”

Alvy

Aunque desmentido hasta la saciedad por sus protagonistas, esta relación entre los dos protagonistas tiene muchos puntos en común con la que mantuvieron los propios actores: Diane Keaton y Woody Allen. Al igual que Alvy, Allen ya había estado casado dos veces cuando conoció a Diane. Ninguno de los dos matrimonios acabó bien: de Harlene Rosen se separó cuando ésta le denunció por utilizarla constantemente en sus monólogos (referida en ellos como “la temible Sra Allen”) y de Louise Lasser, cuando ésta se obsesionó con el suicidio de su madre (aunque esta circunstancia no le impidió aparecer en Bananas y Todo lo que…). Además, Alvy también es monologuista y guionista de otros cómicos al igual que lo fue Allen en sus primeros tiempos y también lleva “quince años de psicoanálisis a cuestas”.

Annie Hall

Por otro lado, Diane Keaton no sólo comparte apellido con su personaje (su nombre real es Dianne Hall) sino también mucha de su personalidad. Al igual que Annie, Diane es excéntrica, soñadora, tiene un sentido personal de la moda y siente atracción por el mundo de la música y Hollywood. Incluso la familia de Annie fue elegida por su parecido con la de Diane. Por último, según la propia Keaton, ella también empezó a visitar al psicoanalista como recomendación de Allen.

Sin duda, está película representa un paso adelante en la evolución del director. No sólo por la historia en sí sino también a nivel técnico gracias a dos profesionales con los que trabaja en su desarrollo: Marshall Brickman (co-guionista de ésta, El dómilón, Manhattan y Misterioso asesinato en Manhattan) y Gordon Willis (jefe de fotografía de El Padrino). Junto con Marshall, Allen se atreve a romper la cronología de la historia insertando escenas de su infancia, imágenes partidas, escenas de dibujos animados y hasta subtítulos con los pensamientos de los personajes. En otro término, Gordon le enseña a jugar con la iluminación, las sobras, los fundidos,… A partir de Annie Hall las películas de Allen cobran una gran fuerza visual que se hará patente en su siguiente película Interiores.

Alvy "domando" a una langosta

Por último, cabe reseñar que todos los elementos característicos del cine de Woody Allen están ya presentes, y por primera vez, todos juntos en la película: Manhattan, el psicoanalista, el pesimismo (“la vida se divide entre lo horrible y lo miserable”), la osesión con la muerte, la repulsión hacia California, Wagner,…

La película fue un auténtico bombazo en taquilla y  según muchos críticos suele ser “la película favorita de Allen de casi todo el mundo”. Ese año ganó cuatro Óscars: Diane Keaton por Mejor Actriz, el productor Charles H. Joffe por Mejor Película y Woody Allen por Mejor Guión y Dirección (Woody también estaba nominado a Mejor Actor, de haberlo logrado habría sido el primero en la historia en obtener los tres premios). Sin embargo, Allen no va a recogerlos porque tiene su concierto de los lunes en Nueva York. En realidad, cada día se aleja más de los medios y concede menos entrevistas. El director se vuelve cada vez más ermitaño.

INTERIORES / INTERIORS (1978)

Después del éxito de Annie Hall, Woody Allen quiso ir más allá en su distanciamiento de la comedia y acometió la que sería su primera película dramática: Interiores.

Interiores habla de una familia de tres hermanas, todas dedicadas al arte, y de cómo asimilan la noticia de que su padre ha decidido separarse de su controladora y mentalmente inestable esposa, Eve. Esta mujer (interpretada por Geraldine Page) es decoradora de interiores y su gusto decorando expresa su personalidad. Obsesionada por los tonos tierra y los colores suaves, lo impregna todo a su alrededor de una terrible frialdad y rigidez. En la película, ella representa la muerte, una muerte espiritual que devora poco a poco la vitalidad de las personas que la rodean. Cuando su marido que se ha pasado años viviendo con ella decide por fin separase decide buscar una pareja más vital. 

“Creó un mundo alrededor de nosotros en el que existíamos… en el que todo tenía su lugar, en el que siempre había una especie de armonía. Una gran dignidad… Era como un palacio de hielo” 

Eve, una mujer fría y obsesiva

Sin embargo, sus hijas tienen que seguir lidiando con ella y con la situación creada. Cada una de ellas lo hace a su manera. Flyn, la pequeña (interpretada por Kristin Griffith), que actúa en telefimes, prefiere alejarse y sumergirse en el superficial mundo del espectáculo. Renata (Diane Keaton), la mayor, es una reconocida escritora y normalmente utiliza su arte para expresarse. Sin embargo, ahora está atravesando por una depresión en parte debido a que teme acabar como su madre. Temor justificado por el egoísmo y la frialdad que demuestra hacia los demás (sobre todo su marido y Joey). Por último está Joey (Mary Beth Hurt), la mediana, cuya personalidad es la más emocional de las tres. Como dice el propio Allen, ella es la única que puede salvarse de la influencia de su madre. Sin embargo, se siente frustrada porque es incapaz de expresar sus emociones al no tener talento para el arte. Además es la que tiene que cuidar de Eve, por la que siente un profundo amor aunque ésta  la desprecie continuamente.

Joey, Renata y su madre Eve

Interiores es, como su nombre indica, una película intimista y terriblemente claustrofóbica. Toda la cinta está rodada en espacios cerrados y con una iluminación muy tenue, la única imagen exterior es ese mar embravecido que no encuentra descanso. Toda la fotografía invita a la reflexión, a la exploración de los sentimientos de éstas pobres almas perdidas. 

Allen y Willis, dos genios en su campo

La belleza de la iluminación de la película y los decorados se debe en gran medida a Gordon Willis, jefe de fotografía, con él Woody inicia su primer intento de rodar una película al “estilo europeo”. Sin duda, la influencia de Ingmar Bergman se nota en toda la cinta. El héroe de juventud de Allen recibe aquí un sentido homenaje. Aunque es posible que no fuera premeditado y Allen simplemente recurriera a un estilo que conocía bien para acometer su primer drama.

Como era de prever la película fue un fracaso de taquilla y crítica. El público americano simplemente no estaba preparado para que su mayor estrella cómica les ofreciera este drama tan denso e intelectual. Muchos le acusaron de pretencioso y de ser demasiado ambicioso. Los productores tampoco están muy contentos y empiezan a presionar a Allen como nunca antes. Sin embargo, Woody ha dado un paso del que nunca dará marcha atrás. Con el tiempo dejará de escribir chistes para el New Yorker (actividad que venía realizando desde los cincuenta) y abandonará sus ocasionales apariciones teatrales. A partir de ahora Woody se dedicará a su cine. Tanto si gusta, como si no.  

“Interiores era lo que yo quería hacer y lo mejor que podía hacerlo en ese momento. […] Creo que ahora podría rehacer la película y hacer que fuera un éxito”

#569. El dormilón / Sleeper (1973)

Ficha técnica: IMDB Wikipedia  Filmaffinity
Vistas: 56
Restantes: 945
Vista en: 17 de Abril de 2012.
Lugar: En casa.

"If I don't get at least 600 years, I'm grouchy all day/
Si no duermo por lo menos 600 años, estoy de mal humor todo el día"

Miles Monroe (Woody Allen) que había ingresado en el hopital por una operación rutinaria, se despierta 200 años en el futuro tras un proceso de hibernación. Pronto Miles se da cuenta de que el país está gobernado por un líder fascista llamado el Jefazo que sometida a toda la población en un estado de apatía. Con la involuntaria ayuda de Luna (Diane Keaton), una snob de clase bien, Miles intentará acabar con el poder del Jefazo.

Nota: Es mi intención aprovechar las seis películas de Woody Allen que hay en la lista para desarrollar un especial sobre el director donde hablaremos también del retos de films. Pero no te preocupes, si sólo has venido aquí buscando información de El dormilón, la primera parte está dedica a ésta película.

Sin duda la película más conocida de la primera época de Woody Allen. Una época marcada por las películas de gags donde se perdía la complicidad del espectador a cambio de la carcajada. Sin embargo, en esta película sí que se produce algo de conexión emocional entre los personajes y el espectador, merced a la extraordinaria química entre Diane Keaton y el propio Allen.  Keaton supone un soplo de aire fresco frente a las dos anteriores compañeras profesionales del director.  Mientras Janet Margolin (Toma el dinero y corre) y Louise Lasser (Bananas, Todo lo que..., segunda mujer de Allen) hacían un papel más secundario casi como objetos de deseo ideales e inalcanzables; el personaje de Keaton tiene una gran profundidad y se equipara en importancia al de Allen. Se trata de una mujer del futuro que ha vivido toda su vida “aletargada” más interesada por las fiestas que por la política. A través de Allen descubrirá la verdadera naturaleza del mundo en el que vida y la falsedad de su existencia pasada.

Woody y Diane, en esta época ya no eran pareja

La inclusión de Diane Keaton, al ser principalmente una actriz cómica, también hace que el peso de los gags se reparta a partes iguales entre los dos protagonistas. Liberando con ello a Allen de una importante carga cómica que le permite desarrollar más su personaje arquetípico. Así, aquí no sólo es un neurótico amante de un estilo de vida alternativo sino que además es un refugiado de otra era que se siente completamente perdido en este mundo futurista y neofascista.  Parte del encanto del personaje es que sirve de puente entre el mundo conocido por el espectador y el que se describe en la película. Así todos los comportamientos chocantes, todos los sucesos extraordinarios son apuntados por Allen, erigido aquí en portavoz del público.

Allen y la "esfera del placer"

En cuanto a la historia en sí, se trata de una hilarante parodia de conocidas obras de ciencia ficción como 1984, 2001: Una odisea en elespacio, La naranja mecánica, etc. Además le sirve al director para hacer una crítica de ciertos aspectos de la sociedad actual como la ineptitud de los gobernantes y la apatía ciudadana hacia la política (temas intemporales, éstos). También le permite expresar su particular opinión sobre Dios (que “gobierna en todas partes salvo en ciertas zonas de Nueva Jersey”), la Ciencia (“un motón de señores muy serios diseccionando ranas”) o la política.

La música está compuesta por Woody Allen y su banda de Jazz “The Ragtime Rascals” con la que toca el clarinete todos los lunes en un conocido club neoyorquino.

Es resumen, es una película desternillante e imprescindible. Como nota curiosa la película estaba pensada originalmente para durar el doble con la primera parte dedicada a mostrar la vida del personaje de Allen en el presente; pero Woody desechó la idea al no estar habituado a escribir y dirigir una película de más de una hora y media.

 
WOODY ALLEN I. El cineasta que surgió de la risa.
(segunda parte)

Allan Stewart Konigsberg nació en Brooklyn el 1 de diciembre de 1935. Sus padres venían de una familia de inmigrantes judíos y sencillamente no se soportaban. Su padre sólo conseguía trabajillos de poca monta y poco limpios y su madre, que había renunciado a sus estudios para llevar la casa, pagaba sus frustraciones con el pequeño. Su relación familiar fue tan mala que en la mayoría de sus películas la infancia de su personaje está llena de tristeza y resentimiento (por ejemplo, en Toma el dinero y corre los padres del protagonista aparecen con una máscara porque están avergonzados de su hijo). 

Con este panorama en casa, el chico se refugió en el cine. Según cuenta, en esa época había como veinticinco cines en su barrio (su favorito era el Kent que sale en La Rosa Púrpura del Cairo) y él iba muy asiduamente:

“A veces iba cuatro, cinco y seis veces por semana, o todos los días, tantas como el dinero que podía arañar. Siempre había un programa doble. ¡Y me encantaba!”

El cine Kent, el favorito de Allan

No era una mala época para hacerse cinéfilo, por cierto. Eran los años de la Edad de Oro de Hollywood y el joven Allan devoraba las películas de Fred Astaire, Humphrey Bogart, James Cagney, James Stewart, Gary Cooper,… Pero de todas ellas hubo unas que le marcaron profundamente: las películas de los Hermanos Marx y el cine europeo (en especial, Igmar Bergmar y Fellini). Las primeras, según cuenta, por “el surrealismo, la locura sin sentido y el ingenio”. De las segundas, que conoció ya de adolescente, le impresionó su madurez:

“El cine americano era básicamente de entretenimiento y escapista. El cine europeo era más combativo y adulto. […] Nos dejó impresionados. Era una maravillosa experiencia de descubrimiento. Además nos hizo interesarnos más por los directores y la historia del cine.”

Sin embargo, el cine no era su única afición. Cuando tenía diez años le regalaron una caja de magia y empezó a obsesionarse con elaborar nuevos trucos para sus amigos. En 1952 (con 17 años) llegó incluso a hacer una gira pero con escaso éxito. Por otro lado también empezó a mandar chistes a los periódicos bajo el seudónimo de Woody Allen. Estos chascarrillos sí le valieron un trabajo fijo como guionista de reputados cómicos (lo que le sirvió de excusa para dejar los estudios, algo en lo que por otra parte nunca puso mucho empeño).

Con el tiempo acabó haciendo sketches para series populares de TV. Allí conocería a Jack Rollins y Charles H. Joffe, los que serían sus productores en la mayoría de sus películas. Con ellos decidió embarcarse en un nuevo proyecto: hacer monólogos. Los productores no estaban muy convencidos de la idea (admitámoslo el chaval no era muy atractivo ya por entonces) pero aún así le apoyaron en su nueva empresa. Como era de prever el comienzo fue más bien frío. Woody comprendió enseguida que escribir buenos chistes no era lo mismo que interpretarlos. Si quería que esos monólogos calaran en el público necesitaba acompañarlos de cierta “puesta en escena”. Fue así como nació la figura del “neurótico neoyorquino” con grandes gafas de pasta y algo despeinado. Con el tiempo, Woody se hizo muy popular y empezó a acariciar su viejo sueño de dedicarse al cine.

LAS PRIMERAS PELÍCULAS

Su éxito en los escenarios le dio la oportunidad de escribir su primer guión cinematográfico para la película “What’s new, pussycat?”(1965) . Woody no guarda muy buen recuerdo de esta cinta que, debido a las interferencias de la maquinaria de Hollywood, se convirtió en un pobre desfile de estrellas y novietas de productores.

“Un productor puede aparecer y decir: “Quien un primer plano de esa actriz la primera vez que se le vea”. Y todo el mundo se pone a discutir. Las estrellan discuten entre sí, porque piensan que los otros actores tienen un papel mayor o más importante o diálogos más divertidos. Y todo esto no tiene fin. […] Sólo una vez entre un millón funciona, pero el 99% de las veces es un desastre”.

Woody aprende la lección y se jura a sí mismo que no volverá a escribir un guión de cine a menos que él mismo dirija la película. Aún así, todavía escribiría el guión de doblaje de una película japonesa “What’s up, Tiger Lily?” (1966) (un guión que convertía una película de espías en una comedia, un experimento que bien podría ser el precursor de “Humor Amarillo”) y una obra de de teatro llamada “Don't drink the water” antes de acometer su primera película como director.

TOMA EL DINERO Y CORRE / TAKE THE MONEY AND RUN (1969)

Woody escribió el guión de este falso documental sobre la vida de un raterillo de tres al cuarto junto a su amigo de infancia Mickey Rose. Después de un tiempo intentando sin éxito vender el guión a alguna productora, sus propios representantes Jack Rollins y Charles H. Joffe decidieron producir la película y dejar que Woody la dirigiera. La  película es en realidad una colección de sketches sobre atracos, fugas y algo de romance. En ella se observan las distintas influencias de la infancia del director: Charles Chaplin, Groucho Marx, etc. Como será habitual durante toda esta primera época la película resulta muy divertida pero deja poca huella en el espectador. La inexperiencia de Woody se hace patente en los planos puramente funcionales y sin ninguna innovación técnica más allá de usar imágenes de documentales reales en algunas escenas.



BANANAS (1971)

La segunda película de Allen es una parodia de la revolución cubana. Fielding Mellish una trabajador sin suerte conoce a una activista social de la que se enamora. Intentando impresionarla acaba involucrado en el alzamiento de un ficticio país sudamericano. De nuevo, la película es una colección de gags sin un hilo narrativo demasiado férreo. Woody comentará sobre estas primeras películas:

“No son más que ritmo rápido y chiste tras chiste y a otra cosa. […] Con ellas ganas algo y pierdes algo, porque resulta difícil implicarse con los personajes, pero resulta fácil hacer gracia”

En la película no faltan referencias a clásicos del cine como “Tiemposmodernos” (la primera escena de Fielding con la máquina), “El acorazadoPotemkin” (el carrito en las escaleras) o las escenas oníricas de Buñuel.

Haz click en la imagen para ver una escena de Bananas

SUEÑOS DE UN SEDUCTOR / PLAY IT AGAIN, SAM (1972)

Entre el estreno de su primera película y la producción de Bananas, Woody Allen escribió y participó en una obra de teatro llamada “Play it again, Sam”. Allí conoció a Diane Keaton y empezaron a salir juntos. La obra tuvo un éxito tremendo y no tardó en ser adaptada para el cine. La productora contrató al reparto original de la obra e incluso le ofreció a Woody dirigirla. Sin embargo, Woody no estaba interesado por un guión que había escrito hacía un par de años y representado más de 400 veces. Así que la dirección recayó en Herbert Ross. Este hecho hace que la película sea bastante especial y algo distinta a las demás cintas de ésta época del neoyorquino. No se trata de una colección de gags cómicos sino que narra una emotiva historia sobre un enamorado de Casablanca que, tras un traumático divorcio, intenta aprender como conquistar a una mujer con la ayuda de unos amigos… y del mismísimo Bogart. La película es una joya para cinéfilos ya que está plagada de referencias al cine clásico (especialmente a Bogart y Casablanca).  Se trata sin duda de uno de sus mejores guiones de esta época.

TODO LO QUE USTED SIEMPRE QUISO SABER SOBRE EL SEXO (PERO NUNCA SE ATREVIÓ A PREGUNTAR) / EVERYTHING YOU ALWAYS WANTED TO KNOW ABOUT SEX * BUT WERE TOO AFRAID TO ASK (1972)

“Basada” en el manual sobre sexualidad del mismo nombre, esta película se compone de siete sketches que giran alrededor de las relaciones sexuales. Gracias al generoso presupuesto de la United Artist, Allen puede contar con un plantel de lujo: John Carradine, Tony Randall, Lynn Redgrave, Burt Lancaster,… Gene Wilder protagoniza quizás el fragmento más celebrado del film interpretando a un médico que vive un tórrido romance… con una oveja. Desde el punto de vista técnico el más interesante es el tercer episodio, una parodia del cine italiano de la época, que le obliga al director a jugar con los planos y las sombras aunque sólo sea por pura diversión y sin ninguna intención artística. Otro sketch que se ha convertido en icónico es la pieza final donde se narra el acto sexual “desde dentro” (al estilo “La vida es así”). Woody Allen disfrazado de espermatozoide es una de las escenas más recordadas.

EL DORMILÓN (SLEEPER) (1973)

(ver el comentario del principio)

LA ÚLTIMA NOCHE DE BORIS GRUSHENKO (LOVE AND DEATH) (1975)

Su siguiente película es una sátira de la literatura rusa de Tolstoi y Dostoievski. Boris es un joven ruso enamorado de su prima (Diane Keaton) que es obligado a alistarse en las guerras napoleónicas. Según el propio Allen es su película más divertida de ésta época y está plagada de guiños a la literatura y el cine europeo con algunas parodias de Bergman y Eisenstein. También hay giños a Chaplin, los hermanos Marx y Bob Hope (todos ellos personajes admirados por Allen).

                La película se rodó en Francia y en Hungría e incluyó una miríada de extras. Todos los problemas que conllevó el rodaje hicieron que el director abandonara este tipo de grandes empresas durante mucho tiempo.

Esta es la última de las comedias puras basadas en gags del director. A partir de 1975, cansado del humor absurdo Woody empieza a interesarse por otro tipo de películas más intimistas y emotivas. Fue así como nació Annie Hall, pero eso es otra historia para otro momento…